Normandie-Impressionniste 2020 : François DEPEAUX – L’homme aux 600 tableaux

Hélène Tilly - Chargee de projets communication et partenariats ...

DEPEAUX
François DEPEAUX (1853-1920)

 » En offrant cette collection à la ville de Rouen, mon but est de contribuer à la réputation artistique de notre vieille et chère cité, en même temps que de rendre hommage à un art et à des artistes qui, en m’apportant à mieux voir la nature, m’ont, en même temps, appris à mieux les aimer.  » François DEPEAUX au maire de Rouen Mr Auguste LEBLOND en 1909, lors de sa donation.

Si vos vacances vous amènent jusqu’en Normandie, et que vous aimez la peinture impressionniste, je vous encourage  à vous rendre au musée des Beaux-Arts de Rouen qui, au travers du festival Normandie Impressionniste,  offre un bel hommage,  à celui qui fut un grand amoureux de ce mouvement, un mécène, collectionneur compulsif, averti, avisé, redoutable, éclectique, visionnaire, surnommé le charbonnier par Claude Monet  : François Depeaux, magnat du charbon, homme très attaché à sa région natale  et qui a tout fait pour la faire rayonner dans le domaine de l’art. Il a même ouvert, avec fierté, sa propre galerie en 1896 pour que le tout à chacun puisse venir admirer les tableaux de sa superbe collection.

Une collection qui a débuté  en 1890. Il a eu la chance de  rencontrer  un grand nombre de peintres qui en faisaient partie ( Monet, Renoir, Pissarro, Boudin etc… ) , et il en a aimé certains plus que d’autres notamment Sisley. Il s’est porté acquéreur de toiles  à une époque où la célébrité commençait à pointer pour certains de ceux qui les avaient peintes , donc leur côte était parfois  assez élevée.

L’histoire raconte  qu’il possédait  600 toiles de peintres impressionnistes et post impressionnistes . Un peu plus de la moitié a été identifiée. Il a fait don de 53 tableaux (52 peintures et 1 pastel)  au musée des Beaux-Arts de Rouen en 1909, signés par des noms célèbres et d’autres un peu moins mais qui le deviendront … . Des salles à  son nom seront crées pour les accueillir et furent inaugurées en 1909.

Elles font partie d’une exposition permanente dans ce lieu et ne doivent jamais être prêtées. Pour l’exposition, certains autres chefs-d’œuvre sont venus les rejoindre en provenance de collections particulières, et de musées qui se trouvent  aux Etats-Unis, Angleterre, Japon, Allemagne, etc… Il y a également deux Toulouse-Lautrec sur les six qu’il possédait. Des tableaux qui ont fait partie de sa collection et qui se sont dispersés après sa mort. Elle s’intitule :

«  François DEPEAUX – L’homme aux 600 Tableaux  » jusqu’au 15 Novembre 2020 (date prolongée  en raison de l’épidémie )

ROUEN Mme FABRE TOULOUSE LAUTREC
 » La toilette, Madame FABRE  » 1891 Henri de TOULOUSE-LAUTREC (Collection particulière)

L’exposition nous permet d’aller à la rencontre de cet homme, le collectionneur surtout, et se présente de façon chronologique. Le musée des Beaux-Arts de Rouen est vraiment un beau musée. Inauguré en 1888, il est considéré comme l’une des plus riches institutions muséales de province après le Louvre, notamment en raison de ses peintures françaises des XVIIe et XVIIIe siècles qui sont vraiment superbes.Il doit son remarquable fonds de peintures et dessins,  en grande partie à des donations importantes.

ROUEN Vue intérieure du musée Charles ANGRAND
« Vue intérieure du musée de Rouen » 1880 Charles ANGRAND (Musée des Beaux-Arts de Rouen)
ROUEN été RENOIR
 » Été  » 1868 Pierre Auguste RENOIR ( Collection Alte Nationale Galerie de Berlin) – Ce tableau illustre l’affiche de l’exposition

Un petit mot sur la peinture à Rouen. Il faut savoir que les peintres se sont rendus dans cette ville dès la Renaissance. Dans les années  1820/1830 elle est même devenue incontournable pour de nombreux peintres anglais d’abord, puis français ensuite. pour ce qui est des paysages urbains, son industrialisation, l’animation de la ville, et ce notamment pour les impressionnistes. La ville les intéressait, mais pas que ! La campagne environnante aussi, la côte normande. Une vaste palette était à leur disposition avec une destination géographique proche de Paris.

François Depeaux est né en 1853 à Bois-Guillaume, près de Rouen. Il a eu une sœur aînée qui est décédée adulte. Son père était à la tête de deux affaires : une dans les tissus et l’autre dans le charbon. C’est la seconde qu’il choisira de reprendre en 1880. Cette année-là, il épouse Eugénie Décap. Une histoire d’amour qui va se solder par un divorce en 1904. Compte tenu du fait que leur contrat de mariage avait été enregistré deux mois après leur union, le commerce de charbon appartenant à François était tombé en bien de la communauté. Ce qui causera de gros problèmes financiers lorsqu’ils vont se séparer . Ils ont eu trois enfants : Alice, Marguerite et Edmond.

Lorsqu’il reprendra  l’affaire familiale de charbon, il va savoir  parfaitement la faire progresser, se montrer redoutable et audacieux en tant qu’homme d’affaires mais toujours très attentif aux conditions de travail de ses ouvriers, créant un restaurant pour eux, luttant contre l’alcoolisme trop souvent présent. Certes il est redoutable mais bienveillant. En dehors de cela, il a créé les premiers bains-douches à Rouen ( 1897 ) et en bon  propriétaire de yacht qu’il était, il a fait créé un port spécial pour ce type de bateaux.

Un grand amoureux de l’art pictural qui se lancera en tant que collectionneur en 1890. Sa passion de départ comme je l’ai dit  : l’impressionnisme. Il rencontre Monet à Rouen par l’intermédiaire de son frère, Léon Monet. Le peintre est venu dans la ville pour sa série des Cathédrales. Depeaux deviendra,  à partir de là,  l’un de ses plus fidèles soutien,  l’un des premiers à acheter une toile de ladite série.  Tout comme il le sera pour en aider bien d’autres d’ailleurs, notamment pour Alfred Sisley ou Camille Pissarro.

 » La cathédrale de Rouen par temps gris  » 1894 Claude MONET (Musée des Beaux-Arts de Rouen)

Non seulement il achète, paie généreusement mais s’occupe du mouvement impressionniste dès ses débuts hésitants jusqu’à son succès. Il sera l’un de ses plus fidèles défenseurs. Outre le côté financier pour les aider lorsque cela est nécessaire, il est disponible lorsqu’ils ont un problème comme par exemple Pissarro à qui il propose des locaux lui appartenant pour qu’il puisse peindre sereinement à Rouen ; ou bien encore à Monet qui rencontrait quelques difficultés pour peindre tranquille ses Cathédrales depuis la fenêtre d’une boutique : il lui fournira un paravent pour éviter que les clientes ne viennent constamment lui parler et le dérange dans sa peinture.

ROUEN Route effet de neige soleil couchant MONET
 » Route effet de neige soleil couchant  » 1869 – Claude MONET (Musée des Beaux-Arts de Rouen)
ROUEN Coucher soleil MONET
 » Coucher de soleil à Lavacourt  » 1880 Claude MONET ( Collection particulière)
ROUEN Les dindons MONET
 » Les dindons  » – 1877 Claude MONET ( Musée d’Orsay )

Par ailleurs, il fut admiratif et a beaucoup œuvré  pour les peintres dits de l’École de Rouen, n’hésitant jamais à les soutenir financièrement, jouant de son influence pour qu’ils soient reconnus et appréciés,  les encourageant .  Ces derniers sont longtemps restés des peintres locaux, voire même ignorés. Fort heureusement, leurs tableaux issus de certaines collections comme celle-ci ou exposés lors de manifestations internationales, ont permis qu’ils soient re-découverts et c’est heureux qu’il en soit ainsi.

L’École de Rouen ce sont de peintres  unis par leur travail et une solide amitié pour certains d’entre eux  : Charles Angrand, Jules Lemaître, Charles Fréchon,Marcel Couchaux, Henri Ottoman, Albert Lebourg, et Joseph Delattre. Tous ont débuté la peinture dans la ville de Rouen. Impressionnistes (néo-impressionnistes et un zeste fauvistes aussi pour certains )  certes, mais pas semblables aux autres pour autant. Bien sur ils ont aimé les paysages en extérieur, ceux de la campagne normande, mais aussi les sujets de la vie moderne ruraux, industriels, citadins.

ROUEN Pinchon le pont des anglais
 » Le pont aux anglais, soleil couchant  » 1904/05 – Robert Antoine PINCHON (Musée des Beaux-Arts de Rouen)
ROUEN mon jardin au printemps DELATTRE
 » Mon jardin au printemps  » 1902 – Joseph DELATTRE ( Musée des Beaux-Arts de Rouen)
ROUEN La dame au balcon Henri OTTMANN
 » La dame au balcon  » 1906/07 Henri OTTOMAN (Musée des Beaux-Arts de Rouen)
ROUEN Vieux paysan fumant la pipe COUCHAUX
 » Le vieux paysan fumant la pipe  » Marcel COUCHAUX ( Musée des Beaux-Arts de Rouen)

S’il est heureux dans ses contacts avec l’art, il ne le sera pas dans sa vie familiale. Il entretiendra une liaison extra-conjugale qui va faire scandale dans la ville. Pour calmer le jeu, il paiera  sa maîtresse … très cher ! Par ailleurs, il n’approuve pas le mariage de sa fille et décidera de ne pas y assister. Après quoi, furieuse, sa femme demande le divorce et les ennuis commencent : vente de sa merveilleuse collection de tableaux, soit 300 pièces . Il fera tout pour en racheter une bonne partie, l’autre s’envolera malheureusement. Il se remariera en 1909 avec Alphonsine Blanche Bellé.

J’ai parlé au début de certaines préférences qu’il a pu avoir auprès des peintres impressionnistes. C’est le cas de sa grande admiration pour Alfred Sisley. On ne peut pas dire que ce peintre, malheureusement, ait connu le succès de son vivant. S’il a pu survivre dans sa peinture c’est, notamment, grâce au marchand d’art Paul Durand-Ruel qui lui achetait bon nombre de ses tableaux.

C’est d’ailleurs  par l’intermédiaire de ce dernier, que François Depeaux a pu acquérir des tableaux de Sisley et se constituer un très belle collection de ce peintre qu’il admirait énormément, à un point tel qu’il l’ invitera  chez lui à deux reprises en 1893 et 1894. Il fut touché par l’œuvre de Sisley, son travail en extérieur presque exclusivement, sa touche harmonieuse, fluide, lumineuse.

ROUEN La barque Alfred SISLEY
« La barque pendant l’innondation à Port-Marly  » 1876 – Alfred SISLEY (Musée des Beaux-Arts de Rouen)
ROUEN l'abreuvoir SISLEY
 » L’abreuvoir à Marly  » 1875 Alfred SISLEY( National Gallery de Londres)
ROUEN sentier au bord de l'eau SISLEY
 » Le sentier au bord de l’eau à Sahurs le soir  » 1894 Alfred SISLEY (Musée des Beaux-Arts de Rouen)
ROUEN SISLEY Moret au coucher du soleil
 » Moret au couchet du soleil  » 1888 Alfred SISLEY ( Cincinnati Art Museum )

François Depeaux est décédé en 1920. Il est enterré au cimetière communal de Rouen. Lorsqu’il est mort, malheureusement sa collection va être dispersée lors de quatre ventes aux enchères.

 

James TISSOT – L’ambigu moderne …

TISSOT au musée d'Orsay

 » C’est l’imagination qui enflamme les passions en peignant de façon fascinante ou terrible un sujet  qui nous impressionne. » James TISSOT (Peintre et graveur français)

 » Nos créations industrielles et artistiques peuvent périr, nos mœurs et nos modes peuvent tomber dans l’obscurité, mais un tableau de Mr Tissot suffira aux archéologues du futur pour reconstituer une époque  » article publié en 1869 dans la revue  l’Artiste

 » James Tissot était un homme charmant, très beau. Il était toujours bien soigné et n’avait rien d’insouciance artistique que ce soit dans son costume ou son comportement. A une certaine époque il était hospitalier et délicieux lors des dîners qu’il donnait. Mais ceux-ci ont cessé lorsqu’il s’est pris de passion pour une femme divorcée qui est décédée quelques années après qu’il l’ait connue.  » Louise JOPLING dans son livre Vingt ans de ma vie 1867/1887

 

James TISSOT en 1865  ( 1836/1902 )

Le musée d’Orsay a enfin ouvert ses portes le 23.6. – Le confinement a changé les dates des expositions dont celle-ci, une rétrospective, qui se poursuivra, contrairement à ce qui est indiqué sur l’affiche , jusqu’au 13.9.2020. Elle s’intitule :  » James TISSOT – L’ambigu moderne » – La dernière fois qu’une expo lui a entièrement été consacrée en France, c’était au Petit Palais en 1985.

TISSOT par DEGAS
 » Portrait de James Tissot  » 1867/68 – Edgar DEGAS (Metropolitan Museum New York)

Tissot est un  peintre  français assez passionnant, éclectique, déroutant dirons certains,   méconnu finalement, tant il fut une personnalité difficile à cerner, énigmatique, trouble ou comme le dit l’intitulé : ambigu.. Certes, nous connaissons ses tableaux, mais moins le peintre qu’il a été , ni réellement classique, ou totalement moderne (bien que dans ce dernier cas, il a été fortement novateur dans son travail religieux de fin de vie)

On a souvent dit que c’est par passion pour l’Angleterre qu’il modifiera son prénom en 1859 et que Jacques-Joseph deviendra James. Mais il est bon de savoir qu’à l’âge de 11 ans ses parents (allez donc savoir pourquoi ! ) l’avaient inscrit avec le prénom James lors de son entrée dans un collège jésuite des Flandres. James Tissot sera, effectivement, sa signature à partir de 1859 mais il gardera,  toutefois, un pied dans chaque culture.

Il a eu différentes facettes, a souvent changé de style  : sa formation a des bases académiques classiques (il a commencé avec la peinture d’histoire) ; contemporain des  impressionnistes ( très ami avec Degas ) mais pas toujours d’accord avec leurs choix picturaux ;  liens étroits avec les peintres avant-gardistes (dans la forme et dans les thèmes)  de l’époque tels que Manet, Fantin-Latour et Whistler ; initiateur de l’art japonais ;  en recherche d’un renouvellement auprès des préraphaélites, jusqu’au jour où il a même abandonné la peinture sur toile pour se consacrer, vers la fin de sa vie, de façon mystique,  à l’illustration, notamment de la bible, un travail qui lui a rapporté beaucoup d’argent.

Il a utilisé différentes techniques : la peinture, l’estampe, l’émail et la photo . Ses toiles sont d’ailleurs dotées d’une réelle précision photographique. Une précision sur laquelle que les critiques d’art vont beaucoup s’épancher à l’époque et ce de façon assez dure , alors que de nos jours, c’est justement elle qui fascine par ses nombreux détails.

«  la plupart de ses toiles ne sont, hélas, que de simples photographies, coloriées d’une société vulgaire  » John RUSKIN (Critique d’art)

Ce patriote dans l’âme, très catholique, a souvent été vu comme un mondain , un homme ambitieux, avec un goût prononcé pour l’argent et ce dernier  point là n’a pas toujours été apprécié non plus.  Question d’époque et de mentalités. D’un autre côté, l’argent  et l’aisance ont été très présents dès son enfance, en conséquence de quoi, il a continué à mener  grand train par la suite, notamment en Angleterre où il a séjourné de 1872 à 1881.

