» Le loup est un chasseur ! Le photographe aussi ! La photographie animalière est, par ailleurs, nommée chasse photographique . Mais que nous soyons photographe animalier, portraitiste, reporter, photographe de plateau ou photographe de sports, nous sommes tous des chasseurs. Nous chassons l’instant, l’éphémère, le scoop, la lumière, les ombres, le sujet rare, le mouvement, l’ambiance, l’atmosphère, les couleurs, les formes, les lignes, les regards, les rires, les larmes, les émotions, l’exploit. Nous transformons parfois le réel en irréel, en image abstraite ou terriblement concrète. Mais quelle que soit notre spécialité ou notre passion, nous sommes tous des chasseurs, consciemment ou non. Notre approche est souvent la même, comparable à celle des grands prédateurs. Nous regardons tout autour de nous, puis nous décelons une présence, un mouvement, une forme. Alors notre regard et notre corps se figent, nous sommes connectés à notre sujet. Nous ne sommes plus simples spectateurs, nous devenons observateurs. En général, tout va très vite dans notre esprit. Le sujet, la distance qui nous sépare de lui, la lumière qui l’entoure, l’intérêt de déclencher. Tout comme les loups, nous nous faisons discrets, presque invisibles afin de ne pas perturber le spectacle qui s’offre à nous, car ce qui importe, c’est le résultat, l’émotion que procure cet instantané figé à tout jamais. »
Patrick BLIN ( Photographe français – Extrait de son livre Sur la terre des loups-Voyage en Yakoutie /2012
Patrick BLIN
« Craints ou adorés à travers les siècles, les loups ne nous laissent jamais indifférents. Pour ceux qui ont la chance de les apercevoir, la rencontre, même furtive, laisse une trace. J’ai eu le bonheur de les approcher… À travers mes photos, j’ai voulu rendre hommage à leur beauté et partager mon émotion ». P.B.
« Quand on est photographe de mode, il faut inspirer un rêve. Être photographe c’est travailler tout le temps car votre œil est le premier appareil photo. La photographie c’est un moment, un instant. Vous avez besoin d’une demi-seconde pour obtenir une photo, c’est donc bien de capturer les gens lorsqu’ils sont eux-mêmes !La mode est à l’opposé du réel qui est son pire ennemi. La photo de mode est subversive. » Patrick DEMARCHELIER (Photographe de mode français)
Patrick DEMARCHELIER (Photo de son fils Victor DEMARCHELIER) 1943/2022
Patrick Demarchelier fut un très grand et talentueux photographe de mode et de publicité, français, un portraitiste brillant, dont on disait qu’il était le photographe plus payé au monde dans sa catégorie . Lui se verra toujours comme un artisan de l’image . En 50 ans de carrière, il a acquis une importante notoriété, notamment aux Etats-Unis où il a eu beaucoup de succès.
Il est décédé le 31 mars 2022 des suites d’un cancer de la gorge et de la langue . C’est un autodidacte qui a , comme il l’a souvent répété, appris sur le tas, en faisant beaucoup de photos, et de nombreuses erreurs aussi au début, ce qui lui a permis d’apprendre et se perfectionner. On peut réellement affirmer qu’il a fait rayonner la mode française et internationale dans le monde entier. C’est une phrase qui revient souvent, mais elle est tout à fait justifiée.
Il fut très apprécié, très convoité, respecté. On a souvent appel à lui que ce soit des grandes marques comme Dior (40 ans de collaboration avec elle) , Céline, Lacoste, Revlon, Lancôme Chanel, Vuitton, Clavin Klein, Ralph Lauren, Saint Laurent, Elisabeth Arden, Armani , des magazines célèbres (notamment et plus particulièrement Vogue (version américaine et anglaise – Grace Coddington a lancé sa carrière à Londres) et Harper’s Bazaar (durant 12 ans) , des publicités, des couvertures d’albums, des acteurs, actrices, chanteuses etc … Les plus grands mannequins de la planète ont posé pour lui , certaines étaient des débutantes au départ et sont devenues célèbres après avoir posé sous son objectif .
Madonna
Keira KNIGHTLEY
Gisèle BÜNDCHEN
Cindy CRAWFORD
Christian DIOR Couture
Michael DOUGLAS
Tom CRUISE
Kiefer SUTHERLAND
Christy TURLINGTON et la rose
Meg RYAN
Sans oublier des personnalités royales et en particulier Lady Di. C’est elle qui le contactera en 1989 après avoir été séduite par des photos sur Vogue. Il dira avoir apprécié sa gentillesse, sa simplicité. Il va moderniser son image timide et un peu gauche du départ, et affirmer sa féminité. Elle fera de lui son photographe officiel personnel, mais aussi celui de la famille royale d’Angleterre. Ils resteront d’excellents amis jusqu’au décès de la princesse de Galles. Il deviendra également le photographe du prince Albert, princesse Charlène, princesse Madeleine de Suède etc etc…
Lady DI
Lady DI
Princesse CHARLÉNE de MONACO
« Quand je fais un portrait, je prépare ma photo. Je ne cherche pas le rapport de force. J’aime la spontanéité. Contrairement par exemple à Avedon qui aimait montrer le noirceur, moi j’aime dévoiler le côté positif, sympathique » P.D. – Il a photographié des personnalités célèbres, mais il affirmait que, finalement, ses plus beaux portraits étaient ceux de son fidèle teckel à poils long Puffy.
Puffy
Ses merveilleux clichés sont considérés comme des véritables œuvres d’art. Ils ont fait le tour du monde, l’objet d’expositions. Ils sont iconiques, légendaires, expressifs, . On apprécie chez cet adorateur de la beauté (propos de l’écrivain Glenn O’Brien), chez ce classique intemporel (comme le disait la papesse de la mode Anne Wintour) son œil, sa grande compréhension du monde de la mode, son lyrisme, son glamour, sa patience, son expérience, sa facilité à savoir maîtriser l’espace, sa spontanéité, son naturel et sa gentillesse.
Il est né en France, à Eaubonne, en 1943 dans une famille plutôt modeste, élevé par sa mère avec ses quatre frères. Il se passionne pour la photographie vers l’âge de 17 ans. Son beau-père lui offre son premier appareil photo, un Kodak Eastman.
Départ pour Paris à 20 ans, premier emploi chez un photographe, puis déménagement à New York en 1975. Sur place il apprendra la photographie de mode, travaillera avec Henri Cartier-Bresson et Jacques Guilbert, débuts chez Vogue peu de temps après, première couverture et le succès avec une photo de Madonna en 1989, habillée par Jean-Paul Gaultier (ci-dessous) . En 1992, il deviendra le photographe principal du magazine Harper’s Bazaar. Il était parti pour six mois. Il restera et vivra définitivement aux Etats-Unis.