Tissot a été un peintre majeur que l’on a souvent qualifié de narrateur ou chroniqueur de la société de son temps.  Ce qui est vrai, mais il ne faut pas penser qu’il ne fut que cela, parce qu’il y a aussi de la sensibilité et de l’émotion dans ses tableaux. Du succès de son vivant certes , mais pas toujours très apprécié, probablement parce qu’il fut un peintre mal compris . Il a eu des hauts et des bas.  Ses toiles ont été très controversées à son époque, ce qui l’a porté vers une disgrâce qui a duré de très longues années, avant que son talent ne soit reconnu au XXe siècle.

Ses tableaux sont ceux d’un observateur moderne et  affûté de la société. Un naturaliste qui a peint de façon très soignée et sérieuse des personnalités importantes, mais qui  n’a pas hésité également à en  caricaturer  quelques autres avec un regard plus sarcastique, notamment pour la revue Vanity Fair. Il a beaucoup fréquenté les salons et les cercles mondains qui, non seulement lui ont fourni des sujets pour ses tableaux, mais lui ont apporté bon nombre de commandes.

TISSOT Napoléon III Vanity Fair
 » Napoléon III, empereur de France  » Vanity Fair /1869 – James TISSOT (National Gallery/Londres) – Tissot a beaucoup aimé se livrer à des caricatures de personnalités célèbres du monde politique notamment, s’inspirant de photographies pour y parvenir . Il signait ses œuvres avec un pseudonyme : Coïdé. 

Bien souvent, ses tableaux sont des portraits ou des scènes de genre qui nous transportent dans la haute société aisée et élégante, mais se penchent aussi vers d’autres classes sociales. Les détails apportés à ses toiles sont très précieux parce qu’ils nous renseignent, notamment, sur les costumes romanesques et les mœurs du XIXe siècle. Ce qui déplaisait autrefois, plaît énormément de nos jours. Désormais, son travail est perçu comme un beau voyage dans le temps, parce que les historiens de l’art portent un intérêt certains à tous ces petits détails sur le savoir-faire d’un autre temps.

C’est un individualiste qui a beaucoup voyagé : parti de France pour l’Angleterre (où durant dix ans il a été l’un des seuls peintres français à  avoir eu  du succès dans ce pays ) , l’Italie (notamment Venise en compagnie de Degas) ,  puis les Etats-Unis avec entre-temps une visite en Palestine. Ce dernier pays lui a permis de faire un travail quasi documentaire pour ses illustrations de la Bible

Les femmes sont au centre de sa peinture, elles furent, en quelque sorte, ses héroïnes. Il a aimé le beau sexe et  le représenter de façon très réaliste, dans les salons, à la bibliothèque, à l’église, ou spectacle, en promenade, admirant des tableaux, au milieu d’autres personnes lors d’un pique-nique, en bord de mer, ou d’autres ailleurs.

Elles furent souvent très élégantes, aves des robes magnifiques, référence à ce goût qu’il a eu pour les étoffes somptueuses, les costumes. Durant près de vingt ans, il ne cessera pas de représenter la mode, mettant bien en valeur les tissus de son enfance : soies, mousselines, cotonnades, rubans,  volants,  colifichets, plumes, chapeaux etc…

Portrait de Mademoiselle L.L. by James Tissot: History, Analysis ...
 » Portrait de Melle L.L.  » 1864 James TISSOT (Musée d’Orsay/Paris) – L’identité de cette jeune fille demeure à ce jour inconnue
TISSOT demoiselles de province
 » Les demoiselles de province  » 1883/85 James TISSOT (Collection particulière)
TISSOT Bord de mer
 » Bord de mer  » – 1878 – James TISSOT (Museum of art/Cleveland)
TISSOT les deux soeurs 2
 » Les deux sœurs  » 1863 James TISSOT (Musée d’Orsay/Paris)
TISSOT Japonaise au bain
 » La japonaise  » 1876 James TISSOT (Musée des Beaux Arts de Boston)

En parlant de femmes, il a vécu une véritable histoire d’amour passionnel avec Kathleen Kelly-Newton, une irlandaise, fille d’un officier,  divorcée d’un chirurgien pour avoir eu une fille issue d’une aventure adultérine en Inde, puis un autre enfant cinq ans plus tard, peu de temps après sa rencontre avec Tissot, ce qui a fait dire qu’il pouvait en être le père.

Elle s’installera avec ses deux enfants, chez lui, dans sa demeure de Saint John’s Wood. Leur relation va durer de 1876 à 1882.  Elle sera sa muse. Son visage deviendra celui de beaucoup de  femmes de ses tableaux. Compte tenu du fait que la situation de la jeune femme, son statut de divorcée avec deux enfants, vivant en concubinage avec un peintre, ne permettait pas qu’ils soient vus ensemble dans la haute société, bon nombre des tableaux où elle apparaît, seule ou avec ses enfants, ont eu pour décor leur intérieur privé. Atteinte d’une tuberculose, alitée durant de longs mois, elle va mettre fin à ses jours, à l’âge de 28 ans, en avalant un flacon de laudanum. Il en sera profondément attristé, dévasté, et quittera définitivement l’Angleterre.

TISSOT Lilian Hervey Kathleen , Cecil George Newton et James Tissot dans le jardin
Lilian – Kathleen – George et James
TISSOT cache cache
 » Cache-Cache  » 1877 env. James TISSOT (National Gallery Washington )

James Tissot est né à Nantes en 1836. Son papa est drapier et sa maman modiste. De ce fait, on peut dire qu’il est tombé très jeune dans la marmite des tissus et des couleurs.

TISSOT La demoiselle du magasin
 » La demoiselle du magasin  » 1883/85 – James TISSOT (Art Gallery à Ontario/Toronto)  »  » Il y a un tableau, la Demoiselle de magasin de James Tissot. Il s’y passe énormément de choses, c’est presque une vision de cinéma. On se trouve à l’intérieur d’un magasin de nouveautés. Au milieu du tableau : une vendeuse, c’est-à-dire une  » demoiselle de magasin  » nous regarde. Elle tient la porte. On imagine que la personne qui regarde le tableau s’apprête à sortir. Sur le comptoir, on voit tout un déballage de rubans. Derrière la vendeuse, on voit l’extérieur : la rue, avec une jeune femme très élégante qui passe, qui pourrait être une cliente du magasin. Juste à côté un homme regarde à l’intérieur du magasin où se trouve une autre demoiselle qui est en train de ranger des cartons. On comprend, à travers son regard, que ce n’est pas du tout le contenu de la boutique qui l’intéresse, mais la vendeuse, une très jolie femme …  » Florence MÜLLER ( Professeur à l’Institut français de la mode )

Toutefois c’est la peinture qui le fait vibrer et il exprimera très vite son désir d’en faire son métier. Il aime particulièrement la peinture des primitifs flamands, notamment celle de Dürer. Cette passion pour l’art n’est absolument pas du goût de son père qui désapprouve totalement. Sa mère croit en son fils et va l’aider à partir s’installer à Paris entre 1855 et 1856. Il se lie d’amitié avec Edgar Degas. Sa formation se fera à l’École des Beaux Arts auprès d’un peintre d’influence  ingresque : Louis Lamothe.

Au départ, il peint de nombreux thèmes historiques, expose dans différents salons, anglicanise son nom, se lie d’amitié avec un marchand d’art, côtoie la société mondaine et fait de cette clientèle aisée, ses clients. Il aime croquer la mode, les femmes et les aristocrates de la gentry française. Il gagne beaucoup d’argent, possède un appartement du côté du bois de Boulogne et reçoit beaucoup de commandes, des portraits notamment.

TISSOT Portrait Miramon
 » Portrait du marquis de Miramon, de la marquise et de leurs enfants  » 1865 – James TISSOT (Musée d’Orsay/Paris)
TISSOT Cercle rue royale
 » Le cercle de la rue Royale  » 1868 James TISSOT (Musée d’Orsay/Paris ) – De gauche à droite : Comte Alfred de la Tour-Maubourg – Marquis Alfred du Lau d’Allemans – Comte Etienne de Ganay – Capitaine Coleraine Vansittart – Marquis de Miramon – Comte Julien de Rochechouart – Baron Rodolphe Hottinguer – Marquis Charles Alexandre de Ganay – Baron Gaston de Saint-Maurice – Prince Edmond de Polignac – Marquis Gaston de Gallifet et Charles Haas

Durant la guerre franco-prussienne de 1870/71 il n’hésitera pas à endosser l’uniforme de la Garde Nationale et participera aux combats de façon très active. En 1871 c’est le départ pour l’Angleterre où sa réputation l’a précédé. Il exposera à la Royal Academy, recevra des commandes pour des illustrations de livres, peint toute une série de peinture de genre, et s’installe dans une belle demeure  à Saint John’s Wood.

Tissot, James, 1836-1902; On the Thames (How Happy I Could Be with Either?)
 » Sur la Tamise  » 1876 – James TISSOT (Collection Wakefield) – Le tableau illustre l’affiche de l’exposition
TISSOT pont du HMS Calcutta
 » Le pont du HMS Calcutta à Portsmouth  » 1877 – James TISSOT ( Collections de la Tate/ Londres)
Pin on Art (and design) that touches my soul
 » Les visiteurs à Londres  » – 1874 – James TISSOT (Toledo Museum of Art)

Quelques années plus tard, il rencontre la femme de sa vie : Kathleen. Divorcée, deux enfants. La première est née de ses amours adultérines. Comme le second, un petit garçon  naît en 1876, année de ses amours avec Tissot, le qu’en-dira-t-on affirme  que le père est James. Rien ne pourra le confirmer et lui-même reste très discret à ce sujet.

TISSOT la rêveuse
 » La rêveuse  » (Kathleen) 1876 env. James TISSOT (Musée d’Orsay/Paris)

Après la mort de Kathleen, il quitte l’Angleterre pour se ré-installer en France, à Paris. Il sera particulièrement déçu de l’accueil fait à sa peinture.

Les sujets religieux vont accompagner les quinze dernières années de sa vie. Il va se rendre à trois reprises en Palestine et en reviendra avec plus de 350 aquarelles sur la vie du Christ. Infiniment touché par le décès de sa compagne, pour ne pas dire dévasté, son souvenir va continuer de le hanter après sa mort. Il est persuadé qu’il continue d’être en communication avec elle.

La lecture de la Bible et de textes religieux va apaiser ses tourments, et il souhaitera partir en Terre Sainte (Jérusalem) en 1886, tel un pèlerinage, afin d’être au plus près des lieux de la vie du Christ. Un an plus tard, c’est le retour à Paris. Son exaltation religieuse et mystique ne l’a pas quittée, il se rend fréquemment à l’église, notamment celle de Saint-Sulpice où il pense avoir eu un appel, des visions. Nouveau voyage en Palestine en 1888,  encore plus convaincu, souhaitant même s’y installer définitivement, puis retour à Paris en 1894. Persuadé d’avoir une mission picturale sacrée, nouveau départ en 1896.

TISSOT ce que notre Seigneur
 » Ce que notre Seigneur voyait de la croix  » – 1886/94- James TISSOT (Brooklyn museum/New York)

Cette aventure picturale  à la fin de sa vie est quelque chose de très profond, basée sur une connaissance et une lecture assidue de la Bible et des Saintes Écritures. Visions fantastiques, cosmiques, travail magnifique qui va être fortement récompensé par un accueil assez triomphal que ce soit en France, en Italie, en Angleterre ou aux Etats-Unis.

Il meurt en France, à Chenecey-Buillon en 1902 ….La série crépusculaire  sur La Vie du Christ va petit à petit tomber dans l’oubli et ne sera réhabilitée que très tardivement. Si elle ne l’avait pas été, on n’aurait même jamais eu connaissance de cela, car peu de livres sur l’art n’en font état.

Edouard Manet, La Parisienne (1875) - Auror' Art and Soul
 » Octobre  » 1875 – James TISSOT (Musée des Beaux Arts de Montréal)

 

 

Voyages en Méditerranée …

Atelier des lumières AFFICHE

 » Tout est superbe. Des horizons dont on n’a aucune idée. Malheureusement, notre pauvre palette ne répond  » ¨Pierre Auguste RENOIR

«  Je suis épouvanté par les tons qu’il faut employer. J’ai peur d’être bien terrible et cependant je suis en-dessous. Il faudrait une palette de diamants et pierreries  » Claude MONET

 » C’est bizarre, à Paris je ne dessine jamais de faunes, de centaures ou de héros mythologiques. On dirait qu’ils vivent ici. » Pablo PICASSO

« Je suis très inquiet de ce que je fais. C’est si beau ici, si clair, si lumineux ! On nage dans de l’air bleu, c’est même effrayant  » Claude MONET

« Une lumière blonde, dorée , qui supprime les ombres  » André DERAIN

Le Centre d’art numérique Atelier des lumières est, lui aussi , sorti du confinement depuis le 26 mai. Cette ancienne fonderie, appelée autrefois la fonderie du Chemin-Vert, a vu le jour en 1835 grâce aux frères Pichon. Elle produisait des pièces en fonte destinées à la marine et aux chemins de fer. Quelques dix ans plus tard, elle sera vendue, puis laissée à l’abandon. C’est dans un triste état que le Président de Cultures Espaces, Bruno Monnier, la découvre et décide de la rénover pour en faire un centre artistique assez original puisqu’il propose depuis 2018, une immersion grandiose numérique picturale.

Une exposition numérique c’est voir la peinture autrement, c’est en prendre plein les yeux, avoir la possibilité de s’attarder sur un détail que, peut-être, on aurait pas remarqué dans un cadre différent. Comme l’a dit très justement le fondateur de l’Atelier des Lumières «  c’est aussi initier à l’art les jeunes générations.Compte tenu que 35 % de notre public appartient à la jeune génération, nous leur donnons l’envie de pousser plus tard la porte d’un musée pour voir les tableaux originaux et le lieu où ils sont exposés » .

Après Klimt (2018) et Van Gogh 2019) , c’est une autre exposition superbe, qui franchement fait du bien après les mois que nous venons de vivre.  Elle s’intitule : Voyages en Méditerranée et se tiendra jusqu’au 3.1.2021 (contrairement à ce qui est annoncé sur l’affiche), soit 500 œuvres de peintres divers qui vont s’offrir à vous, défiler devant vos yeux ébahis en 7 séquences, grâce à 140 vidéo-projecteurs qui inondent totalement tous les murs et même le sol sur une surface d’environ 1500/2000 m/2 , le tout dans une atmosphère musicale assez éclectique.

Elle a été réalisée  par Gianfranco Iannuzzi, Renato Gatto ,Massimiliano Siccardi et la collaboration musicale de Luca Longobardi. Durant moins d’une heure, tous vos sens seront en éveil , vous prendrez un bain de couleurs, de lumière et vous aurez l’impression d’entrer en relation directe avec un tableau.

La Méditerranée a été un lieu très prisé par les peintres. Rares sont ceux qui n’ont pas fait le voyage pour découvrir, avec délectation, les lumières, les paysages, la mer, le ciel,  les couleurs de cette région. Certains feront même le choix de s’y établir définitivement. Cézanne a probablement donné envie à certains d’y venir. Il était né à Aix-en-Provence, et après avoir passé un certain temps à Paris, il est revenu dans son sud natal pour y peindre de très nombres tableaux . C’est en lui rendant visite que Renoir et Monet ont eu une folle envie de partir sur toute la côte méditerranéenne poussant même  jusqu’à la station balnéaire de Bordighera en Italie.