Madonna 1980 – Habillée par Gaultier
Il a signé, à deux reprises, en 2005 et 2008, le célèbre calendrier-culte Pirelli. En 2007 il a été fait officier des Arts et des Lettres par le gouvernement français en place à l’époque – La plupart de ses clichés sont en noir et blanc. Il est venu à la couleur à partir des années 1980 et là encore il s’est distingué en proposant des photos où le fond était en coordination avec la couleur de la robe afin d’obtenir plus d’effets et de la subtilité.
Calendrier Pirelli » Perles d’Orient » 2008
Calendrier Pirelli » Perles d’Orient » 2008
Une des photos signée Patrick Demarchelier pour le calendrier anniversaire de Pirelli (on peut y voir Helena Christensen- Isabeli Fontana – Alessandra Ambrosio – Alek Wek – Miranda Kerr et Karolina Kurkova) – Pour ce projet, la marque fit appel également à un autre photographe de mode connu : Peter LINDBERGH.
Il a épousé Mia Skoog, un mannequin rencontré lors d’une séance chez Vogue. Elle lui a donné trois garçons : Gustaf, Arthur et Victor qui deviendra, lui aussi, photographe de mode.
Au moment de vague du mouvement Me too, il a malheureusement fait l’objet , en 2018 d’une mise en cause pour harcèlement sexuel venue de certaines de ses anciennes assistantes. Une attaque qui l’a profondément attristé et qu’il a toujours farouchement nié, en affirmant que c’était des mensonges, des histoires ridicules, des propos diffamatoires pour ternir son image. De 2018 jusqu’à sa mort, il n’y a eu, finalement, aucune procédure judiciaire lancée à son encontre.
Milton Greengold dit Milton Greene a été un grand photographe. Il vu le jour à New York en 1922. Il a développé un grand intérêt pour la photographie dès l’adolescence et se perfectionnera, dans cet art, auprès du photojournaliste Elliot Elisofon avant de se lancer dans la photo de mode auprès de Louise Dahl-Wolfe qui travaillait pour Harper’s Bazaar.
Il a excellé dans cet univers de la haute-couture en travaillant pour de grands magazines internationaux comme Vogue, Look, Life etc…avec les mannequins vedettes des années 50 comme Suzy Parker ou Fiona Campbell-Walter, avant de se tourner, avec talent vers la photo-portrait de personnalités célèbres du cinéma, de la musique, du théâtre, de la littérature, l’ écriture et la télévision. Il a ouvert son propre studio en 1941.
Infiniment sensible au rapport humain, il a su, comme personne, saisir, en couleurs ou noir et blanc, avec beaucoup de naturel, de sincérité, de profondeur, la véritable personnalité, la beauté, l’élégance, la sincérité, l’émotion, les qualités de cœur et de sensibilité de chacune d’entre elles et c’est ce qui a fait son succès dans ce domaine. De par la beauté de ses photos en couleur, on l’a surnommé l’enfant prodige de la couleur.
Suzy PARKER – Milton GREENE
Coup de foudre artistique en 1953 avec Marilyn Monroe ( rencontrée une première fois en 1949 ) puis dans les studios de la Fox, et avec laquelle il fera de très nombreuses séries de photos comme la très belle Ballerine ou Série Noire. Elle sera son égérie, son associée dans l’agence qu’ils montent ensemble (Marilyn Monroe Productions, qui produira entre autres Bus Stop et Le prince et la danseuse ) – Ils entretiendront une longue et sincère amitié. Peut-être furent-ils amants, le bruit a couru mais nul ne le sait vraiment . Dans ses photos, il a tenu à ce qu’elle ne soit perçue non comme un objet sexuel , mais tout simplement comme un être humain, fragile, forte et complexe à la fois. Qu’elle soit plus Norma Jeane que Marilyn .
« Dans mon métier on rencontre beaucoup de mannequins, d’actrices. Mais jamais je n’avais rencontré quelqu’un avec tant de douceur, de tendresse. Marilyn était d’une grande hypersensibilité mais aussi schizoïde, elle pouvait être absolument merveilleuse et gentille et l’instant d’après, tout le contraire. » M.H.G
Il ne fit pas que des photos d’elle, il a surtout cherché à la protéger de l’univers d’Hollywood, il a négocié un temps les contrats qu’on lui proposait, écarté les difficultés qu’elle pouvait avoir, supervisé son maquillage et les éclairages sur les plateaux de tournage où elle se produisait etc…. A partir de 1955, elle va, malheureusement, s’entourer de personnes qui lui seront néfastes et s’écartera de Greene. En 1957, elle va rompre leurs liens dans la société qu’ils avaient en commun. Ensuite ils ne se verront plus, jusqu’à un certain jour de Juillet 1962 : elle l’appellera et souhaitera vivement le revoir. Malheureusement, elle décède en le 4 août de la même année.
Marilyn MONROE / Ballerine ( ou Tutu ) Milton GREENE
Marilyn MONROE – Milton GREENE
Marilyn MONROE – Milton GREENE
Marilyn MONROE – Milton GREENE
Il a été marié deux fois : la première avec son amour d’enfance Evelyn Franklin en 1942 ( divorce en 1949 – Elle épousera Richard Avedon ) , puis avec Amy Franco, un mannequin, en 1953 dont il a eu deux fils Joshua et Anthony. Il est décédé d’un cancer en 1985. C’est son fils Joshua qui gère les collections photographiques de son père, lesquelles font l’objet d’expositions présentant souvent des clichés inédits ou connus, comme ce fut le cas, par exemple, en février 2019, à la Galerie de l’Instant ( 46 rue de Poitou ) dans le 3e arr. de Paris qui a présenté de sublimes clichés.
» C’est un des personnages les plus énigmatiques de la photographie. Son nom est abondamment cité, toujours avec enthousiasme, et pourtant on ne sait quasiment rien d’elle, ni de ses photos. Elle s’est illustrée durant la guerre d’Espagne, mais son principal fait d’armes c’est d’avoir été la compagne de Robert Capa. Elle s’appelle Gerda Taro, une allemande qui éclaire les années 1920 /1930 et meurt trop jeune dans une époque où les traumatismes du monde et les exaltations individuelles sont mêlés.
Un ange ? Pas sûr. Oubliée ? certainement . En suivant la biographie de Gerda Taro, née Stuttgart en 1910, dans une famille bourgeoise, Irme Schaber met au jour la spectaculaire évolution du personnage. Ou comment une petite poupée de luxe, comme la qualifiait son amie d’enfance, devient sur le front espagnol la pequena rubita ( petite rousse ) pour les combattants républicains épatés. Au café comme au front, sa présence physique fait des ravages. On connait d’ailleurs bien plus de portrait qui la représentent que des photos prises par elle. Gerda Taro était belle, élégante, cultivée, et multipliait les amants au point qu’Hemingway l’aurait traitée de putain. En d’autre termes, indépendante.
Gerda Taro rencontre Robert Capa à Paris en septembre 1934. Ils sont deux juifs exilés parmi la cohorte d’artistes qui ont fui le nazisme. Ils sont sans le sou, se retrouvent au Dôme de Montparnasse, cherchent la célébrité. Capa s’appelle alors André Friedmann, photo-reporter hongrois au talent prêt à éclore. Taro le sent. Son coup de génie de de « fabriquer » le personnage Capa. Elle l’envoie chez le coiffeur, lui fait porter un costume à la place de la veste en cuir, lui invente un pseudonyme, sans doute en pensant au cinéaste Franc Capra. Elle devient son agent et vend à un tarif plus élevé que la normale les images de ce photographe américain toujours en reportage. Elle en profite, elle aussi, pour changer d’identité : Gerta Pohroylle ( son vrai nom ) devient Gerda Taro, en référence à Greta Garbo ( là encore sans certitude ).
D’agent, elle devient photographe. Portés par des convictions républicaines, Capa et Taro font équipe en 1936 en Espagne. Le tandem survit à leur séparation, avant que Taro ne s’impose comme » envoyée spéciale » de ce Ce Soir et Regards, deux journaux communistes. Elle meurt le 25 juillet 1937, écrasée accidentellement par un char durant la bataille de Brunete. Elle avait 27 ans. Le magazine Life salua » la première femme photographe tuée en action. »
La carrière de l’alouette de Brunete n’a duré que onze mois, ce qui est peu. Mais pourquoi son travail a t-il été occulté ? Cette femme libre a d’abord été transformée, dès sa mort, en icône du parti communiste français. Sa disparition fait les gros titres du PCF. Pas moins de 10.000 personnes accompagnent sa dépouille au Père-Lachaise sur fond de la Marche Funèbre de Chopin. Paul Nizan et Louis Aragon font son éloge alors que sa tombe est sculptée par Giacometti. De plus, Capa, écrit Schaber, était « habitué à considérer comme siennes les images de Gerda « . Elle montre comment, en onze mois d’Espagne, les photos de Taro ont été publiées sous la signature de » photos Capa « , puis » Capa/Taro » et enfin « Taro » seule. Mais sa disparition brutale et la notoriété du photographe hongrois ont fait que des » photos Taro » sont devenues » photos Capa » et que ce dernier a « favorisé ces transformations « .
Après la mort de Robert Capa, en Indochine en 1954, alors que la fonds Taro était associé au sien, » aucun travail de recensement ne fut effectué » par Cornell Capa, frère du photographe. Ce dernier a entretenu » la légende selon laquelle Taro, si elle avait bien été l’agent et l’amie de son frère, n’avait, en aucun cas, été elle-même photographe professionnelle. » écrit Irme Schaber. » Michel GUERRIN ( Écrivain français )
» Enfants sur une barricade » – 1936 – Gerda TARO
» Mère et enfant durant la guerre civile » – 1937 – Gerda TARO
» Soldat de la marine espagnole à bord du navire de guerre » Jaime I » / Almeria » – 1937 – Gerda TARO
« Foule à la porte de la morgue après un raid aérien » 1937 à Valence (Espagne) – Gerda TARO
Bert STERN : » en 1962, je suis assez sûr de moi et de mon métier de photographe pour me mesurer à Marilyn. Je possède mon art de regarder autant qu’elle possède l’art d’être regardée. Pourquoi attendre davantage ? «
» En 1962, Bert Stern est un photographe reconnu par la qualité de ses portraits ; c’est un chasseur d’icônes qui croque les stars les unes après les autres. Dans l’avion qui le ramène de Rome où il vient de photographier Liz Taylor sur le tournage de Cléopâtre, il caresse un rêve : celui de photographier Marilyn Monroe. Dès son retour à New York, il propose à Vogue un reportage photos sur Marilyn Monroe. La rédaction du magazine accepte cette idée avec enthousiasme.
Les événements s’enchaînent rapidement. Marilyn accepte de poser pour lui. Bert Stern peut réaliser son rêve. Plutôt que de la photographier en studio, il préfère s’installer dans une suite de l’hôtel Bel-Air de Los Angeles. L’éclairage est minimal. Il attend Marilyn avec inquiétude. Viendra … Viendra pas ? Marilyn est connue pour ses sautes d’humeur et ses caprices. Elle est devenue très fantasque. Elle vient seule et n’a que cinq heures de retard. La séance peut alors commencer !
Marilyn accepte de poser nue, le corps sans maquillage. Un rapport puissant, presque amoureux, s’installe entre le modèle et le photographe. Il la photographie durant douze heures sans s’arrêter. Le résultat est exceptionnel, mais trop dénudé pour Vogue qui propose à Bert Stern de la rephotographier, mais cette fois maquillée et plus habillée. Marilyn accepte de poser une nouvelle fois pour Bert Stern.
Elle meurt un jour avant la sortie de son reportage dans Vogue. La dernière séance est composée de 2571 photos. Bert Stern choisit de n’en présenter qu’un petit nombre. Chaque exposition génère une nouvelle sélection de photos. » Olivier LORQUIN ( Écrivain, directeur du musée Maillol)
Marilyn – La dernière séance – 1962 – Bert STERN : » Marilyn enfile une petite robe noire toute simple. Kenneth la coiffe en dégageant le visage. Elle est très belle. Il me faut un contre jour. Cette image est la quintessence du noir et blanc et de la blondeur. Il y a une grande pureté dans ce genre de travail. » Bert STERN Marilyn La dernière séance – 1962 – Bert STERN : » » Marilyn est un fantasme. Si elle s’immobilise un seul instant, sa beauté va s’envoler. Photographier Marilyn, c’est comme photographier la lumière même. » Bert STERN Marilyn – La dernière séance / Bert STERN 1962
Marilyn La dernière séance – 1962 – Bert STERN « Elle prend les foulards l’un après l’autre, les regarde, les palpe. Elle en soulève un devant la lumière. Je vois son visage à travers. Elle a du bleu dans les yeux. Elle baisse le foulard et m’interroge du regard. – « Vous voulez faire des nus ? « … Elle a tout deviné. – « C’est-à-dire…heu.. j’imagine que ce ne serait peut-être pas mal. Pas vraiment des nus puisqu’il y aurait un foulard. » – « Très transparent ? » – » Tout dépendra de l’éclairage. » – Échange entre Marilyn et Stern durant la séance.