Avant eux, Courbet  ne fut pas en reste lui aussi : certes il n’était pas originaire du coin, mais il fut l’un des premiers à découvrir le Sud en se rendant à Montpellier. Et on peut dire qu’il ne fut pas déçu du voyage ( même si au départ il était venu un peu par obligation ) car l’endroit va déclencher en lui des émotions formidables : que ce soit la mer, les plages, le soleil éclatant qui lui donneront des envies de peindre de façon audacieuse. Van Gogh lui aussi va faire partie des premiers en se rendant dans le midi, à Arles puis à St Rémy-de-Provence .

 » La mer me donne les mêmes émotions que l’amour  » G.C.

L’exposition de l’Atelier des Lumières propose de voyager en différents courants picturaux : impressionnisme, pointillisme, fauvisme , sans oublier les expérimentations chromatiques de certains,  avec avec Monet, Renoir, Pissarro, Bonnard, Vernet (célèbre peintre de marines très réputé. Ses tableaux de ports faisaient le bonheur de Louis XV)  , Matisse, Derain, Vlaminck, Dufy, Chagall, Signac, Valtat, Cross, Camoin, Manguin, Marquet, etc…   Vous allez faire, n’ayons pas peur des mots, un plein de couleurs éclatantes , d’émotions diverses et variées, et croyez-moi vous en ressortirez revigorés.

 » Un port au couchet du soleil  » 1749 – Claude-Joseph VERNET ( Timken Museum of Art / Putnam Foundation )
ATELIER la jetée promenade à Nice 1926 musée d'Art Moderne à Paris Raoul DUFY
 » La jetée-promenade à Nice  » 1926 Raoul DUFY ( Musée d’Art Moderne à Paris )

La Méditerranée était vue, à une certaine époque, comme un véritable paradis. Un engouement qui va fortement s’accélérer avec le développement des lignes de chemins de fer, la naissance du  tourisme, la douceur du climat qui ne cessera d’être vivement recommandée par les médecins eux-mêmes. Nombreux seront les aristocrates qui se feront construire des villas et palais magnifiques pour venir non seulement faire des cures de soleil et se refaire une santé, mais surtout fuir la froideur du climat des régions du nord. Un écrivain originaire de Dijon, Stéphen Liégeard, va même donner à la Riviera abritant Cannes, Nice, Menton, Monaco/Monte-Carlo, le nom de Côte d’Azur.

Rien ne sera mis de côté pour vanter les mérites de la région. Des immenses affiches publicitaires en vanteront les mérites avec des images éblouissantes de couleurs, de ciels bleus flamboyants et de végétation luxuriante. De ce fait, après les français, on verra arriver des anglais, des russes et parmi eux des peintres, des écrivains à la recherche d’inspirations nouvelles.

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Affiche pour le Paris-Lyon-Méditerranée : Menton  1904 ( Bibliothèque Forney)

Les voyages des peintres en Méditerranée débutent vers 1880. Ils vont partir à la découverte des paysages de la Côte d’Azur , des Bouches-du-Rhône et même de la Riviera italienne : Nice, Antibes, Cannes, Juan-les-Pins, Golfe Juan, Menton, Monaco, Vence, Saint-Paul-de-Vence, Villefranche-sur-mer, Beaulieu-sur-mer, Le Cannet, Vallauris, Saint-Tropez, Saint-Raphaël, Saint-Maximin, Le Lavandou, Porquerolles, Marseille, Martigues, L’Estaque, La Ciotat, Hyères , Collioure, Cassis, Arles, Aix-en-Provence, Le Tholonet, Vauvenargues, sans oublier Bordighera, en seront les villes de prédilection.

 » Vue sur le Suquet/Cannes  » 1925 Raoul DUFY ( Collection particulière)

 

Atelier des lumières Claude Monet Antibes 1888 Collection Courtauld galerie Courtauld de Londres
 » Antibes  » 1888 – Claude MONET ( Collection Courtauld / Galerie Courtauld de Londres)
Atelier des lumières Jardin à Bordighera 1884 Impession du matin Musée Ermitage Saint Pétersbourg
 » Jardin à Bordighera impression du matin  » 1884 Claude MONET ( Musée de l’Ermitage à Saint Pétersbourg)

Les paysages sont contrastés : mer, ports, calanques, montagnes, collines, fleurs,  arbres et autres végétations, jardins . Ce qui va les fasciner et les attirer c’est aussi la lumière qui va jouer un rôle prépondérant. Toutes les émotions et les ressentis des peintres vont s’exprimer, parfois violemment, dans les couleurs tout juste sorties du tube pour la toile et qui vont leur être inspirées par cette lumière écrasante.

Atelier Anémones et Mimosa Louis VALTAT
 » Anémones et mimosa  » 1943 – Louis VALTAT ( Collection particulière ) Valtat fut un merveilleux peintre fauviste, un peu méconnu parce que plus discret que n’ont pu l’être les autres, Il a vécu un certain en Méditerranée et lorsqu’il est retourné en région parisienne, il a peint des superbes bouquets, pleins de couleurs, inspirés par ses souvenirs méditerranéens.
Atelier des lumières Henri-Edmond Cross Paysage côtier Collection privée
 » Paysage côtier  » Henri Edmond CROSS ( Collection particulière)
ATELIER Arbres à l'Estaque André DERAIN
 » Trois arbres à l’Estaque  » 1906 André DERAIN ( The Art Gallery of Ontario à Toronto)

Non seulement ils vont planter là leurs chevalets, mais ils vont très souvent être amenés à se croiser, se rencontrer, parler de leurs avancements picturaux, s’inviter, partager leurs idées, et même leurs inquiétudes ou leurs découragements, mais aussi leurs sensations, leurs émotions face à tous les contrastes de couleurs : délicates parfois, violentes à d’autres. Ces rivages donneront même  à certains des rêves d’Antiquité.

Véronique Chemla: Marc Chagall. Le triomphe de la musique
 » Danseuse sur fond mauve  » 1970 env. Marc CHAGALL ( Collection particulière ) il s’agit d’un collage réalisé avec des tissus, des papiers, de l’aquarelle, de l’encre de Chine, de la gouache et du pastel sur papier.   » La découverte de la Côte d’Azur et de ce peintre se fera en 1926. Il est tellement enthousiasmé et fasciné qu’il prendra la décision de s’installer. Ce sera Vence, puis Saint-Paul de Vence. Cette région lui a apporté énormément de bien-être, de sérénité, de bonheur aussi et un côté exubérant dans les couleurs. On entre dans un monde étrange, son monde, fait de danseuses, de gens du cirque, d’amoureux, de faune aquatique. Le tableau fait partie de la projection.
Atelier des lumières Claude MONET Femme à l'ombrelle tournée vers la droite 1886 musée d'Orsay
 » Femme  à l’ombrelle tournée vers la droite  » 1886 – Claude MONET ( Musée d’Orsay à Paris ) – Ce tableau est projeté dans l’expo parce que dès 1860 certains peintres ( qui prendront le nom d’impressionnistes ) vont vouloir peindre en extérieur et non plus en atelier. Ils se rendront souvent au bord de l’eau )
Nihat Kerem A. on Twitter: "Jeanne allongée sur un canapé Henri ...
 » Jeanne allongée sur un canapé ou la petite odalisque  » – Henri MANGUIN ( Collection privée) Fait partie également de la projection
 » La femme aux raisins ou Marthe Bonnard à la corbeille  » 1911 – Pierre BONNARD – Ce dernier a eu un véritable coup de foudre pour le midi de la France et il a tenu à s’y installer dès 1923 au Cannet. Le sud a considérablement éclairci sa palette. Le tableau fait partie lui aussi de la projection

 

 

Actuellement à l’Atelier des Lumières vous pouvez également assister au spectacle (10 minutesà  consacré à Yves Klein à savoir l’Infini Bleu. Pour celles et ceux qui aiment ce peintre niçois, je vous invite, si le cœur vous en dit, de revoir mon article https://pointespalettespartition.wordpress.com/2018/07/19/yves-klein/

 

 

 

 

 

CÉZANNE et les Maîtres : rêve d’Italie …

CEZANNE ET LES MAITRES REVE D ITALIE

« Cézanne était un grand artiste, un grand homme, un grand chercheur. Nous sommes dans une période de chercheurs plus que de créateurs. Nous aimons passionnément Cézanne pour la pureté de son idéal. Il n’est jamais entré dans son esprit d’autre pensée que celle de faire de l’art. Il ne tenait compte ni de l’argent, ni des honneurs. Avec Cézanne c’était toujours le tableau à venir qui l’occupait, à un point tel qu’il n’accordait peu d’importance à ce qu’il avait déjà fait. J’aime beaucoup ce mot de Cézanne  » j’ai mis quarante ans à découvrir que la peinture n’était pas la sculpture  » …. Cela signifie qu’au début, il pensait devoir forcer ses effets de modelé avec du noir et du blanc et charger ses toiles de peinture pour égaler, si possible, les effets de la sculpture. Plus tard l’étude lui montra que le travail de peintre consistait à utiliser la couleur de telle façon que, même avec très peu d’épaisseur, cela produisait un effet pleinement satisfaisant . Cézanne était un homme de grandes qualités et de grands défauts. Seulement qualités et défauts n’ont aucune importance. Ce qui compte c’est toujours cette passion de l’artiste qui vous entraîne avec lui. » Pierre Auguste RENOIR

CEZANNE en 1906 devant sa maison
Paul CÉZANNE devant sa maison en 1906

Le musée Marmottan Monet vient de ré-ouvrir depuis le 2 juin . Il  nous propose d’aller à la rencontre de Paul Cézanne et l’Italie, en deux parties,  deux influences : une première qui est vue comme un entretien que Cézanne aurait pu avoir avec les maîtres  italiens des XVIe et XVIIe siècles, et une deuxième sur l’influence que lui-même a eu sur les peintres du Novecento : Soffici, Carra, Boccioni, Morandi, Pirandello etc…  Ces derniers ont été amenés à admirer la peinture quasi mystique des dernières années du Maître d’Aix-en-Provence, lors d’expositions faites sur lui, en Italie, en 1907 et 1908 . La confrontation est saisissante et incroyablement intéressante. Elle s’intitule :

 » CÉZANNE et les Maîtres – Un rêve d’Italie  » ( initialement prévue jusqu’au 5 juillet, mais prolongée en raison du confinement ) – On peut y admirer des chefs-d’oeuvre de grands maîtres italiens Vénitiens, Romains ou Napolitains  connus ou d’autres un peu moins, tous très talentueux  : tels que Rosai, Carrà, Boccioni, Soffici, Pirandello, Tintoret, Morandi,  Giordano, Tintoret, Bassano, etc …. mais aussi espagnols et français  (puisque El Greco, élève de Titien, et Millet ou  Poussin sont là aussi) sont donc mis face aux siens.

CEZANNE Poussin
 » Paysage avec Agar et l’ange  » – Après 1660 – Nicolas POUSSIN ( Galleria Nazionali d’Arte Antica / Rome )
CEZANNE château noir
 » Château Noir  » – 1903/1904 – Paul CÉZANNE ( Musée Picasso / Paris )
 » La dame à l’hermine d’après El Greco  » – 1885/86 – Paul CÉZANNE ( Galerie Daniel Katz à Londres)

Au total une soixantaine de toiles issues de prêts venus de collections particulières, musées français, mais également écossais, italiens, espagnols, canadiens, américains, suisses, allemands .

CEZANNE montagne Sainte Victoire vers 1880
 » La montagne Sainte-Victoire  » vers 1880 – Paul CÉZANNE ( Musée d’Orsay / Paris ) – Ce tableau illustre l’affiche de l’expo
CEZANNE Paysage classique Millet
 » Paysage classique  » Jean-François MILLET (Musée du Louvre / Paris )

Cézanne n’a jamais été en Italie. Toutefois, lorsque l’on regarde les tableaux de sa chère Provence, on y sent comme une inspiration profondément italienne , ce qui est d’autant plus curieux car, non seulement il n’a jamais vraiment manifesté un intérêt particulier pour l’Italie, mais  il n’était pas, non plus d’ailleurs ,  du genre à avouer que cela ait pu avoir une quelconque influence sur sa peinture. Toutefois, il n’a pas été stupide et les merveilleux  aspects de la peinture italienne ont très probablement retenu son attention

 » Cézanne s’est dédié à sa Provence natale, porteuse d’une richesse antique toujours vivante. Elle est, au besoin, dans la conquête du mythe, une autre Italie  » Alain TAPIÉ (Commissaire de l’exposition)

En revanche, il fut,  durant toute sa vie, un lecteur fidèle et assidu des œuvres de Virgile, Ovide et Lucrèce, des lectures qui ont l’on souvent guidé dans sa façon d’exprimer son lien spirituel avec le monde.

Tout ce qu’il  a assimilé dans les musées, que ce soit ceux d’Aix-en-Provence ou au Louvre à Paris,  lui a servi pour la création de son oeuvre personnelle. Il a conservé l’esprit de tout ce que son regard a absorbé et il l’a modernisé. Quoi qu’il en dise, l’influence de la peinture italienne aura eu un impact sur son travail, dans  la touche et la couleur,l’intensité,  le mouvement des corps. Cette couleur dans laquelle naissent la forme et la lumière  des maîtres vénitiens ou le mystère de la peinture napolitaine  . Réciproquement la lumière ensoleillée et pleine de clarté de certains de ses tableaux nous rappelle celle de l’Italie.

« Quand on parle de peinture, on imagine des phases successives, croquis, dessin, mise au carreau, application de la couleur. Avec les Vénitiens et avec Cézanne, tout se joue dans la touche. La touche c’est à la fois la ligne, la nuance, la forme, la teinte, la couleur. Il modèle la peinture. » Marianne MATHIEU ( Directrice scientifique au musée Marmottan et co-commissaire de l’expo)

CEZANNE paysage en provence
 » Paysage en Provence  » 1879/1882 – Paul CÉZANNE (Pola Museum of Art / Hakone)
CEZANNE Ottone Rosai
 » Paysage  » 1922 – Ottone ROSAI ( Collection de la Fondation Cariplo / Milan )
CEZANNE La route tournante en Provence
 » La route tournante en Provence  » – 1866 env. Paul CÉZANNE ( Musée des Beaux Arts de Montréal / Montréal )
CEZANNE la route Ardengo SOFFICI
 » La route  » 1911 – Ardengo SOFFICI ( Collection particulière de Marina Poggi, petite fille du peintre

Cézanne a été un novateur, un artiste surprenant qui a révolutionné son art. On peut affirmer qu’il a réinventé la peinture, non pas qu’il ait manqué de respect vis-à-vis de la traditions ou des formes anciennes, mais parce qu’à ses yeux, il fallait la bouleverser pour la faire avancer. A un moment donné de sa carrière, il a complètement changé sa façon de peindre, en travaillant davantage sur le motif. On y voit alors plus de traits, de lignes, des couleurs en touches juxtaposées, même l’ombre, sa chère ombre, est vue comme un ton bien précis. Lumière et obscurité s’accentuent.

Cette modernité , il l’a très très certainement  trouvée  chez les peintres vénitiens et romains . Les premiers  étaient modernes par la force de leur peinture, leur émotionnel et les exigences techniques. Un tel état d’esprit a rendu leur peinture incroyablement magnifique et admirable, ce qui n’a certainement pas échappé à Cézanne quoi qu’il ait pu en dire. Des seconds, il retiendra l’équilibre et l’harmonie des paysages, des figures ou des natures mortes . Tout cela n’échappera pas aux peintres italiens du Novecento !

Précurseur du cubisme en raison du fait de la synthèse et de la géométrisation de ses sujets sur la toile, leur multiplication, il sera aussi le mentor ( à la fin de sa vie )  des peintres avant-gardistes qui viendront après lui. Une façon de voir les choses qui sera, plus tard, reprise par les cubistes ( Pissarro, Monet, Renoir, mais aussi Picasso, Van Gogh, Kankinsky, Rothko, Giacometti, Balthus, Gauguin etc….)

«  Il était notre père à tous. C’est lui qui nous protégeait. Il était mon seul et unique maître ! Vous pensez bien que j’ai regardé ses tableaux et que j’ai passé des années à les étudier. Picasso

 » Personnellement je tiens Cézanne pour un génie. Il a su exprimer, de façon nouvelle, par ses tableaux, la mystérieuse perception du monde qui avait déjà animé Géricault, Goya, Greco, Tintoret, Signorelli et Delacroix  »  Max BECKMAN

CEZANNE autoportrait à la palette
 » Autoportrait à la palette  » 1890 env. Paul CEZANNE ( Fondation et collection Emil G.Bührle) – Cézanne a souvent été son propre modèle. Ceux du début de sa carrière sont assez violents, avec une peinture épaisse qui donnait aux traits une certaine puissance et du volume, des cernes sous les  yeux, un teint sombre. Cela surprendra beaucoup à l’époque, voire même ne plaira pas du tout ! Les autoportraits de sa fin de vie sont beaucoup plus fins, aérés et souvent à l’aquarelle. Probablement avait-il fait la paix avec lui-même avec les années ….

Il y a eu différentes périodes dans la vie picturale de Cézanne : celle de ses débuts, révolutionnaire, impétueuse, volcanique, travaillée au couteau, à la couillarde disait-il. Elle est virile, physique, épaisse. Pas franchement appréciée, ni même comprise. La critique ne sera pas tendre avec lui à chaque fois qu’il exposera dans les Salons. Il sera souvent refusé, rejeté aussi. Ce qui l’amènera à se remettre en question …

Vient ensuite la période impressionniste, sous l’influence de Pissarro (et réciproquement) : il plante son chevalet en pleine nature, peint en bord de Seine ou de l’Oise. La palette est plus claire, plus douce. Pour autant, attention, on ne peut pas tellement le définir comme impressionniste tant il continue d’être inclassable et mystérieux et d’ailleurs, lui même n’a jamais voulu être rangé dans une quelconque catégorie….

Et enfin la période de la maturité où il s’émancipe, dépasse l’impressionnisme avec des toiles plus proches de l’abstrait avec son côté géométrique dans les formes. La touche est empreinte d’une grande liberté. C’est l’époque de la consécration, celle qui va influencer de nombreux mouvements et des peintres de nationalités diverses.

Il a construit son oeuvre autour de différentes thématiques : les portraits, les natures mortes, les baigneuses, et les paysages avec et surtout ceux de sa Provence natale, ceux de la montagne Sainte-Victoire près d’Aix-en-Provence qui à elle seule fera l’objet de très nombreuses toiles. Il a beaucoup  aimé peindre des paysages, plus que des portraits d’ailleurs. Mais lorsqu’il abordait le portrait, les visages et les corps étaient peints un peu  de la même façon qu’il le faisait avec des arbres.

CEZANNE objets en cuivre et vase de fleurs
 » Objets en cuivre et vase de fleurs  » – 1860/62 – Paul CÉZANNE (Collection de la Fondation Pierre Granadda /Martigny )
CEZANNE nature morte cristofo Munari
 » Nature morte  » XVIIe-XVIIIe siècles – Cristoforo MUNARI ( Fondation Custodia – Collection Frits Lugt / Paris )

L’enfant timide et réservé qu’il fut autrefois deviendra un adulte colérique. Il gardera toute sa vie son accent du sud . On le disait  tout aussi rustre  dans ses attitudes que  plein de douceur dans sa façon de s’exprimer. Tous les témoignages que l’on peut lire sur lui, affirment  qu’il était un homme au tempérament très fort, colérique, s’emportant pour un rien, provocateur, misanthrope, réfractaire aux critiques qu’elles soient officielles ou venant de ses camarades.

Il faut savoir qu’en 1895, la carrière de Cézanne va prendre un tournant complètement différent lorsqu’elle sera prise en mains par le marchand d’art  Ambroise Vollard et à partir de là non seulement les expositions de son travail vont se multiplier mais les prix de ses tableaux  ne vont pas cesser de grimper . On achète Cézanne, on le collectionne, il est une référence, même ses collèges peintres feront l’acquisition de ses toiles.

Il a été un très grand ami de Zola ( trente ans ! ) depuis le collège Bourbon à Aix. Une amitié qui malheureusement se terminera en 1886 après la parution du roman de l’écrivain (l’Oeuvre ) dans lequel il décrit Lantier, un peintre raté et incompris. Cézanne le prendra pour lui et ne l’acceptera pas. Il ne donnera plus de ses nouvelles à son ami. Il coupe les ponts. On  voit souvent des pommes dans les natures mortes de Cézanne . C’est un souvenir émotionnel cher à son cœur. Elles ont représenté pour lui l’amitié , celle d’Emile Zola qui  lui avait offert un panier de pommes lorsqu’il  avait pris sa défense au collège.

Quelques années, après la mort de Zola, lors d’une inauguration d’une statue à l’effigie de l’écrivain, il avouera avoir ressenti  une profonde émotion. Il y avait plus de vingt ans qu’il n’avait plus de contact avec lui et éprouvera de profonds regrets.

Cézanne est  né en 1839 à Aix en Provence. Ses parents Louis Auguste et Anne Elisabeth ne sont pas mariés. Ce qui n’empêchera pas son père de le reconnaître lui et ses deux sœurs Marie et Rose. Le couple finira par officialiser en 1844.

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 » Louis Auguste Cézanne, père de l’artiste, lisant L’Événement  » – 1866 – Paul CÉZANNE (National Gallery of Art/ Washington ) – On pense souvent à ce peintre pour ces paysages baignés de lumière et de soleil, ou ces si particulières natures-mortes. On a tendance à oublier qu’il fut aussi un merveilleux portraitiste ( 200 parmi toute sa collection dont 26 de lui et 29 de son épouse) – Ce sont des tableaux audacieux, uniques  pour l’époque que ce soit dans la forme et la couleur. Il a abordé les portraits de façon quasi obsessionnelle, s’y reprenant un nombre incroyable de fois pour arriver à se rapprocher le plus possible d’une ressemblance évidente. On ne peut pas dire qu’ils soient empreints de sentiments. Ils sont plutôt psychologiques, durs parfois, et pourtant il sont touchants et sensibles lorsqu’on les regarde.
CEZANNE portrait du pière de l'artiste Giovanni SERODINE
 » Portrait du père de l’artiste  » 1620/30 – Giovanni SERODINE ( Museo d’Arte della Svizzera Italiana à Lugano )

Louis Auguste était, à l’origine, un chapelier . Suite à une grosse crise économique, une banque réputée d’Aix en Provence fait faillite. Il va en profiter pour s’associer avec le caissier de l’établissement et la racheter. Il deviendra donc banquier. La famille vivra plus aisément et lorsqu’il héritera de son père, Cézanne n’aura jamais plus à ce soucier du lendemain, demander de l’aide à ses mais pour continuer son art ou vendre ses toiles pour vivre et manger comme il a pu le faire à une certaine époque de sa vie.

Adolescent il n’y avait qu’une chose qui l’intéresser vraiment : peindre et dessiner. Il va d’ailleurs prendre des cours. Son père s’opposera longtemps  à cette envie  et pour ne pas se mettre à dos la volonté paternelle, il ira en faculté de droit, travaillera même dans la banque familiale. Mais il abandonnera très vite l’éventuelle idée d’une carrière juridique car elle ne le passionnait absolument pas.

En 1861 il prend sa voie picturale en mains, l’impose à son père.Ce dernier l’autorise à monter à Paris un an plus tard et lui alloue pour ce faire une pension . Malheureusement, il est refusé aux Beaux Arts et suivra des cours à l’Académie Suisse, Quai des Orfèvres,  où il va étudier notamment Rubens, Velasquez, mais également deux peintres français qu’il admire : Delacroix et Courbet.

C’est là également qu’ il rencontrera celui qui deviendra un véritable ami : Camille Pissarro, mais aussi Claude Monet et Pierre Auguste Renoir. Par ailleurs tout en se rendant fréquemment au Louvre où il apprend sur le tas, non pas en copiant, mais en regardant attentivement  les Maîtres d’autrefois pour bien les intégrer non seulement dans son esprit mais dans sa peinture, avec l’idée de moderniser ce qu’il vient de voir.

 » Le Louvre est un livre où nous apprenons à lire. Nous ne devons cependant pas nous contenter de retenir les belles formules de nos illustres devanciers. Sortons-en pour étudier la belle nature, tâchons d’en dégager l’esprit, cherchons à nous exprimer suivant notre tempérament personnel. Le temps et la réflexion d’ailleurs modifient peu à peu la vision et la compréhension nous vient. » P.C.

Pissarro et Cézanne, comme je l’ai dit, vont être de grands amis. Le premier va très vite pressentir ce que le second deviendra un jour. Réciproquement, Cézanne ne tarit pas d’éloges sur Pissarro dont il dit qu’il est humble et colossal. Lorsque Pissarro décédera, Cézanne lui rendra un vibrant hommage en exigeant que dans le catalogue de l’une de ses expositions , il soit inscrit sur l’un de ses propres tableaux «  élève de Pissarro  »

 » Dès le moment où vous cherchez un mouton à cinq pattes, je crois que Cézanne pourra vous satisfaire car il a des études fort étranges et vues d’une façon unique  » Camille Pissarro  au critique Théodore Duret ….  » D’où vient que vous ne dites pas un mot sur Cézanne, que pas un de nous n’admette comme un ds tempéraments les plus étonnants et les plus curieux de notre époque et qui a eu une très grande influence sur l’art moderne  ?  » à Huysmans en 1883, mécontent que le livre de ce dernier ne mentionne pas son ami Cézanne.

C’est dans cette Académie qu’il rencontre également Hortense Fiquet. Elle n’a que 19 ans, lui 30. Elle est ouvrière, pose déjà pour des peintres et sculpteurs et n’est pas franchement attirée par le mariage. Elle deviendra sa maîtresse, son modèle, sa compagne. Leur relation restera très longtemps secrète.. Il finira par l’épouser en 1886 après avoir vécu 16 ans avec elle. Elle lui donnera un fils en 1872. Même s’il fut marié et père de famille, Cézanne a eu d’autres élans amoureux sans suite. D’une manière générale, il a, de toutes façons,  beaucoup plus aimé la vie solitaire, en reclus.

Beaucoup ont affirmé qu’Hortense ne fut pas très heureuse auprès de cet homme assez rudimentaire et dur. Le temps a fini par adoucir leur union.  Elle a , semble t-il, fait preuve d’une grande patience envers son époux, mais apparaissait souvent triste, mélancolique, avec un visage fermé, voire résigné.

CEZANNE Hortense FIQUET
Hortense FIQUET son épouse

En 1872, Cézanne s’installe à Auvers-sur-Oise ( dans la maison du Docteur Gachet)  sur les conseils de Pissarro. Celui-ci lui  enseignera les principes de la peinture impressionniste : être en plein air , à la lumière du jour, tenter de capter les nuances de cette lumière  et ce par petites touches de couleur. Les conseils de Pissarro vont avoir une grande importance au début de sa carrière picturale et il les écoutera avec beaucoup d’attention.

CEZANNE ET PISSARRO à AUVERS
Auvers-sur-Oise en 1874 :  à droite Camille PISSARRO  – Assis sur le banc Paul CÉZANNE – l’enfant au milieu  est Lucien PISSARRO – A gauche il y a des amis

Cézanne fera partie du groupe des Impressionnistes en 1874.  Il sont un trentaine à être refuser par le Jury du Salon Officiel. Du coup, le photographe Nadar leur propose d’exposer dans son atelier. C’est là que le critique Louis Leroy donnera le nom de leur groupe : impressionniste en voyant le tableau de Monet Impression soleil levant. Parmi eux on trouve Cézanne, Degas, Pissarro, Mont, Renoir, Sissley …..

Trois ans plus tard, en 1877, il se sépare de ce groupe pour mieux se concentrer sur la nature, les formes, les volumes, la structuration des objets et sur une autre évolution de la peinture. Le dessin devient alors indissociable de la couleur dans ses tableaux. Il gardera des impressionnistes le goût de la peinture en extérieur, retournera en Provence, s’installera dans l’atelier que son père avait tout spécialement fait construire pour lui dans la propriété familiale du Jas de Bouffan non loin d’Aix-en-Provence.

De temps à autre, il enverra un tableau au Salon. La répétition d’un même sujet à savoir la Montagne Sainte Victoire lui permettra de faire de faire évoluer son langage pictural tel qu’il l’entendait personnellement.

La reconnaissance viendra à lui en 1895 grâce au marchand d’art Ambroise Vollard qui organisera une première exposition lui étant entièrement consacrée . Certes le public n’était pas franchement enthousiaste, mais les collectionneurs le seront infiniment. Pour autant, ce succès tardif ne va l’éblouir. Il continuera sa passion avec acharnement, même vieillissant, à la recherche d’une nouvelle lumière qui pourrait le surprendre.

Ses premières toiles ont souvent une inspiration plutôt romantique, d’inspiration allégorique. On trouve très souvent des natures mortes, et des sujets plutôt réalistes. Lorsqu’il entrera dans le groupe des Impressionnistes, sa peinture va changer, mais pour autant elle est incomprise et scandalise. Les premiers salons sont un échec, il en sera attristé – Quelques temps plus tard,  il va rompre avec le mouvement impressionniste et repart dans sa Provence natale où les paysages de la montagne Sainte-Victoire ne cesseront d’être son sujet de prédilection.

Les toiles à partir de 1880 vont être beaucoup plus sereines, apaisées, quasi intériorisées, traductrices de tous ses ressentis émotionnels.

En 1889, ses parents sont tous deux décédés, il vend alors la propriété du Jas de Bouffan. Il effectuera des voyages en France ( il rendra notamment visite à Monet dans sa maison de Giverny) et en Suisse également.

Entre 1901 et 1902,  Il achète sur la colline des Lauves une ferme et un grand terrain magnifiquement arboré. Il y fera construire un atelier avec une immense verrière  décoré de tous les objets qu’il affectionne tout particulièrement. Il va y passer des journées entières. Il y vit seul car son épouse et son fils demeurent à Paris  . Sa santé est délicate, il est diabétique et souffre de très violentes migraines.

Après avoir passé plusieurs heures  à peindre au cabanon de Jourdan qu’il loue  en pleine nature près du plateau des carrières de Bibémus , il a un malaise à l’extérieur et reste plusieurs heures sous la pluie Des charretiers le trouvent et le ramènent comateux à son domicile. Malheureusement, il  meurt d’une pleurésie à Aix en Provence en 1906. Ses obsèques ont eu lieu à la cathédrale Saint-Sauveur d’Aix-en-Provence.

 » Je me suis juré de mourir en peignant …  » P.C. peu de temps avant sa mort

Son fils Paul a conservé l’atelier de son père fermé gardant pour lui ce lieu si important pour son père, ainsi que toutes les toiles qui s’y trouvaient. Et puis un jour, en 1921, il va se résoudre à vendre la maison et petit à petit les toiles. lesquelles furent acquises ( pour la plupart) par des collectionneurs américains. C’est du reste, grâce à certains d’entre eux, que l’atelier a réussi à être préservé de la démolition. Ils créent une fondation pour sa préservation et proposent à l’État français de s’en occuper. Ce dernier ne le souhaite pas. C’est l’Office du tourisme de la ville d’Aix-en-Provence qui en est désormais le propriétaire. L’atelier est devenu le musée Cézanne.