« Contrairement à ce que l’on peut croire, je suis très timide, pas du tout autoritaire. La photographie a été pour moi un outil de socialisation qui m’a permis de découvrir l’autre et de garder une part d’imprévu ..Mon père était officier dans l’armée de l’air. J’ai passé mon enfance à voyager. Notre famille de six enfants s’entassait à l’arrière d’un break, nos bagages étaient empilés sur le toit. Mes parents se relayaient au volant. Un jour ma sœur m’a dit que, finalement, mon tout premier cadrage c’était la vitre de la voiture à travers laquelle j’ai vu défiler tellement de choses. Je n’ai jamais cessé de photographier en parallèle des célébrités et des déshérités, des migrants, des laissés-pour-compte du grand rêve américain … Mon travail sur l’image devient de plus en plus intéressant et complexe avec le temps, et c’est à moi de le nourrir. Je suis en perpétuelle recherche d’inspiration et totalement incapable de dire non. Je n’ai jamais su comment mettre quelqu’un en valeur, ni la différence entre le bon et le mauvais profil. J’ai fini par m’y entendre un peu en éclairage, bien que je ne sois pas une bonne technicienne. J’ai des assistants pour ça. Moi, je me contente de regarder et composer l’image, mais je n’aime pas diriger les gens. C’est à eux de se projeter » Annie LEIBOVITZ ( Photographe américaine, spécialiste du portrait )
Annie LEIBOVITZ
Anna Leibovitz est une très célèbre photographe américaine. Elle a fait du portrait une spécialité et on peut dire qu’elle excelle dans son domaine. Ce sont des clichés vraiment forts, originaux, expressifs, surprenants, intimes, lumineux, iconiques, réalistes, inventifs, subversifs, sophistiqués, impertinents, humoristiques aussi, voire même ironiques. Il y a aussi une part d’authenticité, notamment ceux des années70/80 qui permettent de voir l’évolution des générations et de la société. Elle ne s’interdit rien. Sa réputation, à travers le monde, n’est plus à faire, et ses photos font la une des plus grands magazines. Certaines sont même devenues cultes.
Photo prise en 1974 après le départ de RIchard Nixon de la Maison Blanche – Elle fut la seule photographe à faire ce cliché
Il est incontestable qu’elle a un don certain pour capter le petit plus de la personnalité de celles et ceux qu’elle photographie. Des personnalités célèbres qui acceptent, sans hésiter, qu’elle les montre dans des mises en scène assez curieuses parfois, originales sans aucun doute.
Elle sait comme personne les mettre à l’aise, y compris celles que l’on imagine pas capables de le faire comme par exemple la reine Elisabeth II qui n’a pas hésité à lui faire confiance. C’est vrai que durant la séance de 2007, il y avait eu quelques petits échanges maladroits . La photographe demande à la reine de retirer sa couronne pour quelques photos où elle apparaîtrait moins habillée . Oh my god ! La reine est choquée ! Moins habillée ? Que croyez-vous que c’est ? (parlant de la couronne) …. Leibovitz dira par la suite que la reine fut « impétueuse et grincheuse, mais avait un sens du devoir« ) ce qui sera repris par la BBC qui, par la suite, présentera ses excuses pour en avoir parlé . Sa Majesté n’a pas hésité, cependant , à faire la rappeler pour le portrait officiel de 2008 et autres photos en 2017.
Sa majesté la reine Elisabeth et son époux le prince Philipp / Annie LEIBOVITZ
De très nombreuses célébrités venues du monde du cinéma, de la mode, de la musique, et de la politique sont passées derrière son objectif : Sylvester Stallone, Carla Bruni, le Dalaï Lama, Angelina Jolie, Caitlyn Jenner, Yoko Ono et John Lennon, la famille Obama, Nelson Mandela, Michael Jackson, Demi Moore, Lady Gaga, Tony Kushner, Michael Baryshnikov, Hillary Clinton, Donald et Melania Trump, Adèle, Anna Wintour etc etc etc la liste est longue ! – Mais les portraits n’ont pas été ses uniques sujets elle a travaillé sur le conflit à Sarajevo et immortalisé Ground Zero.
Caitlyn JENNER (Ex Bruce Jenner)
Famille OBAMA pour Vogue Magazine – Annie LEIBOVITZ
Lady Gaga – Annie LEIBOVITZ
Demi MOORE – Annie LEIBOVITZ
Michael JACKSON – Annie LEIBOVITZ
Carla BRUNI-SARKOZY sur le toit de l’Elysée – Annie LEIBOVITZ
Leonardo DI CAPRIO – Annie LEIBOVITZ
Elle est née à Waterbury(Etats-Unis) en 1949 dans une fratrie de six enfants. Fille d’un militaire dans l’armée de l’air et d’une professeur de danse contemporaine (elle dit avoir hérité des deux dans son travail : discipline, rigueur, et délicatesse) Études dans la peinture au San Francisco Arte Institute et parallèlement dans la photographie le soir.
C’est à cette époque qu’elle découvre les grands photographes les plus connus, décide de se lancer à son tour dans cet art et débute avec un appareil offert par sa maman . Elle part vivre dans un kibboutz en Israël, prend de nombreuses photos une fois sur place . Lorsqu’elle rentre aux Etats-Unis, et sur les conseils d’un ami, elle présente ses clichés au magazine Rolling Stone qui apprécie beaucoup et l’engage. Son talent va payer : elle en deviendra durant dix ans la photographe officielle.
Groupe Rolling Stone durant leur tournée / Photo du magazine – Annie LEIBOVITZ
Mais avant de recevoir ce titre, avant de faire la photo officielle du groupe Rolling Stone et partir en tournée avec ceux, le patron du magazine lui demandera de faire un portrait de John Lennon. Le résultat le satisfait pleinement et la photo fera la une du magazine en 1971. Une photo de Lennon avec Yoko Ono qui deviendra mythique, prise quelques heures seulement avant qu’il ne décède, tué par balle par Mark David Chapman.
John LENNON & Yoko ONO – Annie LEIBOVITZ
En 1983, elle quitte Rolling Stone, décide de se lancer dans les photos pour des couvertures de magazines et travaillera beaucoup notamment avec Vanity Fair au départ, puis en 1998 avec Vogue. Elle s’entoure de très nombreux assistants, plongent les personnalités qu’elle photographie dans des décors et costumes assez coûteux. Les directions font un peu la tête, mais lui donnent carte blanche pour la qualité de son travail.
En 1988, elle rencontre celle qui deviendra la femme de sa vie : la romancière Susan Sontag. Coup de foudre amoureux dont elles diront longtemps qu’il est amical, préférant la discrétion sur leur relation. Susan est mariée et elle a une fille. Elles sont très différentes (l’une glamour, l’autre militante de gauche) mais elles se complètent. Elles voyageront beaucoup ensemble. Leur très belle histoire va durer jusqu’au décès de Susan en 2004.
Susan SONTAG / Annie LEIBOVITZ
Par ailleurs, les célébrités ne sont pas les seules qu’elle aime avoir derrière son objectif. Sa famille a eu une grande importance : que ce soit sa compagne Susan, ses parents, sa grand-mère, sa sœur, ses trois filles : Sarah, et ses jumelles Samuelle et Susan, qui sont pour elle de grandes sources d’inspiration et lui permettent d’aborder l’intime, le naturel, le sans artifice.
Avec ses filles / Annie LEIBOVITZ
Ses photos ont fait, et continuent de faire, l’objet de nombreuses expositions à travers le monde entier, que ce soit dans des musées ou des galeries. Elle a reçu de nombreux prix tout au long de sa carrière comme, par exemple, le titre de Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français, la médaille du centenaire de la Royal Photographic Society de Londres, le prix Wexner, un Lifetime Achievement Award par le Centre national de la photographie etc… La bibliothèque du Congrès des Etats-Unis la décrit comme une véritable légende vivante !