La carrière de Paul Cézanne a duré plus de cinquante ans. Elle fut exemplaire. Jamais il ne cessera de peindre, de persévérer,en essayant toujours de peindre ce qu’il ressentait profondément,  essayant toujours de comprendre son art avec ténacité.

CEZANNE Sironi fratello Ettore
 » Ritratto del fratello Ettore  » 1910 env. Mario SIRONI (Collection Romana Sironi/Rome)
CEZANNE l'homme assis
 » L’homme assis  » –  1905/06 – Paul CÉZANNE ( Museo Nacional Thyssen-Bornemisza / Madrid )
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 » Tête de vieillard (Probablement le père Rouvel de Bennecourt) – 1866 env. Paul CÉZANNE (Musée d’Orsay / Paris )
CEZANNE portrait de Jacopo da Ponte
 » Portrait d’Antonio Da Ponte ( architecte officiel de la République de Venise) – d’Après Jacopo BASSANO ( Bassano del Grappa) – ( Musée du Louvre / Paris )

 

« La lecture du modèle (et sa réalisation) est quelquefois très lente à venir pour l’artiste.  Je continue péniblement mes études de peintureJe procède très lentement, la nature s’offrant à moi très complexe.  Je demeure sous le coup de la sensation et, malgré mon âge, vissé à la peinture. » dira t-il à la fin de sa vie.

 

 

 

 

 

 

TURNER -Peintures et Aquarelles, collections de la Tate …

TURNER Peintures et aquarelles

«  Le plus grand peintre de tous les temps vit parmi nous et peint pour nous  » John RUSKIN (Critique d’art – Il a été un grand admirateur de Turner, mais aussi un grand défenseur de son œuvre et collectionneur de ses tableaux)

Comme beaucoup d’autres institutions muséales, le musée Jacquemart-André avait dû fermer en raison de l’épidémie qui a sévi ces derniers mois. Il a ré-ouvert le 26 mai et dans la foulée la décision a été prise de prolonger l’exposition TURNER -Peintures et Aquarelles – Collections de la Tate jusqu’au 11 janvier 2021. 

Un parcours chronologique avec une soixantaine d’aquarelles et une dizaine de peintures à l’huile, faisant partie du fonds personnel de la Tate Britain de Londres, sont présentées. Certaines pour la première fois en France.

TURNER autoportrait TATE GALLERY de Londres
 » Autoportrait  » – William TURNER ( Tate Gallery de Londres )

Turner fut le plus grand peintre britannique  connu d’une part  pour sa façon si particulière d’estomper les formes au profit justement de la lumière, ce qui avait pour résultat de faire émerger des impressions, des mouvements . Visionnaire, audacieux, merveilleux coloriste, magnifique paysagiste, on pourrait ajouter un poète de la peinture . Il a souvent peint , en effet, de façon délicate, fluide, lyrique , avec de très belles lumières, des petits dégradés qui rivalisent souvent avec la transparence et une petite note «  venue de l’âme « .

Sans oublier qu’il reste l’un des plus grands peintres aquarellistes du XIXe siècle. Ses premières œuvres étaient des aquarelles, et il a tout fait pour que ce procédé gagne en reconnaissance. L’aquarelle ne le quittera jamais, même lorsqu’il commencera à peindre à l’huile.Il en fera un art à part entière.

Ses fabuleuses aquarelles sont touchantes et poétiques. Leur format est, certes, très souvent de petite taille, mais franchement elles n’en demeurent pas moins superbes, ne serait-ce là encore que pour cette clarté lumineuse qu’elles dégagent, les couleurs changeantes de la mer, ses reflets, ses mouvements. L’eau est, en effet, fort présente dans ses toiles, mais également le ciel et ses variations selon le rythme des saisons, des changements de météo, en alternance de pluie ou de soleil. IL ne cesse de jouer sur la transparence ce qui amène les couleurs à se superposer et donner des effets assez incroyables.

L’aquarelle est une technique  à laquelle Turner a été attaché très tôt, dès l’adolescence. Il va profondément en aimer la fluidité et la légèreté.  Contrairement à ce que l’on pourrait croire, ce n’est pas un procédé facile. La peinture(à l’eau) doit être appliquée par touches juxtaposées, bien diluées pour qu’elles soient transparentes. Il faut être assez rapide dans l’exécution. Ce procédé s’est répandu au XVIIIe siècle. On a longtemps considéré que l’aquarelle était un art mineur, beaucoup moins noble que la peinture à l’huile. C’est en Angleterre qu’il a vraiment atteint son autonomie. Celles et ceux qui l’utilisaient alors travaillaient sur du papier sec, puis petit à petit cela se fera sur papier mouillé. L’aquarelle, on peut le dire, a vraiment révolutionné l’art du paysage.

TURNER Dinant bouvignes et Crèvecoeur
 » Dinant, Bouvignes et Crève-cœur – coucher de soleil  » 1839 env. Gouache et aquarelle sur papier / William TURNER ( Tate Britain)
TURNER Yatch approchant de la côte
 » Yacht approchant de la côte  » 1840 env. Huile sur toile – William TURNER (Tate Britain)

En tant que paysagiste, il a mis à profit ce qu’il avait appris au travers du paysage topographique, à savoir représenter le plus fidèlement possible ce qu’il voyait. Ce qui lui a valu d’avoir de nombreuses commandes. Partant de là, il a exploré d’autres façons de voir le paysage et l’a exprimé autrement par la suite.

Il s’est également essayé à la gravure, assez tôt, en 1791, puis plus intensément entre 1807 et 1819. Il dessinait à la plume à l’encre noire et à la gouache , puis  graver lui-même sur des plaques de cuivre. Il a longtemps travaillé pour des imprimeurs, mais cela s’est arrêté définitivement en 1830.

Ce fut un homme  que l’on a dit déterminé, farouchement attaché à sa liberté, pas très bon caractère, voire même très taciturne avec l’âge. Très secret quant à sa vie privée  » aussi silencieux qu’un bloc de granit pour ce qui est des mouvements de son âme  » dira son ami et confident John Ruskin.

Il se  complaira à envelopper sa personnalité, et son œuvre, d’un voile de mystère, mais on sait qu’il a été un grand amoureux de littérature et poésie (les deux ont très souvent été une source d’inspiration pour lui), et qu’il a eu une profonde admiration pour Titien, Poussin, Rembrandt, et surtout pour Claude Gellée qui a incroyablement influencé son travail. Pour autant, cet attachement aux maîtres du passé, ne l’empêchera nullement  d’être un avant-gardiste attentif à la peinture moderne, notamment comme l’avait souligné le critique d’art William Hazlitt « par ces abstractions de perspective aérienne« qui lui seront longtemps reprochées mais qui deviendront sa signature.

Il ne s’est jamais marié. Il semblerait qu’il ait eu une liaison avec une certaine Sarah Danby, laquelle lui aurait donné deux filles. Rien ne peut confirmer qu’il soit réellement le père, car beaucoup ont affirmé que la paternité en revenait à son propre père, ce qui,  par conséquent, aurait fait de ces deux petites filles ses demi-sœurs …. Après quoi, il a vécu 18 ans avec une veuve, Sophia Carolina Booth. C’est d’ailleurs chez elle qu’il va mourir du choléra.

Il a expérimenté la lumière avec  des nouvelles couleurs comme l’orangé mais surtout le jaune (il sera d’ailleurs vivement critiqué pour l’utilisation excessive de cette couleur),   tout comme il s’est penché sur la science pour étudier ce que les teintes chaudes pouvaient apporter de complémentarité aux teintes froides et ce dans le but de créer des émotions. On l’a surnommé le peintre de la lumière tant ses toiles en étaient imprégnées de façon assez éblouissante. Et pour que cette lumière soit plus vive encore, il va préférer peindre sur des toiles recouvertes de blanc, plutôt que sur des surfaces sombres comme il était de coutume à l’époque.

Peintre célèbre de son vivant, admiré, adulé , comblé d’honneur, ses tableaux se sont bien vendus. Il a été encensé, voire même vénéré par d’autre peintres notamment avec Claude Monet ( si l’on regarde bien son tableau Impression Soleil levant, on comprend combien il y a une inspiration trouvée chez Turner) , mais également par Camille  Pissarro et autres.  Pourtant c’est un solitaire, orgueilleux,  assez morne qui ne trouvera de véritable tendresse que dans son art : la peinture .

 » Nous descendons tous de l’anglais.Ce fut le premier, peut-être, qui sut faire flamboyer les couleurs dans leur éclat naturel  « Camille Pissarro

TURNER l'artiste
 » L’artiste et ses admiratrices  » 1827 – Aquarelle et pigments opaques sur papier / William TURNER (Tate Britain)

Turner a été un pionnier et un visionnaire en bien des domaines picturaux. D’abord dans la technique, en s’intéressant de très près aux théories scientifiques de la couleur. Puis, n’oublions pas qu’il fut, bien avant les impressionnistes, un adepte de la peinture en extérieur, l’un des premiers ( dès leur sortie ) à utiliser des tubes de peinture en métal, ce qui lui apporte beaucoup plus de facilité pour peindre en plein air.

Un très grand voyageur ( 35 voyages entre 1817 et 1845 )  : non seulement il s’est rendu dans différentes régions de son Angleterre natale, mais très souvent  à l’étranger aussi (France, Italie, Allemagne, Pays Bas, Danemark, Autriche, Suisse, République Tchèque notamment ) et cette envie d’ailleurs a commencé dès son adolescence.  Chaque pays visité lui a apporté une autre lumière et différentes couleurs et il s’est littéralement nourri de tous ces apports.Les voyages transformeront son travail et sa technique évoluera.

Entre 1797 et 1815, la crainte des invasions ne permettait pas que l’on puisse traverser la Manche. La défaite de Napoléon à Waterloo va changer les choses et un très grand nombre de personnes ( peintres, écrivains, grand public de toutes couches sociales) vont pouvoir voyager, aidées en cela par l’avènement du bateau à vapeur à grande vitesse et à l’amélioration des routes pour que les voyages soient plus accessibles.

Turner a été de ceux qui ont profité de cette liberté de déplacement. On peut même dire que non seulement il fut un insatiable voyageur, un voyageur invertébré disait-on de lui . Cela a considérablement joué dans le développement de son art tout simplement en raison des nombreux sujets qui s’offraient à lui. Jusqu’à la fin des guerres napoléoniennes il s’est souvent déplacé en Grande-Bretagne traversant les paysages romantiques du Pays de Galles et de l’Écosse. Lorsque la paix s’est installée, il a pu partir, chaque année, pour l’étranger, que ce soit en bateau, en diligence, à pied aussi pour de grandes et belles promenades, carnets de route en poche (Il réalisera 267 carnets tout au long de sa carrière) !

TURNER Vue des gorges de l’Avon, 1791 crayon, encre et aquarelle
« Vue des gorges de l’Avon  » 1791 – Crayon, encre et aquarelle / William TURNER ( Tate Britain )
TURNER Scaborough 1825
 » Scaborough  » 1825 – Aquarelle et graphite sur papier / William TURNER ( Tate Britain )

Pour autant attention : il n’est pas parti à l’aventure le cœur léger et sans se soucier de rien. Non ! Il prenait grand soin de régler attentivement, minutieusement, sérieusement chacun de ses périples, longtemps à l’avance. Du reste un grand nombre d’historiens l’ont qualifié de touriste professionnel, tant tout était fort bien organisé !

TURNER la vision de Colomb
 » La vision de Colomb pour les Poèmes de Samuel Rogers  » 1830/32 – Graphite et aquarelle sur papier / William TURNER ( Tate Britain )

Joseph Mallord William Turner a vu le jour en 1775 à Londres. Son père William est barbier-perruquier. Il a eu une sœur née trois ans après lui qui est morte à l’âge de quatre ans. Sa mère Mary ne s’en remettra pas. Elle va devenir folle et devra être internée. William sera alors confié à un oncle qui habite dans le Middlesex, à Brentford. Puis il retournera auprès de son père.Ce dernier vivra du reste avec son fils jusqu’à sa mort.

Enfance très solitaire et très tôt une passion pour le dessin. A dix ans, son père s’émerveille que l’on trouve remarquables les dessins de son fils, d’autant qu’il n’a pas eu de professeur, et d’ailleurs il ne cessera de l’encourager.  En 1789, le jeune William décide d’aller suivre les cours de la Royal Academy. Il a quatorze ans. Non seulement il est heureux de se trouver en ces lieux, mais il a une profonde admiration pour le président de l’institution : Joshua Reynolds. Cinq ans plus tard, on applaudit ce jeune homme doué qui expose ses premières œuvres au sein même de l’Académie. Il en sera le plus jeune membre à l’âge de 24 ans !

Sachant qu’il a besoin d’inspirations nouvelles, il va multiplier les voyages. Voir de nouveaux horizons. Rien n’est laissé au hasard  : avant chaque départ, il aime se documenter sur l’endroit où il va se rendre, apprend les bases de la langue locale, emmène avec lui un maximum de petits carnets où il note et surtout dessine. Ce travail minutieux n’est pas uniquement un travail d’observation : il s’imprègne et pénètre chaque endroit.

TURNER Le Lac Léman avec la Dent d’Oche au-dessus de Lausanne1841, graphite et aquarelle sur papier,
 » Le lac Léman avec la dent d’Oche au-dessus de Lausanne  » 1841 – Graphite et aquarelle sur papier / William TURNER ( Tate Britain )
TURNER Ehrenbreitstein avec un arc-en-ciel 1840 graphite, aquarelle et gouache sur papier
 » Ehrenbreitstein avec un arc-en-ciel  »  1840 Graphite, aquarelle et gouache sur papier  » William TURNER ( Tate Britain )

En France en 1826, il va partir au fil de l’eau, et explore les rives de la Seine et de la Loire. Croisière sur cette dernière durant deux semaines et avec elle des paysages inédits dont il se délecte. Plus de vingt aquarelles sortiront de ce périple et feront partie d’une publication.

Il a 44 ans  lorsqu’il se rend en Italie pour la première fois. Il en reviendra avec environ une vingtaines de carnets bien remplis, et une cinquantaine d’aquarelles sublimes. Rome bien sur en 1819. Toutefois un peu déçu : il  s’était fait une idée de la ville qui ne sera pas celle qu’il espérait. Même la lumière romaine ne l’éblouira pas. Il va pourtant y rester trois mois pour tenter de trouver ce sublime dont on parlait tant ! Le sculpteur Canova lui permettra même de devenir membre honoraire de l’Académie romaine Saint-Luc.

La Sérénissime en 1833 ce sera autre chose : une passion. Elle va lui donner des envies de créer une Venise qui ne soit que la sienne, hypnotique, entre brume et lumière insaisissable. Venise s’imprègne des couleurs de Turner. Elle change sans cesse et se fait enchanteresse, entre bleu, ocre, rose, rouge, jaune, blanc et gris : tout est subtil.

TURNER Venise la piazzetta
 » Venise la Piazzetta avec la cérémonie du Doge épousant la mer  » 1835 env. Huile sur toile / William TURNER ( Tate Britain )
Venice: Looking across the Lagoon at Sunset
 » Vue sur la lagune au coucher du soleil  » 1840 Aquarelle sur papier / William TURNER ( Tate Britain )

Durant les dix dernières années de sa carrière, il va encore davantage se pencher  sur l’observation, l’étude de la lumière, tenter d’en élucider le mystère. Cela va donner des toiles beaucoup plus suggestives,  quasi abstraites dans lesquelles la lumière explose littéralement. Un effet obtenu avec des coups circulaires  à l’aide d’une brosse. Il accumule alors des tas et des tas de dessins et d’aquarelles.

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 » Coucher de soleil  » – 1845 Aquarelle sur papier / William TURNER ( Tate Britain )

Il a été professeur de perspective à la Royal Academy de 1807 à 1837, membre de ladite institution à 27 ans, puis  président par intérim  en 1845.

Turner est mort du choléra en 1851 à l’âge de 76 ans. C’est le poète et critique d’art John Ruskin qui fut nommé exécuteur testamentaire. Le peintre a souhaité que l’intégralité de ses œuvres soit léguée à l’État britannique, mais cela n’aboutira pas. Environ 300 peintures à l’huile, plus de 20.000 dessins, des aquarelles et des carnets de voyage avec croquis seront remis à la National Gallery. De nos jours, la majeure partie de son legs se trouve à la Tate Britain.

Tout n’a pas été très clair pour réglé ce testament et il a fallu en passer par une très longue bataille juridique qui ne verra son achèvement qu’en 1856 soit 5 ans après le décès du peintre.

Il a été inhumé, à sa demande, non loin de Joshua Reynolds son professeur qu’il a toujours fortement apprécié, à la cathédrale Saint Paul à Londres.

Depuis 1984 un prix prestigieux porte son nom. Il a été créé à la Tate de Londres. Par ailleurs, en 2004 c’est le Turner Watercolours Award qui a vu le jour au Royal Institute of painters in Water Colours de Londres. Les deux récompensent des jeunes artistes méritants.

 » Dieu est soleil …  »  aurait-il prononcé avant de mourir. Il aura rejoint cet infini que l’on ressent dans certaines de ses œuvres.

TURNER la visite de la tombe
 » Visite de la tombe  » 1850 – Huile sur toile / William TURNER ( Tate Britain )

RAPHAËL à CHANTILLY – Le maître et ses élèves …

EXPO RAPHAEL

«  Il possédait si bien l’art de plaire, l’art de séduire et de charmer, que sa main n’attendait pas toujours sa pensée et négligeait parfois le travail de la méditation comme inutile au succès de son œuvre, comptant sur la beauté des lignes pour imposer silence aux juges les plus sévères. Mais cette confiance, même si souvent justifiée, ne reposait-elle pas sur un travail persévérant ? Si Raphaël n’est pas le premier dans toutes les parties de la peinture, aucun peintre ne peut disputer le premier rang car aucun n’a réussi au même degré que lui, toutes les qualités que lui donne dans l’étude et le génie. » Gustave PLANCHE (Critique littéraire et critique d’art)

« On vit clairement dans la personne, non moins excellente que gracieuse de Raphaël, à quel point le Ciel peut parfois se montrer généreux et bienveillant, en mettant, ou pour mieux dire, en déposant et accumulant en un seul individu, les richesses infinies ou les trésors de ses innombrables grâces qui sont des rares dons qu’il ne distribue cependant que de temps à autre et à des personnes différentes.  » Giorgio VASARI (Peintre, architecte et écrivain italien)

2020 fête les 500 ans de la mort du peintre et architecte italien : Raffaello Sanzio dit RAPHAËL. Une commémoration que l’on prévoyait de  célébrer , notamment, par deux expositions importantes 1) du 5.2. au 2.6. au Palais du Quirinal à Rome (Italie) où il était prévu que  l’on puisse admirer 200 pièces dont 40 prêtées par la Galerie des Offices de Florence et 5 par le musée du Louvre à Paris –

2) du 7.3. au 5.7. proposée par le Domaine de Chantilly (France) penchée davantage d’une part  sur les dessins du peintre, des premiers jusqu’à ses chefs-d’oeuvre en passant par ceux préparatoires pour les grandes décorations ; et d’autre part, sur son atelier et ses élèves.

Il devait y avoir aussi Raphaël et son entourage à la National Gallery de Londres de février à juin, puis Raphaël toujours à la National Gallery d’octobre 2020 à janvier 2021. Urbino, sa ville natale, lui avait consacré une exposition en 2019 avec pour sujet sa formation et apprentissage.

Autant le dire : le confinement a modifié toutes ces dates et certains musées ont décidé de faire comme ils pouvaient en proposant soit  des visites virtuelles dans un premier temps, ou reporter les expos à l’automne ou les maintenir en rallongeant, notamment,  la durée de l’expo lorsque cela était possible.

La sortie du confinement a permis la ré-ouverture de certains lieux, c’est le cas du château de Chantilly depuis le 21 mai, pour le bonheur de beaucoup, y compris du mien !

L’expo de Chantilly est d’importance compte tenu que, malheureusement, ce sera la seule en France. Certains pourraient être à même de se dire que cela aurait pu se faire au Louvre par exemple, mais il faut savoir que le musée Condé du Domaine de Chantilly est une institution éminente et reconnue d’une part pour sa grande connaissance de l’œuvre de ce peintre, mais elle est également détentrice de tableaux magnifiques de Raphaël, et d’un fonds important de dessins. L’expo s’intitule :

 » RAPHAËL à CHANTILLY – Le maître et ses élèves  » ( en partenariat avec Christie’s) avec des  prêts du Palais des Beaux Arts de Lille.

RAPHAEL auto portrait
 » Autoportrait  » 1506 – RAPHAËL ( Galerie des Offices à Florence)
RAPHAEL La vierge de Lorette Musée Condé
 » La vierge de Lorette  »  1509/1510 – RAPHAËL (tableau faisant partie de la collection du musée Condé / Chantilly)
TROIS GRACES
« Les trois grâces » 1504/1505 RAPHAËL (Tableau faisant partie de la collection du musée Condé/Chantilly)
RAPHAEL La Madone de la maison d'Orléans de Raphaël vers 1506-1507
 » Madone de la Maison d’Orléans  » 1506/1507 – RAPHAËL( Tableau faisant partie de la Collection du musée Condé/Chantilly)

Raphaël fut un peintre adulé de son vivant, un artiste majeur dans l’histoire de l’art, un génie de la composition, un mythe de la Haute Renaissance italienne, un surdoué de la peinture qui a poursuivi un idéal de perfection. Un esprit inventif, un des maîtres du Cinquecento avec Léonard de Vinci et Michel Ange notamment. Il fut aussi excellent dessinateur et un architecte.

Un homme mystérieux, cultivé, lettré, qui a fréquenté les cercles humanistes où il n’a pas manqué de se faire bon nombre d’amis. Il a été profondément aimé et admiré de son vivant mais il fut aussi incompris et trahi.

La Haute Renaissance italienne, dans laquelle il a évolué,  se situe entre 1500 et 1530. Une époque de grand rayonnement artistique avec un niveau élevé. C’est un mouvement culturel et artistique de renouveau dans laquelle on suit les grandes découvertes, on revient à l’Antiquité, on évolue dans le solennel, le spirituel, l’harmonieux, le réalisme, l’humanisme et on place l’homme au centre de tout. Raphaël a su réunir tout cela.

Il est resté dans les esprits comme une vraie référence d’esthétique et de perfection et ce quasiment jusqu’au XXe siècle : on l’a dit divin, irréprochable, admirable, incomparable. Un ange de la peinture mort, malheureusement, en pleine gloire à l’âge de 37 ans, laissant derrière lui une très importante quantité d’œuvres magnifiques.

Beaucoup de peintres qui viendront des siècles après lui, le placeront au-dessus de tout. Il sera le modèle. Delacroix, par exemple, dira qu’il est la manifestation d’une âme qui converge vers les Dieux.

Comme je l’ai dit, Raphaël fut un excellent dessinateur, utilisant souvent le dessin à titre préparatoire pour ses futurs tableaux. Côté peinture il a su avoir une maîtrise importante dans le trait et la lumière. Ses œuvres  sont auréolées de grâce, de douceur, de sérénité et de modernité avec des couleurs belles et généreuses . Il a placé le dessin et la couleur à égalité dans leur utilisation et n’a jamais tenu à ce que l’on prenne l’un prenne le pas sur l’autre et la domine.

En tant que dessinateur, il a utilisé le crayon, la plume, le lavis, la sanguine, le stylet. Tout dépendait de ce qui’l traitait. Chacun ayant ses caractéristiques bien déterminées. Ses dessins ont servi à ses élèves car ils étaient à la base de l’enseignement prodigué par le maître et c’est ce qui leur permettait aussi de comprendre l’art pictural de Raphaël. On peut dire qu’ils ont eu une grande chance.

Raphaël a eu vraiment une maîtrise totale du dessin et comme l’ont fait Michel Ange et Léonard de Vinci, il portera le dessin à sa plus haute expression. Son trait est très expressif et s’il en est arrivé là, c’est parce que le dessin a été une véritable passion dès son plus jeune âge. Sa formation auprès du Pérugin, lui a sans nul doute apporté un trait doté de pureté et de précision. Avec le temps, il a appris la perspective et la composition mais cela n’effacera pas sa délicatesse. Chacun de ses tableaux ou décorations sont passés par le dessin.

Petite chose à savoir : le terme disegno ( dessin ) dans la Renaissance italienne avait deux significations. Il était une technique de création et la conception d’un projet. Il était à la fois manuel et intellectuel.

RAPHAEL homme à demi drapé portant fardeau RAPHAEL
 » Dessin Homme à demi drapé portant fardeau  » RAPHAËL (Collections du musée Condé/Chantilly)
RAPHAEL 2
 »Étude de La Vierge assise avec l’Enfant et le petit Saint Jean dans un paysage  » RAPHAËL (Cette étude illustre l’affiche de l’expo)
RAPHAEL Madone d’humilité couronnée par deux anges volant et entourée par six autres anges
 » Madone d’humilité couronnée par deux anges et entourée par d’autres anges  » -RAPHAËL (fait partie des collections du musée Condé/Chantilly)

Ce fut un artiste prolifique qui a su intégrer les principes du passé en les synthétisant de façon intelligente, harmonieuse, talentueuse. Il s’est souvent tourné vers l’Antiquité que ce soit dans les tableaux ou en architecture. Il s’est montré doué dans les règles de la perspective : tout y est pensé de façon claire et rigoureuse.

Il a été influencé par des grands noms : le Pérugin de qui il tiendra d’ailleurs cette grande douceur et grâce qui le caractérisent et qui ressortent notamment dans ses Madones – Léonard de Vinci ( qu’il a tant admiré ) à qui il a emprunté la technique du sfumato qui atténue les contours, mais conservera aussi la subtilité dans les modulations des jeux de lumière, le naturel des visages, la présentation des personnages souvent positionnés en trois-quarts ( comme la Joconde)  – Michel Ange qui lui inspirera des corps magnifiquement bien proportionnés, sculptés et modelés.

Raffaello Sanzio di Urbino dit Raphaël est né en 1483 à Urbino, une commune située dans la région des Marches en Italie. A la tête de ce duché se trouvait Frédéric III de Montefeltro un grand protecteur et mécène des arts.

Giovanni, le père , est peintre. Il possède son propre atelier et travaille pour le duc. Nul doute que c’est auprès de lui que Raphaël commencera sa formation, et dès le départ, il se montrera infiniment doué pour le dessin.

A 11 ans, il se retrouve orphelin. Ses parents sont tous deux décédés à quelques années d’intervalle. A la mort de son père, il continuera à utiliser un temps son atelier, puis décidera de rejoindre Pérouse pour suivre son apprentissage auprès de Pietro Vanucci dit le Pérugino.

Pietro PERUGINO
 » Autoportrait  » Pietro VANUCCI dit le PERUGINO (Fresque du Collègio del Camgio à Pérouse en Italie)
RAPHAEL Buste d'homme Pietro VANUCCI dit le PERUGINO
 » Dessin buste d’homme  »  -Pietro VANUCCI dit LE PÉRUGINO ( Collections du musée Condé/Chantilly)
RAPHAEL Pietro VANUCCI dit le PERUGINO buste de la justice
 » Dessin buste de la justice  » Pietro VANUCCI dit LE PÉRUGINO (Collections du musée Condé/Chantilly)

L’influence de ce dernier va être considérable. On retrouve, en effet, dans les tableaux de  » l’assistant  » ( car il le fut, bien plus qu’un apprenti ! ) cette lumière et cette clarté, toutes deux auréolées de sérénité, de douceur et de finesse des traits, qui font partie des caractéristiques picturales de son maître. D’ailleurs, on peut confondre certaines de leurs toiles tant il y a de similitudes. Six ans plus tard, il quitte Pérouse, retourne à Urbino pour s’occuper de l’atelier de son père. Les portraits de l’époque sont très réalistes, plaisent et lui apportent le succès. La critique l’encense.

En 1506 c’est le départ pour Florence avec, en poche, une recommandation bien appuyée de Giovanna della Rovere, épouse de Francesco duc d’Urbino, dans laquelle elle requiert une aide au chef de la République florentine pour son jeune protégé. Dans la belle cité florentine, les peintres s’affrontent de façon redoutable. Ils sont rivaux, se critiquent, et éliminent ceux qui se montrent fragile et faibles ou feraient ombrage à leur travail. Ils se suspectent même.

Dans cette atmosphère étrange, Raphaël arrivera malgré tout à se faire une place, être reconnu et apprécié. Entre autres artistes d’importance, il y a Léonard de Vinci et Michel Ange ( avant que ce dernier ne se rende à Rome pour travailler dans la Chapelle Sixtine notamment) – Tout deux se disputaient la première place dans la cité florentine et honoraient beaucoup de commandes. Il va apprendre beaucoup des deux !

En effet, ils favoriseront considérablement son style. Du reste, à Florence, Raphaël va emmagasiner bon nombre de techniques, de formules, de compositions que les autres avaient développé. Il les assimilera , les approfondira pour mieux les comprendre. Comme l’a dit très justement Delacroix «  son originalité ne paraît jamais plus vive que dans les idées qu’il emprunte. Tout ce qu’il touche, il le relève et le fait vivre d’une vie nouvelle. C’est bien lui qui semble alors reprendre ce qui lui appartient et féconder des germes stériles qui n’attendaient que sa main pour donner leurs vrais fruits« .

Malgré le succès obtenu à Florence, son souhait sera de se rendre à Rome. Il faut dire que si la belle Florence fut longtemps le centre de l’art italien, c’est vers Rome que partaient désormais les artistes, tout simplement parce que c’était là-bas que se trouvait l’esprit créatif le plus important de la Haute Renaissance et les plus éminents peintres, sculpteurs et architectes.

1508 : il arrive donc à Rome, appelé par le pape Jules II, exigeant donateur, qui lui demandera de travailler sur une suite de trois salles ( stanze ) dans son appartement au Vatican. Elles occuperont Raphaël jusqu’à son décès. Son travail dans ce lieu saint reste à l’apogée de cette Haute Renaissance, tant la perfection picturale est précieuse et importante, notamment dans la perspective des volumes, la lumière et les couleurs. La mort de Jules II ne changera en rien dans la collaboration avec le Vatican. Elle se poursuivra avec son successeur Léon X de la famille Médicis.

Ces deux papes ont été plus souverains que guides spirituels. Giovanni da Rovere (Jules II) fut nommé pape en 1503, un vrai chef de guerre qui aimait beaucoup les femmes ( il a eu trois enfants) mais n’était absolument pas contre des relations homosexuelles de temps à autres, particulièrement avec un certain Francesco Alidosi qu’il a aimé passionnément.

Léon X va lui succéder en 1513. Un homme cultivé, fils de Laurent de Médicis. Un homme que l’on disait bien, mais pas un ange pour autant. Il a souvent commandité des assassinats lorsque le besoin s’en faisait sentir. Il aimait la fête et se travestir notamment pour le Carnaval.

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Non seulement il honorera les commandes papales, mais également celle de l’aristocratie en place, celle de ses mécènes italiens et français aussi. Portraits, retables, tableaux pour autels dans les églises, cartons pour tapisseries, fresques murales et plafonds. Son travail était fortement apprécié.