«Le premier impact de l’image est instantané, quelque chose que je ressens en moi. Mais ensuite je vais l’imprimer, le mettre sur mon mur et vivre avec durant des mois. Si je l’aime et que je ne m’en lasse pas, je sais qu’il résistera à l’épreuve du temps. Je suis assez fascinée par le fait de briser certaines des règles de la photographie contemporaine en utilisant l’eau et la lumière de manière expérimentale. Je fais différemment des autres photographes sous-marins, je photographie au-dessus de l’eau et j’utilise la réfraction des lumières » » Christy LEE ROGERS ( Photographe américaine)
Christy Lee Rogers est une grande photographe d’art sous-marin, américano-hawaïenne (née à Honolulu) . vivant à Nashville aux Etats Unis. Elle est peu connue en France (bien qu’elle ait fait l’objet d’une exposition de ses clichés à l’Opéra d’Angers en 2013/14) mais elle est dotée d’une grande réputation dans de nombreux pays pour son travail en contrastes et clair-obscur, dans lequel elle développe un style qui fait penser à des peintures baroques.
Elle a mis plus de quinze ans à développer sa technique et continue toujours d’expérimenter de façon constante. C’est très original, fascinant, impressionnant et assez unique.
Élue photographe de l’année en 2019 aux Sony World Awards, elle expose souvent aux Etats Unis, en Chine, au Japon, en Argentine, en Europe aussi et ses photos apparaissent dans des magazines internationaux comme Vogue, Harper’s Bazaar, Elle décoration, Art China etc. –
L’eau a toujours été pour elle une véritable passion, voire une obsession. Elle travaille la nuit( au-dessusd’une piscine) pour plus d’intensité dans les lumières, plus éclat dans l’obtention de couleurs éblouissantes (prédominante la couleur pour elle !). Les corps sont enchevêtrés et ondulent dans l’eau.
« Je choisis des couleurs qui se démarquent du noir comme les rouges, les oranges, et les blancs, puis je mélange du bleu et du marron pour remplir ces tons moyens. Mes gouts personnels sont beaucoup de neutres avec d’énormes touches de couleurs. C’est le contraste qui me délivre un message. « C.L.R.
Ce travail magnifiquement complexe a une signification : celle d’évoquer et traduire la force, mais également la fragilité, la vulnérabilité, le tragique, la folie même, de la condition humaine.
« Pendant toute ma vie de photographe ce sont des moments tout à fait aléatoires que j’ai retenir. Ces moments savent me raconter bien mieux que je ne saurai le faire. Ils expriment mon regard, ma sensibilité. Mon auto-portrait ce sont mes photographies. A chaque photo, il pouvait se passer quelque chose comme il pouvait ne rien se passer. Ma vie a été un pavé de déceptions mais aussi d’immenses joies … Je ne voudrai retenir que ces moments de joie qui consolent de tous les autres. Quand la vie, furtivement, vous fait un signe de reconnaissance, vous remercie, il y a alors ne grande complicité avec le hasard que l’on ressent profondément. Alors on le remercie aussi. C’est ce que je nomme la joie de l’imprévu. Des situations minuscules, comme des têtes d’épingle. Juste avant il n’y avait rien et juste après il n’y a plus rien. Alors il faut être toujours prêt. » Willy RONIS
L’objectif est tourné ce jour vers un merveilleux et talentueux photographe-reporter qui a eu une très longue carrière couronnée de nombreux prix ( Prix Kodak 1947 – médaille d’or à la Biennale de Venise 1957 – Grand prix national des Arts et des Lettres 1979 – Prix Nadar 1981 ) ; un œil sûr qui a su magnifiquement bien capter les gens et leur vie quotidienne. Il fut membre de la Royal Photographic Society of Great Britain ( 1993 ).
Un passionné de dessin et de peinture qui a souvent déclaré que le photographe se rapprochait du peintre dans ce qu’il fallait de patience, de réflexion et de temps à réaliser une œuvre : ‘‘ La photo est fille de la peinture. Je mets ces deux disciplines sur un pied d’égalité. Lorsque l’on est artiste, on produit de l’art, peut importe lequel. » – La photo de son épouse, nue devant un lavabo, prise à Gordes dans leur maison en 1948 et qui fait partie d’une série, a eu beaucoup de succès, elle fut publiée par l’agence Rapho. On l’a souvent comparée à un tableau.
» Le nu provençal » 1949 à Gordes – Willy RONIS ( Médiathèque de l’architecture et du patrimoine) — » Je bricole au grenier, il me manque une certaine truelle restée au rez-de-chaussée. Je traverse l’escalier de pierre qui traverse notre chambre au premier. Sortie de sa sieste, Marie-Anne s’ébroue dans la cuvette ( on va chercher l’eau à la fontaine). Je crie » reste comme tu es ! » – Mon Rolleiflex est sur une chaise, tout près. Je remonte trois marches et fais quatre prises, les mains tâchées de plâtre. C’est la deuxième photo que j’ai choisie, le tout n’a pas duré deux minutes. C’est ma photo fétiche parue depuis lors sans discontinuer, ici et partout. Le miracle existe, je l’ai rencontré »
Ses clichés sont de véritables portraits, à la fois intimistes, pleins de tendresse, d’émotion, de réflexion, de fraîcheur, profonds et poétiques. Ils semblent nous raconter l’histoire des personnes qu’il rencontre, sur lesquelles il a posé, très souvent, un regard d’enfant, un regard attendri. Au-delà d’eux il y a eu aussi toutes les rues et les ruelles des quartiers de la capitale où il a aimé se promener, flâner , des patineurs au bois de Boulogne, des promeneurs, le froid , la neige qui tombe , la Pyramide du Louvre, les Puces de St Ouen, les Halles, les trains , les manifestations et grèves dans les usines , les enfants, les amoureux ( » chaque fois que je rencontre des amoureux, mon appareil sourit : laissons-le faire ! « ) la guerre, la Provence, les paysages industriels.
» j’aime mieux tâter un peu de tout, quitte à porter mon effort sur ce que je fais volontiers et refuser ce qui m’intéresse moins. Être libre ? Oui, mais ça n’est pas tant la question de liberté que le goût des choses diverses. » W.R.
Un travail très éclectique, empreint d’une grande liberté d’exécution, sans contrainte aucune, sans le souci de devoir se conformer à une mode quelconque, sans devoir obéir à qui que ce soit. Ce fut un artiste authentique, sincère, avec juste le désir, niché au plus profond de lui-même, de donner une image de ce qui présentait à lui. Il a nettement préféré que son travail ait du sens et que ses photos restent des moments de vérité éternelle, sans vulgarité aucune.
Son œuvre photographique n’a jamais été empreinte de tristesse et même lorsque la gravité était là, elle fut humainement lumineuse, constellée de cet émerveillement qui fut le sien pour nous offrir ces cadeaux que sont ses photos. Il nous a , en quelque sorte, ouvert son journal intime car ses clichés sont non seulement liés à sa vie, mais aussi à ses idéaux politiques et idéologiques, aux découvertes qu’il a faites dans le monde, un monde dont il a tellement aimé explorer les mystères ! Il fut un optimiste, un peu espiègle, humoristique, et tendre.
Il n’a pas de trépied mais photographie appareil en bandoulière, tenu à la main. Il observe, patiente, réfléchit, calcule le bon angle, puis capture l’instant avec émotion. Ses photos excellent dans l’art de la composition. Elles jouent à merveille dans les jeux de l’ombre et de la lumière. Lui dira que ce qui l’a inspiré c’est ce que la lumière éclaire et surtout comment les gens ressortent de ce clair-obscur.
La photo a été une véritable passion : » j’ai remercié le destin de m’avoir fait photographe. Cela m’a probablement préservé de souffrances intolérables. » – Ce qui a été merveilleux chez lui c’est d’avoir su s’émerveiller de tout ce qu’il a approché dans cet univers et toute sa vie durant.
Willy Ronis est né dans une famille juive en 1910, d’une mère lithuanienne très croyante et d’un père ukrainien agnostique. Sa maman était musicienne et jouait du piano. Non seulement elle lui apprendra à en jouer, mais il suivra, également, des cours de violon dès l’âge de 7 ans. Il a beaucoup aimé la musique et d’ailleurs à une certaine époque il aurait voulu en faire son métier, être compositeur. Lorsqu’il dit : » La majorité de mes photographies sont composées en hauteur, car je travaille en surplomb pour faire émerger les différents plans distinctement. C’est pour moi comme les trois ou quatre portées d’une Fugue de Bach » on est tenté de croire que finalement la musique a » accompagné » ses photos.
Son père était photographe en Ukraine et trouvera un emploi de retoucheur-photos en arrivant à Paris. Après avoir travaillé pour d’autres, il ouvrira un magasin rue Voltaire. C’est lui qui a guidé les premiers pas de Willy dans le monde de la photo..
Il a donc baigné et grandi dans cet univers. Pourtant à ce moment là il ne se voyait pas épouser une carrière dans la photo, mais plutôt dans le monde de la composition musicale. Par ailleurs il suit des cours de droit à la Sorbonne;
Les choses prendront une autre tournure lorsqu’il devra, un jour, remplacer son père, atteint d’un cancer, dans le magasin Une période de 4 ans durant laquelle il avouera s’être beaucoup ennuyé . Le père meurt en 1936, le studio se retrouve face à de nombreuses dettes, le magasin est vendu, les créanciers s’en empare. Toute la famille part dans les 11e arr. Il lui faut trouver du travail.
La photographie de presse l’intéresse et retient son attention. Premiers clichés pour la SNCF, et l’ Office du tourisme. L’arrivée du Front populaire va lui offrir l’opportunité de beaux clichés comme ceux du 14 juillet à la Bastille, un événement qu’il qualifiera de » fabuleux « ! – A partir de là, il prend son envol et se lance en 1937 dans ce métier de façon officielle en tant que photographe-reporter-illustrateur et fait l’acquisition de son premier Rolleiflex.
En 1938/39 il couvrira les grèves de l’industrie automobile ( Citroën ) ainsi que différents mouvement sociaux , immortalise une déléguée syndicaliste qui va plaire et qui sera publiée . Elle fera le tour du monde entier. Il va rencontrer de grands photographes , se lier avec certains comme par exemple Henri Cartier-Bresson avec lequel il rejoindra , à peu près à cette époque, l’Association des Écrivains et Artistes révolutionnaires ( assez proche du parti communiste) –
« Rose Zehner » (Syndicaliste Citroën ) – 1938 – Willy RONIS ( Médiathèque de l’architecture et du patrimoine)
Communiste il l’a été lorsqu’il était jeune mais sans y adhérer au départ. Les photos faites pour le Front populaire au 14 juillet feront l’objet d’une publication dans une revue de ce mouvement. Il se sentira, par ailleurs, très proche du monde ouvrier et compatira à leurs problèmes, il sera membre du parti très peu de temps (1945/1951) , préférant rester indépendant. Même si il a partagé leurs idéaux , il n’a pas milité ni jamais fait passer un quelconque message de ce parti au travers de ses photos.
» Mes idées ont été et sont toujours fondées sur la libération des hommes du joug capitaliste. J’ai été membre du parti communiste un certain temps et j’ai travaillé quelques années pour ce mouvement tout en restant indépendant. J’étais orienté certes, mais je suis resté libre ! » W.R.
Durant la guerre, face au régime de Vichy il passera outre le fait de devoir rester à Paris et porter l’étoile jaune. Il franchit la ligne de démarcation et partira vivre dans le midi de la France en faisant différents petits métiers. Son appareil photographique sera rangé durant toute cette période.
La seconde guerre mondiale avait interrompu ses activités photographiques , il les reprendra à la libération en travaillant alors pour le Time, Life, Point de vue et image du monde et rejoint en 1946 l’agence Rapho dans laquelle de grands photographes sont en poste notamment Doisneau et Brassaï. Avec eux, dans les années 50 naîtra la mouvance des photographes humanistes, s’intéressant nettement plus aux gens.
Les marchandes de frites » – 1946 – Willy RONIS ( Médiathèque de l’architecture et du patrimoine) – » Ce jour-là je venais de terminer un reportage sur les Halles Baltard, les grandes Halles de Paris. Le quartier m’intéressait beaucoup et je me promenais encore, comme ça au gré de ma fantaisie. Il était midi et j’étais arrivé rue Rambuteau. J’ai été saisi par la grâce de ces deux jeunes filles qui vendaient simplement des frites et parlaient à un client qui, naturellement, plaisantait avec elles. J’ai fait ma photo, de chic, le nez au vent. Il y avait beaucoup de monde tout autour et comme elles étaient jolies et avenantes ça excitait la verve des clients. Paris vivant une période d’optimisme et de grande enthousiasme. C’est ce que traduit pour moi cette photo. Leur charme, leur sourire, leur malice, c’est au fond tout ce qu’on aime dans ce Paris-là, vif, alerte, drôle … »
Cette année-là il épouse une peintre Marie-Anne Lansiaux qui avait un fils Vincent. Ronis va l’élever comme s’il était le sien. Malheureusement, il aura la douleur de le perdre en 1988 lors d’un accident de deltaplane . Trois ans plus tard, c’est sa femme qui décèdera atteinte depuis quelques années de la maladie d’Altzeimer.
Différents reportages voient le jour , notamment sur le retour des prisonniers de guerre et donc, par conséquent, de nombreux voyages dans toute l’Europe – Avec son épouse ils feront l’acquisition en 1949 d’une maison à Gordes.