A la mort de l’éminent architecte Bramante, Raphaël sera appelé à poursuivre d’une part les travaux de la Cour des Loges au Vatican, et, continuer, en tant qu’architecte, ceux de la Basilique Saint Pierre.

Il a son propre atelier et les commandes sont telles qu’il s’est entouré d’une cinquantaine d’assistants. Une partie des œuvres de cette époque furent bien sur réalisée par lui, et une autre par ses plus proches collaborateurs, à savoir Giulio Romano et Gianfrancesco Penni.

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Dans l’atelier, Raphaël étudiait, inventait les compositions. Un collaborateur les réalisait. Les élèves quant à eux, exécutait les cartons. Raphaël revenait ensuite pour l’application de la couleur et les finitions souvent assisté par Giulio Romano. Cette façon de faire n’avait rien d’exceptionnel à l’époque, c’était même très courant. Le maître est là pour superviser, surveiller, contrôler et le faire de façon rigoureuse et sérieuse. Les portraits officiels sont confiés à ses collaborateurs, ceux des proches ou des amis sont exécutés par le maître.

RAPHAEL Giulio ROMANO
 »  L’Amour réveillant Psyché  » Giulio ROMANO ( Musée Condé – Chantilly )

Il a eu une cinquantaine d’élèves et au-delà d’être des élèves, certains, par leur talent, sont devenus des assistants et collaborateurs. A la mort de Raphaël, ils resteront dans l’atelier , conserveront ses dessins,  termineront les commandes de leur maître et voyageront beaucoup en Italie notamment pour diffuser les enseignements reçus de   leur Maître.

L’atelier ( bottega ) de Raphaël croulait littéralement sous les commandes. Il était reconnu comme étant d’un niveau supérieur. La réputation était qu’il ne cantonnait pas ses élèves à des travaux inintéressants. Tout au contraire, il avait à cœur de leur donner un enseignement pluriel, rigoureux, qui comportait la pratique du dessin d’après un modèle vivant, l’étude de l’art antique. En dehors de cela, il était très paternel et à l’écoute avec chacun d’entre eux..

RAPHAEL Étude pour la Dispute du Saint Sacrement vingt clercs et ecclésiastiques discutant
« Étude pour la dispute du Saint Sacrement -Vingt clercs et ecclésiastiques  » RAPHAËL – (Faisant partie des collections du musée Condé/Chantilly)
RAPHAEL Deux enfants nus montés sur des sangliers et jouant à la lance en présence de six autres enfants nus
 »  Dessin Deux enfants nus montés sur des sangliers en présence d’autres enfants  » RAPHAËL (Faisant partie des collections du musée Condé/Chantilly)
RAPHAEL étude pour le Banquet des dieux aux noces d’Amour et de Psyché
 » Trois jeunes femmes drapées jetant des fleurs dans le banquet des Dieux / Noces d’Amour et Psyché – Étude pour les Heures – RAPHAËL (Collections du musée Condé/Chantilly)

Raphaël a été l’un des artistes le plus riche de son époque. Il a réellement vécu en prince. Il a été fidèle en amitié, a aimé les femmes et fut un grand humaniste. Il  a toujours eu une santé très fragile. Alors qu’il travaillait à son tableau La transfiguration, il va être pris d’une forte fièvre due à la malaria. Elle va durer une bonne quinzaine de jours avant qu’il ne décède. Il n’avait que 37 ans.

Son tombeau se trouve au Panthéon de Rome. Sur sa tombe sont gravés des mots  du poète Pietro Bembo : Ci-gît Raphaël, à sa vue la nature craignit d’être vaincue ; aujourd’hui qu’il est mort, elle craint de mourir.

Tomb of Raphael, Pantheon, Rome
Tombe de RAPHAËL au Panthéon de Rome

 

«  Quand Raphaël mourut, la peinture disparut avec lui. Quand il ferma les yeux elle devint aveugle. » Giorgio VASARI en 1550

 

 

 

Christian LOUBOUTIN : l’Exhibitioniste…

 

LOUBOUTIN EXPO

«  Exhibition(niste) est un titre qui m’est venu assez rapidement. C’est un jeu de mots entre exhibition en anglais qui signifie exposition et le fait de révéler une partie de soi aux autres. S’exhiber c’est se mettre à nu. Une exposition c’est s’exposer. Les deux sont donc assez proches, mais il y a une notion plus subversive dans le fait de s’exhiber qui me plait car en montrant mon travail je m’expose de manière plus intime. J’ai conçu cette exposition comme une célébration de mon travail à travers des artisans et des artistes avec qui je collabore ou que j’admire.Je l’ai imaginée comme un voyage au travers de mes inspirations, mes rencontres, mes passions, ce qui me permet aussi de sortir du propos d’une exposition qui serait alors purement une exposition de mode. Par ailleurs elle s’inscrit dans un lieu qui m’est cher, ce que j’ai pris en compte dès la conception du propos. » Christian LOUBOUTIN

LOUBOUTIN à la Porte dorée

Après avoir célébrer ses 20 ans de carrière au Design Museum de Londres en 2012, Christian Louboutin a choisi de s’exhiber, cette annéeau Palais de la Porte Dorée, près du bois de Vincennes , anciennement musée des Arts d’Afrique et d’Océanie (construit à l’occasion de l’Exposition coloniale internationale en 1931). On peut se demander pourquoi il a choisi ce lieu plutôt qu’un autre qui aurait été  plus axé sur la mode par exemple.

La raison est simple : ce Palais et l’aquarium tropical sont des endroits où il adorait se rendre lorsqu’il avait une douzaine d’années. Il se rappelle y avoir admiré, avec fascination,  l’architecture même de ce lieu,  mais également des bas-reliefs et fresques splendides, ainsi que des objets venus du monde entier . Sa passion des objets est restée, puisqu’il est un devenu un collectionneur avisé :  » je vis entouré d’objets du monde, ils me nourrissent, ils m’inspirent « .

De plus, il y avait à l’entrée un panneau signalétique  avec une chaussure (je devrai dire soulier parce que c’est le terme qu’il préfère … mais bon)  noire  barrée , signalant,  aux visiteuses,  l’interdiction de marcher avec des talons aiguilles, compte tenu du fait que les sols étaient très précieux et délicats . Ce panneau va considérablement le marquer et l’inspirer pour ses collections futures, notamment pour le premier modèle à semelle rouge : Pigalle .

panneau signalétique Louboutin

» Je me suis mis à dessiner à cause de ce panneau. Il est possible que d’une manière inconsciente l’interdiction a joué un rôle.. » C.L

LOUBOUTIN Modèle Maquereau
Soulier Maquereau – 1987 – Christian LOUBOUTIN ( En cuir métallisé, inspiré par les poissons de l’Aquarium tropical qu’il visitait souvent étant adolescent)

Sa marque  est connue dans le monde entier : 155 boutiques, 2000 personnes employées. On peut dire qu’il a vraiment réussi à s’imposer . Qui plus est réussir dans le luxe ! Ce qui est quand même assez rare. Louboutin est le seul fondateur et propriétaire de sa marque, mais c’est un  créatif avant toute chose. Certes, son travail consiste à imaginer et dessiner des souliers, mais cela ne s’arrête pas là. Il participe de façon très active à l’association des matières, des couleurs, des accessoires etc… et répond aux commandes extravagantes qu’il reçoit parfois de ses clients, hommes ou femmes.

Cela ne le dérange pas trop car il a une imagination fantaisiste un peu folle. Tous les témoignages le donnent comme une personne très généreuse, solaire, rêveuse,  juste, humaine, fidèle en amitié, très franc, un travailleur acharné hyper sensible qui ne se prend pas au sérieux tout en étant très rigoureux et méticuleux . Un passionné d’arts décoratifs, de cinéma, de voyages, de spectacle et de cinéma.

LOUBOUTIN Jackson tournée This Is It
Paire de souliers réalisée pour Michael JACKSON en vue de la tournée This is it / Christian LOUBOUTIN

A propos du cinéma, le 7e art, Disney l’a invité à collaborer avec eux pour réaliser le soulier Cendrillon, lors de la réédition du dessin animé en DVD (2012) ) – Ce sublime soulier avait été présenté durant la Fashion Week Haute couture. Il réunit le verre, le cristal  , le tulle et la dentelle et bien sur il a une semelle rouge. les papillons ( talon et sur le dessus)  symbolisent  une Cendrillon qui est une chrysalide mais deviendra papillon, plus une jeune fille mais pas encore totalement une femme. Il faut savoir que ce modèle a été commercialisé pour vingt paires uniquement.

LOUBOUTIN Cendrillon

L’expo s’intitule :  » Christian LOUBOUTIN – L’Exhibitioniste  » jusqu’au 26.7.2020  » – 

Elle vous plonge dans une atmosphère d’un rouge éclatant, référence aux célèbres semelles. C’est clinquant mais raffiné.  Il faut savoir que le rouge pour lui ce n’est pas une simple couleur, c’est l’intensité, la profondeur, la féminité, la sensualité. Cette couleur est devenue une icône !

 

On traverse différents espaces où se déroule sa vie, sa carrière, ses créations. C’est vraiment une ôde au soulier, quel qu’il soit : pour une tenue de ville, du soir, plus décontractée, à clous , à strass, à paillettes, à pointes, à plumes, à  boutons, à  cristaux, avec des gemmes et minéraux multicolores, un laçage en forme de corset, des lettres, des symboles, ou bien encore brodé de fils d’or, d’argent, de soie colorée ( se référant dans ce dernier cas à des techniques venues de l’Inde  )  etc … il y en a de toutes sortes , pour tous les goûts, mais certes pas pour toutes les bourses  ! C’est l’aboutissement, l’accomplissement, d’un long travail . Ce créateur  a complètement bouleversé les codes de la chaussure et en a fait une sorte d’objet-fantasme.

Christian Louboutin n’est pas venu seul dans cette expo. En effet, il a tenu a ce que toutes celles et ceux, artistes, artisans, créateurs qu’il apprécie, qui ont travaillé avec lui à un moment donné de sa carrière, ou d’autres qui l’ont influencé, soient présents au travers de la conception des décors, de la mise en scène et de leurs propres œuvres. Tout cela s’unit à la présentation de ses incroyables souliers.

La Maison du Vitrail  a réalisé les huit vitraux de l’expo :

LOUBOUTIN Vitrail artisanat
Vitrail  «  L’artisanat  »  sur lequel on peut voir la bottine Bottinos au milieu d’une forme, ciseaux, machine à coudre, mètre etc… / MAISON DU VITRAIL  à Paris pour Christian LOUBOUTIN
LOUBOUTIN Vitrail
Vitrail  » La Parisienne  » sur lequel on peut voir la cuissarde Ronfifi Supra / MAISON DU VITRAIL  à Paris pour Christian LOUBOUTIN
LOUBOUTIN vitrail ballerina
Vitrail «  La Sexualité  » sur lequel on peut voir le modèle Ballerina Ultima né de sa création avec David Lynch en 2007 / MAISON DU VITRAIL  à Paris pour Christian LOUBOUTIN

» Chaque panneau a fait l’objet d’une mise au point minutieuse. Christian Louboutin nous a fait confiance et nous a laissé la liberté de traduire son imaginaire grâce à une technique très complexe. Peinture en verre, émaillage, grisaille .. Certains vitraux ont nécessité jusqu’à dix cuissons pour obtenir l’effet voulu. Pour exprimer le détail et la finesse qui caractérisent les souliers Louboutin, nous avons utilisé de minuscules pièces de verre d’à peine 2 millimètres de largeur, dont certaines proviennent de nos collections datant du XIXe siècle. Christian Louboutin est passionnant, extrêmement ouvert et très à l’écoute. C’est un artiste qui nous emmène sur des chemins que l’on aurait pas forcément empruntés. Grâce à lui on innove, on se dépasse, on repense à la technique pour traduire toutes les subtilités. Nous ne sommes pas dans l’exécution pure. On travaille main dans la main.  » Emmanuelle ANDRIEUX ( Maitre-verrier et cheffe de projet à la Maison du Vitrail)  – Il y a huit vitraux dans l’expo, un titre pour chacun : Le spectacle – La parisienne – La sexualité – L’artisanat – L’art – L’innovation – Le voyage – La couture.

La salle des vitraux est le point de départ des autres salles à commencer par celle qui permet de mieux comprendre ce que furent ses premières années, lorsque la semelle rouge n’avait pas encore fait son apparition. On peut y admirer environ une centaine de modèles, de très nombreux croquis. Parmi eux, le modèle Love Shoe : il lui fut inspiré par la princesse Diana. Il trouvait qu’elle avait l’air triste et mélancolique, assise durant des discours et il s’est mis à penser qu’avec cette paire de petits souliers, où il est écrit Love, elle aurait souri …

LOUBOUTIN Love shoes
Modèle Love Shoe ( Collection 1991/92 ) -Christian LOUBOUTIN

Dans la salle dite Des Trésors se trouve un sublime palanquin d’argent réalisé par les artisans de l’Orfèvrerie Villareal de Séville d’une très grande richesse, avec des somptueuses broderies,  qui sont l’œuvre de l’atelier du créateur de mode indien Sabyasachi Mukerjee à Calcutta. Tout autour il y a des créations emblématiques et éclectiques de Louboutin, avec, au  centre du palanquin, l’incroyable chaussure  dite  de cristal, réalisée en fait  dans un bloc de plexiglas. C’est assez beau notamment en raison du fait que les lumières jouent avec cette impression de cristal.

«  J’adore les processions mais j’ai enlevé tout ce qui était religieux. Le dais protège ce soulier de cristal inachevé dont le talon et la pointe commencent à émerger. Années après années, il y a une forme de dévotion, de folie autour du soulier, comme un culte païen  » C.L.

LOUBOUTIN palanquin d'argent Orfebreria Villareal de Séville
Palanquin d’argent réalisé par les artisans de l’ORFÉVRERIE VILLAREAL à SÉVILLE pour Christian LOUBOUTIN – Les broderies sont de l’atelier du créateur indien Sabyasachi MUKERJEE

Dans celle dite des Nudes se trouvent les sculptures en cuir réalisées par les designers londoniens Patrick  Whitaker et Keir Malen, dans les neuf tons de la gamme Les Nudes (souliers couleur chair qui ont  révolutionné la mode de la chaussure ) ….

LOUBOUTIN sculptues Patrick Whitaker et Keir Malem
Sculptures en cuir réalisées par Patrick WITAKER & Keir MALEN pour Christian LOUBOUTIN – Elles épouses les neuf tons de l’actuelle gamme des Nudes.
LOUBOUTIN Degrastrass
 » Les Nudes  » ( Collection 2012 – Elle se déclinait, au départ, en cinq tons. Désormais la gamme compte neuf teintes )

L.Atelier  nous permet de voir les différentes étapes de la fabrication d’une paire de chaussures avec tous les outils et objets qui sont utiles pour ce travail :

LOUBOUTIN Atelier

Il y a aussi la salle du  Théâtre Bhoutanais, complètement revisité par Louboutin  avec des colonnes de bois (  ce pavillon a été construit à Thimphon capitale de cet état)  pour rappeler  sa passion de ce royaume au sud est de l’Asie,  son amitié avec le couple royal, mais également son engagement de créateur pour le monde du spectacle, du cabaret, du cirque, du sport – On peut y voir Dita Von Teese qui s’effeuille  en hologramme et des souliers ayant été commandés par des stars, notamment Michael Jackson )

LOUBOUTIN Colonnes du théâtre Bhoutan
Colonne du Théâtre Bhoutannais

En parlant du Bhoutan, ce  petit  pays, entre l’Inde et la Chine, qu’il a découvert il y a une dizaine d’années et qui l’a complètement fasciné, Louboutin s’est porté acquéreur, lors d’une vente aux enchères en 2019 à Mâcon , du Pavillon du Bhoutan qui avait été construit pour l’Exposition universelle de Hanovre en 2000 . Il l’a acquis pour 188.000 euros. Ce temple avait été acheté, à l’origine, après la manifestation, par le Conseil départemental de la Saône et Loire avec le projet de le placer auprès du temple des Mille Bouddhas dans le village de La Boulaye . Mais c’était un projet fort coûteux qui, par conséquent, ne verra pas le jour. D’où sa mise aux enchères l’an dernier. Nul ne sait, à ce jour, ce qu’il compte en faire.