» Le retour des prisonniers » – 1945 – Willy RONIS ( Médiathèque de l’architecture et du patrimoine) – » Ce jour-là j’étais à la gare de l’Est pour réaliser un reportage et en marchant dans la gare bondée, où les prisonniers arrivaient, fatigués, amaigris, dans une atmosphère assez troublante de cohue et d’espoir, j’ai été soudain frappé par cette infirmière qui faisait ses adieux à un prisonnier qu’elle avait dû soigner pendant le convoi. J’assiste donc à leur séparation. Je me dis que le prisonnier arrive à Paris et que, probablement, quelqu’un l’attend, quelqu’un qui l’a même attendu très longtemps. Mais ça, je ne le sais pas vraiment. J’imagine, j’invente, j’associe, je me laisse aller à ma rêverie, mais c’est au moment précis où j’ai développé et tiré cette photo qu’elle m’a bouleversé, parce qu’il y avait une expression si émouvante sur le sur le visage de cette femme si complice et pudique à la fois… »
Après avoir quitté son agence dans les années 55 , il se tournera vers la photo de mode et la publicité.
C’est là que commenceront un peu les années » galère « . En refusant de faire des concessions sur la présentation de ses photos, en voulant rester avant toute chose le créateur de son travail, d’avoir un droit de regard sur lui, de vouloir en conséquence » se mettre en retrait » pour rester très indépendant, il va se marginaliser et on ne fera plus trop appel à lui. On pensera qu’il n’a plus trop envie de travailler et lui-même dira qu’il a dû taper aux portes : » j’ai fait du porte-à-porte, mes photos sous le bras. Les rédactions ne m’appelaient plus. » – Ces difficultés dans sa profession vont entraîner des problèmes financiers. Il quittera Paris et se réfugiera avec femme et enfant à Gordes puis à L’isle sur Sorgue.
Les photos de mode qu’il propose ne retiennent pas l’attention, tout simplement car désormais ce qui plaisait à l’époque eh bien c’était le scoop ! Mais il n’a pas l’âme d’un paparazzi : » j’ai sérieusement songé à quitter le métier. J’étais une espèce de maniaque inadapté. »
Dans les années 70 il enseignera la photo à l’Ecole des Beaux Arts d’Avignon, dans les facultés d’Aix en Provence et Marseille. Elles seront les années du succès revenu, celles des récompenses et des titres . En 1983 c’est le retour dans la capitale. Il fait l’objet de nombreuses expositions en France, en Russie, en Angleterre, aux Etats Unis et même au Japon où aura lieu une grande rétrospective de son travail à Tokyo en 1985.
Après tant d’années vouées à son art, Il arrêtera sa profession entre 2000/2001 en jugeant que l’heure était venue pour lui d’y mettre un terme. D’autres expositions suivront. En 2009, il décède, presque centenaire, à l’âge de 99 ans.
Avant cela il avait fait don à l’État en 1983 et 1985 de ses archives photographiques afin d’une part qu’elles ne quittent pas la France, et d’autre part, il reçoit un engagement du paiement de son loyer jusqu’à la fin de ses jours ( il traversait alors de grosses difficultés financières) . Pour cela, c’est lui qui a repris toute son oeuvre et trié beaucoup de photos et rassemblé celles qui lui ont semblé être les meilleures. Pour que l’utilisation qui en sera faite soit optimum, il écrira un testament dans lequel il nomme quatre exécuteurs. Son petit-fils Stéphane Kovalsky a été héritier d’une part réservataire.
» Le petit parisien » – 1952 – Willy RONIS ( Médiathèque de l’architecture et du patrimoine) ( » Ce jour-là, pour cette photo qui a été tant de fois reproduite dans la presse et qui, pour finir, pourrait venir signer mon auto-portrait en petit parisien, j’avais fait une petite entrave à ma pratique habituelle. Je veux dire que j’ai fait un minimum de mise en scène. Je devais illustrer un reportage qui s’appelait » Revoir Paris » et racontait l’histoire d’un parisien qui était allé vivre quinze ans à New York et revenait à Paris en remarquant, avec amusement, tous les signes distinctifs de ce qu’on voit à Paris. Parmi toute ces choses distinctes, il y avait bien entendu le grand pain parisien. Il fallait donc que je trouve une façon particulière de le photographier, de le mettre en situation, ça n’aurait pas eu de sens de choisir simplement le cadre d’une boulangerie. Il était midi, je suis allé dans mon quartier rôder du côté d’une boulangerie. Dans la queue j’ai vu ce petit garçon avec sa grand-mère qui attendait son tour. Il était charmant avec un petit air déluré. J’ai demandé à sa grand-mère : » s’il vous plait Madame est-ce que vous m’autoriseriez à photographier ce petit garçon lorsqu’il sortira avec son pain ? J’aimerai bien le voir courir avec son pain sous le bras…. » Mais oui bien sur, si ça vous amuse, pourquoi pas ? » – Je me suis posé un peu plus loin, j’a attendu, il a acheté son pain et il a couru de façon si gracieuse et vivante…. »
P.S : Les explications de Willy RONIS sous les photos sont extraites de son livre » Ce jour-là » aux Editions Mercure de France)
René Maltête fut un atypique et merveilleux photographe. Il nous a laissé des photos décalées, attachantes, impertinentes, ironiques, malicieuses, drôles, mais non dénuées de tendresse . Elles nous font sourire aujourd’hui encore et en ces temps moroses cela fait franchement du bien !
Cet homme très discret, dont on disait qu’il fut » anarchiste, anti-conformiste, non-violent, anti-militariste, pacifiste … » ou bien encore » un militant ardent, inventif, ayant engagé l’humour sous la bannière des causes qu’il défendait : la protection de la planète et la condamnation de la guerre » … fut bien moins connu personnellement que ne l’ont été ses clichés , exposés dans le monde entier lors d’expositions ou sous forme de cartes postales.
Il est né en 1930 et mort en 2000. La photo est entrée dans sa vie lorsqu’il était adolescent. A l’âge de 20 ans, il effectuera un stage auprès de Jacques Tati et Claude Barma, et dix ans plus tard il fera partie de l’agence Gamma-Rapho.
Sa passion sera de saisir des instants insolites et cocasses, qui nous prouvent combien ce photographe savait manier originalité, humour mais également poésie (lui qui a été aussi poète à ses heures) et philosophie pourrait-on dire parce qu’elles amènent à la réflexion .
» Pour moi la photographie est un art de l’observation. Il s’agit de trouver quelque chose d’intéressant dans un endroit ordinaire. J’ai trouvé qu’il y avait peu de choses que l’on voit et tout est à voir avec la façon dont on les voit. » Elliot ERWITT (Photographe américain)
Elliott Erwitt a mis sa vie au service de la photographie dite » originale « . L’œil rivé derrière son objectif, scrutant les moindres faits et gestes et n’ayant pas son pareil pour savoir capter un instant précis qui devient quasiment une petite histoire que l’on pourrait raconter en la regardant.
Pour bien comprendre ses photos, il faut avoir en tête que l’humour et le talent de ce photographe ne se trouvent pas dans ce qu’il photographie, mais plutôt dans la photo elle-même, à savoir que l’on peut être amené, par exemple, à prendre une scène cocasse qui finalement se révèle sans vie, et photographier une personne ( ou une situation) qui fait un geste tout à fait banal au premier abord mais qui le fait d’une façon telle que la photo devient alors très amusante et intéressante.
» Confessional de rue / 1940 » Elliott ERWITT
» Musée du Prado / 1995 » Elliott ERWITT
» Combat entre Mohamed ALI et Joe FRAZIER » Madison Square Garden de New York en 1971 – Elliott ERWITT : » j’avais acheté mon billet. J’étais au milieu de la foule quand Ali est tombé K.O. J’ai déclenché juste au bon moment. Ce qui rend l’angle original, c’est que tous les photos-reporters étaient placés près du ring. Moi, j’avais un autre point de vue.«
« Soldat tirant la langue / 1951 » Elliott ERWITT : « Cette photo d’un soldat me tirant la langue a été prise à Fort Dix pendant un entrainement de base. Je marchais, au milieu de la troupe, à côté de lui. Je portais mon appareil photo, un Leica à objectif pliable. C’est une vieille photo mais je l’aime toujours! »
C’est là le grand talent de Erwitt qui, avec son côté chaplinesque, a su réaliser ce que je viens d’expliquer, et qui le fait de façon simple, tendre, légère, lucide, drôle, espiègle et malicieuse, pétillante aussi, sans écarter l’émotion lorsqu’elle est bouleversante ou dramatique. Il ne revient jamais sur ses clichés au tirage, ne les recadre pas. La photo prise sur le vif reste telle quelle. Cela a toujours été très important pour lui.
Ses photos sont, pour la plupart, en noir et blanc. Il y en a eu en couleur également mais elles l’ont été pour un côté plus professionnel dirons-nous, destinées à des magazines ou pour l’Agence Magnum.
» Deauville 1965 » Elliott ERWITT
» Amsterdam 1965 » Eliott ERWITT
Erwitt est une vraie légende qui a fait l’objet de très nombreuses expositions un peu partout dans le monde. Ses sujets sont très variés : personnes dans des situations inattendues, objets et lieux insolites, scènes burlesques ou plus dramatiques, moments précis pris sur une plage, dans des trains, des bals, des photos de baisers volés, des stars, des hommes politiques, des écrivains, des enfants, des chiens …. Des tas de sujets, tout sauf la guerre !
» Paris 1989 Tour Eiffel » – Elliott ERWITT
» Santa Monica Californie 1955 » Elliott ERWITT
Les enfants font partie des sujets qu’il apprécie parce qu’il dit les trouver très spontanés, pleins de fraîcheur. Quant aux chiens, alors là il les a vraiment beaucoup aimés : » ils ne savent pas qu’ils sont photographiés et ont donc une attitude tout à fait naturelle « . Il avoue pourtant qu’ils ne sont pas tous photogéniques. Sa préférence va aux chiens français qui à son humble avis sont ceux qui affichent le plus de personnalité.
» La baguette et le béret / Provence 1955 » Elliott ERWITT
» L’enfant au pistolet » Elliott ERWITT ( Un jour dans une exposition on a demandé à Erwitt quelle était sa photo préférée parmi toutes celles qui étaient accrochées. Il a désigné celle-ci et a répondu « parce qu’elle m’émeut «
» Dog Jumping » 1989 Elliott ERWITT
Série Dogs en 1974 – Elliott ERWITT
» Série Dogs – Birmingham 1991 » Elliott ERWITT
Elliott Erwitt est né à Paris en 1928. Enfance passée d’abord en Italie, puis départ pour les Etats-Unis : New York d’abord, Los Angeles ensuite. Ses parents se séparent lorsqu’il est adolescent. Il va donc se débrouiller un peu tout seul. La photo fait déjà partie de sa vie à cette époque. Premier appareil à 13 ans, et travail dans un laboratoire de développement deux ans plus tard. C’est là qu’il dit avoir eu une révélation : celle que la photo allait devenir toute sa vie. Il tombe, en effet, sur une photo de Cartier Bresson sur des trains qui va le fasciner pour tout ce qu’elle apporte d’incroyable en atmosphère et qui se révèle complètement naturelle et inattendue.
A partir de là, son attrait pour la photo va considérablement s’intensifier. En plus de son travail en laboratoire, il photographie pour son propre compte et son plaisir. Il quitte ses obligations professionnelles, et part voyager en France, en Italie, collabore pour divers magazines très en vogue en Europe, puis retourne aux Etats-Unis.
Il part faire son service militaire tout en continuant à travailler pour des revues américaines. Son travail est à son image : optimiste, souvent ironique et plaît beaucoup. Il gagne même un concours. A la sortie de l’armée, il fera de belles et grandes rencontres : d’abord Edward Steichen qui lui obtiendra un véritable premier job dans la publicité et le fera participer à des expositions fondamentales et importantes.
Puis ce sera Robert Capa, déjà croisé avant son service militaire à Paris, lorsque ce dernier avait une petite agence de pub. Il apprend qu’il va ouvrir une agence américaine. Elle devient la célèbre Agence Magnum. Capa parraine Erwitt et le fait entrer. C’était en 1953. Il en deviendra l’un des principaux piliers, sinon le plus célèbre et bien des années plus tard le président. Ses photos pour l’agence feront le tour du monde et la Une d’un grand nombre de couvertures.
Son aisance, sa liberté, son sens aigu de la composition, son style sont sa carte de visite. En dehors de la photo, Erwitt a travaillé également dans la publicité, le reportage (Life, Look, Paris Match etc…) , le documentaire. Il a écrit de nombreux ouvrages sur la photo, a réalisé des programmes comiques ( voire satiriques ) pour la télévision.
Sa route a croisé celle de nombreuses personnalités connues : JFK, Jackie Kennedy, Le Che, Truman Capote, Fidel Castro, Marlène Dietrich, Simone de Beauvoir, Bill Clinton, Arnol Scharzenegger etc etc … Sans oublier Marilyn qu’il rencontre sur le tournage de Certains l’aiment chaud et la retrouvera dans les Misfits.
Dans tous les cas de figures, attention : pas de comportement spécial, ni d’attention particulière due à la hiérarchie, la notoriété. Quel que soit le statut social, tout ce beau petit monde sera traité de la même façon, placé à égal niveau.
» Marilyn 1954 » Elliott ERWITT : » Elle était toujours agréable, facile à photographier. Elle avait un instinct très fort pour ceux qu’elle aimait et ceux qu’elle n’aimait pas. Elle était très accessible. La Terre entière a fait son portrait ! Rater une photo de Marilyn relevait de l’impossible. Cela relève de la photogénie »
» JFK » Elliott ERWITT
» Jackie Arlington 1963 » Elliott ERWITT
Elliott Erwitt a été marié quatre fois et a eu six enfants. Il est grand-père, toujours optimiste et actif. Il a travaillé dans la photo jusqu’à plus de 80 ans.
Plumes, pointes, palettes et partitions 