Dans une autre salle , intitulée Biographie, une grande fresque digitale signée  par l’artiste néozélandaise Lisa Reithana évoque la vie de Louboutin ou tout au moins les moments important de sa vie et de sa carrière …. Le Pop corridor, très rouge ,  quant à lui, est une évocation de l’engouement des stars pour les chaussures Louboutin, la place qu’elles occupent dans la culture populaire….  // Et la salle Fetish,rappelle la  collaboration de Louboutin avec le photographe et cinéaste David Lynch. On peut y voir des clichés de femmes nues avec des chaussures  du créateur qu’il est impossible de porter dans la vie réelle, mais qui sont exposées dans ces photos comme des œuvres d’art.

LOUBOUTIN Pensées Andy WARHOL 2
Souliers de la collection Pensée ( 1992/93 ) – En satin de soie, la collection a été inspirée par le travail de Andy WARHOL et celui de Allen JONES – Christian LOUBOUTIN
LYNCH LOUBOUTIN 2
Collaboration Photos/Souliers David LYNCH & Christian LOUBOUTIN

Sans oublier  le charmant Salon de la grand-mère anglaise. Les souliers sont exposés telles des œuvres d’art fétichistes  sur les meubles , dans l’horloge ou dans des vases, avec une tapisserie aux murs et une moquette au sol qui présentent des motifs auxquels on ne s’attend pas ( érotiques )

LOUBOUTIN Salon grand-mère
Salon grand-mère

Lorsque l’on fait référence à ce créateur à pense tout de suite à cet escarpin très féminin, à semelle rouge, monté sur un talon incroyablement haut ( environ 10 à 12 cms, voire 16 cms  ), qui vous coûtera dans les 500 euros environ ( ou ++++ tout dépend du modèle ) , avec laquelle (à mon humble avis ) il est difficile de marcher parce que le pied est beaucoup sur les pointes ;  ne parlons pas de courir éventuellement  : c’est impossible.

Est-ce  confortable ? Les adeptes vous diront que oui … Louboutin ajoutera qu’il ne recherche pas le confort, mais la liberté !  Quant à la hauteur du talon il en est fan  » parce qu’elles font basculer le centre de gravité et qu’immédiatement la femme se cambre. Je ne trouve rien de plus irrésistible que lorsque le muscle se crispe au niveau du mollet, ça le panache d’un muscle de cheval  » … Irrésistible à voir j’en conviens. Après que cela le soit si on a des crampes ou un mal de dos en les portant … J’en suis pas très convaincue   ! A noter toutefois que certaines de ses créations sont tellement vertigineuses qu’elles ne peuvent se porter que si ces dames sont  assises ou couchées. L’intérêt, dans ce cas, reste que la paire   est alors à considérer comme  un objet de collection, une œuvre d’art vous diront certains..

» Le rapport au talon est déjà un rapport musical, c’est un son. Le talon, ce sont des sons à partir desquels on voit beaucoup de choses : des hésitations, des décisions. Je viens plutôt de l’univers de la danse : le flamenco, sans le bruit du talon, ça n’existerait pas  » C.L.

Pourquoi cette chaussure censée être un symbole de la féminité et du chic glamour, a t-elle une semelle rouge ? L’idée a vu le jour en 1992 de façon assez inattendue : il travaillait su certains modèles et il trouvait qu’il leur manquait quelque chose.  Trop de noir certainement. Dans un coin de la pièce, son assistante est en train de se faire les ongles. Il prend le vernis rouge et peint la semelle d’une chaussure. Le  résultat l’a complètement enthousiasmé, ce fut comme une révélation  . A partir de là, les semelles des chaussures de sa marque, furent colorées en rouge. Cela les rendra iconiques, inimitables.

 » Cela commence pratiquement toujours par un dessin. Ensuite, seulement, je procède à des adaptations. Par exemple, je veux rajouter un ornement sur la Pigalle, je le pose directement sur l’escarpin existant. Je n’utilise que des feuilles A4 et des crayons HB. Lorsque je suis content des traits, je passe au 2B ou au 3B, puis au 6B pour épaissir les lignes : j’ai toute la série Pour les couleurs, j’utilise des feutres Pantone, jamais de crayons, parce qu’on peut mélanger les couleurs. Et puis il y a aussi les feutres Sharpie, que j’utilise pour signer les semelles.  » C.L.

LOUBOUTIN modèle Pigalle
Modèle Pigalle

Christian Louboutin est né en 1964 à Paris. Seul garçon au milieu de trois sœurs aînées. Son papa est ébéniste. Il s’est longtemps demandé pourquoi elles étaient aussi blondes et claires de peau que lui était aussi basané. Il se croyait adopté, mais il finira par apprendre ( très récemment ) qu’il était le fils d’un égyptien, un homme que sa maman avait aimé. Elle a choisi de rester avec son mari, et Louboutin dit souvent que son père  ne lui a jamais fait sentir qu’il n’était pas son fils. Il en parle avec beaucoup d’émotion, en affirmant combien il se rend compte que cet artisan  a eu d’influence et importance dans son travail et son amour des objets.

Enfant solitaire, chouchou de ses sœurs et de sa maman,  plutôt médiocre à l’école, c’est un adolescent rêveur qui aime passer son temps dans les musées, plus particulièrement celui de la Porte Dorée qui a l’avantage d’être situé non loin de chez lui. Il aime les voyages et sera amené à en faire quelques-uns d’où il ramène très souvent des objets.

Assez mature pour son âge, il a la totale confiance de sa mère qui le laisse sortir le soir trois fois par semaine . Il aime fréquenter les salles de spectacle, les cinémas,  les établissements à la mode comme le Palace où il croise des personnalités en vogue à l’époque. Il travaillera un temps aux Folies Bergères, assistant des girls à qui il aime créer des souliers.

LOUBOUTIN à 14 ans
Christian LOUBOUTIN à 14 ans

Il se prend de passion pour le dessin, particulièrement des chaussures . Il décide de contacter des maisons de Haute Couture pour pouvoir créer des souliers de marque. Absolument sur de lui, il contacte la Maison Dior où il réussit à obtenir un rendez-vous avec Hélène de Montemart , directrice de la mode, qui, séduite, l’envoie faire un stage chez Charles Jourdan à Romans dans l’Isère. Une expérience dont il ne garde pas un très bon souvenir car il fut très mal accepté. Il devient, par la suite, designer chez Chanel et Yves Saint Laurent.

Quelques années plus tard, il fait une rencontre très intéressante : celle avec Roger Vivier, un très réputé créateur de chaussures de luxe qui a travaillé avec des grandes Maisons de couture, notamment Dior, surnommé le Fragonnard de la chaussure. Il est l’inventeur du talon aiguille. Vivier va faire de Louboutin son assistant. Il lui apprendra les formes et va parfaire sa connaissance dans le domaine des souliers, et organise avec lui sa grande rétrospective au musée des Arts Décoratifs de Paris.

Roger VIVIER
Roger VIVIER – Christian LOUBOUTIN dira de lui :  » Il est devenu mon mentor. Il représentait l’incarnation du parisien élégant, distingué et courtois. « 

Après un certain temps passé à penser qu’il pourrait être peintre paysagiste, l’opportunité d’ouvrir sa propre Maison se présente à lui. Il s’installe rue Jean-Jacques Rousseau, pas très loin du musée du Louvre. Nous sommes en 1991. Un an plus tard, naissance de la semelle rouge.

A partir de là, il voit venir des clientes très importantes. Une des premières sera la princesse Caroline de Monaco. Dans les années 2000, il signera les chaussures du dernier défilé de Yves Saint Laurent. C’est la première fois qu’un chausseur est associé à un nom de la Haute Couture pour un défilé. Dix ans plus tard, un procès opposera Louboutin à Saint Laurent : le premier poursuit  le second pour «  violation de marque commerciale et concurrence déloyale » . Saint Laurent, en effet, avait produit des chaussures avec une semelle rouge, sans l’accord préalable de Louboutin, ce qui lui était  interdit, compte tenu du fait que la marque (et particulièrement ce détail – semelle rouge) était protégé par un brevet.

A noter qu’en 2018, la Cour de Justice de l’Union européenne a rendu un arrêt afin d’assurer la protection de  l’usage de la semelle rouge comme signature et copyright.

Louboutin ce sont aussi des chaussures pour hommes ( mocassins, Richelieu, espadrilles, sandales etc… ) des sacs, des parfums et des produits de beauté, notamment des vernis à ongles et des rouges à lèvres dans des étuis ou flacons superbes (gammes lancées en 2014)

LOUBOUTIN rouge à lèvres
Rouge Velvet Matte Lip Colour / Christian LOUBOUTIN

 

A la question : «  quelle est la création dont vous êtes le plus fier ? , il répond sans hésitation :  » quand on est père, et c’est mon cas, la création dont on est le plus fier ce sont bien évidemment ses enfants.  » – Peu d’informations circulent au sujet de ses enfants ou de sa vie privée.  On sait juste qu’il a eu une relation de longue date avec le jardinier- paysagiste Louis  Benech dont il est séparé désormais , et qu’il est papa deux petites filles.

Quelques autres modèles  de l’expo ….

pluminette louboutin
Modèle de la collection La Pluminette ( 1995 ) : C’est à la fois la passion du créateur pour les oiseaux et le music-hall :  » J’aime la légèreté des oiseaux, leur panache, leurs couleurs, leur don de transformation. Leurs plumes peuvent changer de couleur, prendre du volume. C’est cette même idée de métamorphose que j’aime chez les girls du music-hall  » / Christian LOUBOUTIN
LOUBOUTIN Let me tell you 2
Modèle Let me tell you ( collection 2010 )  – On peut le trouver en blanc également. Il représente la fascination de Louboutin pour les lettres de l’alphabet , mais aussi les symboles.  » J’aime les messages secrets, le surréalisme, tout ce qui est caché, les motifs à double sens, les jeux de mots, les jeux pour les yeux  » / Christian LOUBOUTIN
LOUBOUTIN Tromploia 1
Modèle «  Tromploia  »  à plateforme compensée, cuir noir et daim rouge. Il est fortement déconseillé de courir avec ce soulier !  –  (Collection 2017 ) – Christian LOUBOUTIN

COUTURIERS DE LA DANSE – De Chanel à Versace …

TUTUS Couturiers de la danse

«  La danse et la mode ont une réelle cause commune : leur matière première est le corps » …  » Trouver un titre à une exposition est toujours une gageure. Il s’agit de dévoiler sans prendre des chemins de traverses. Le titre doit résumer l’esprit de l’exposition. Celui-ci met à égalité la couture et la danse, les présente main das la main.  »  Philippe NOISETTE

Le centre national du costume de scène de Moulins est un musée inauguré en 2006, où sont conservés de merveilleux costumes issus du théâtre, de l’opéra et de la danse. Un espace d’exposition permanente imaginé par Ezio Frigerio et Giuliano Spinelli  est dédié à Rudolf Noureev. On peut entrer dans l’univers de ce merveilleux danseur, au travers de différentes pièces qui lui sont personnelles : tutus, costumes, tableaux, sculptures, meubles objets etc… Si l’occasion se présente à vous, n’hésitez pas à vous rendre dans ce musée !

Actuellement et   jusqu’au 3 mai 2020 , il présente une très originale, riche  et belle exposition qui s’intitule :  « COUTURIERS DE LA DANSE – De Chanel à Versace  »  –  Un parcours thématique au travers de 120 costumes environ ( dans des vitrines-écrins répartis en 13 salles), dont certains n’ont jamais été montrés en France, du XIXe siècle à nos jours,  signés par des grands couturiers et créateurs :  Jean-Paul Gaultier, Gianni Versace, Viktor et Rolf, Adeline André , Maria Grazia Chiuri  (Dior) , Coco Chanel (une des premières à l’avoir fait avec les Ballets Russes) , Karl Lagerfeld, Olivier Rousteing (Balmain), Christian Lacroix, Iris Van Herpen, Yves Saint Laurent, Issey Miyaké, Riccardo Tisci (Givenchy) … J’en oublie certainement !

A une certaine époque, la danse ( particulièrement avec Les Ballets Russes de Diaghilev) a permis de faire collaborer ensemble  peintres, musiciens, écrivains, plasticiens, décorateurs et couturiers. Très habillée par le passé, elle a été déshabillée. Elle  s’est libérée de certains carcans et a permis aux danseurs et danseuses de découvrir des sensations plus fortes dans leurs mouvements. Les créateurs de costumes et les couturiers se sont très souvent montrés révolutionnaires dans ce domaine surtout à partir du XIXe siècle, inventifs, voire même quelque peu futuristes . Le tutu classique s’est vu complètement mis de côté pour faire place, parfois,  à des tenues  assez incroyablement délirantes et que l’on aurait jamais imaginer en danse.

TUTU Viktor et Rolf
Tutu de VIKTOR & ROLF pour la chorégraphie SHAPE de Jorma ELO / Prêt du Dutch National Ballet d’Amsterdam )  – Cette photo illustre l’affiche de l’expo.
TUTU Hiatus ballets de Monte-Carlo
Costume de Sylvie SKINAZI  pour  Hiatus  de Lionel HOCHE ( prêt des  Ballets de Monte-Carlo)
TUTU Rythme de valse opéra de Paris
Costume de Hervé L.LEROUX pour Rythme de valses de Roland PETIT ( Collection du Centre National du Costume de Scène)

L’univers de la mode est différent celui de la scène. Il n’est pas si facile de réaliser des costumes pour la danse, tout simplement parce qu’il faut avoir en tête que cette pièce va être utilisée par un corps qui bouge beaucoup, donc de nombreux paramètres sont à prendre en compte comme par exemple  le choix du tissu , très important parce qu’ il faut qu’il soit à la fois résistant, pas très lourd, plutôt fluide, afin de permettre une grande liberté de mouvements et que le danseur ou la danseuse qui va le porter ne se blesse pas avec une ornementation mise sur le tissu pour le mettre encore plus en valeur.

Il y a une sorte d’osmose entre le costumier ( qu’il soit grand couturier ou non ) et le chorégraphe compte tenu que  leur collaboration est celle de deux créatifs qui mettent leurs idées en commun. C’est justement ces incroyables et merveilleuses collaborations-partages  qui sont au centre de cette exposition.

Il m’a semblé intéressant de revenir un peu en arrière : d’abord avec le terme : Tutu un merveilleux petit mot qui rentrera en usage vers 1881. On attribue l’origine de son nom  au tulle ( tissu  ). Avant cette date on parlait davantage d’un habit ou costume de danse(cette dernière appellation revient souvent de nos jours d’ailleurs)

Autrefois, la coutume voulait que le corps de ballet porte un tutu en tulle de coton et que celui des étoiles soit en tulle de soie. De nos jours, c’est mousseline pour le corps de ballet et organza pour les étoiles .Lorsque Serge Lifar prit le poste de directeur à l’Opéra de Paris, il va décider que le tutu ne serait plus porté par les élèves de l’école de danse. La réforme est passée en 1930 et depuis, le tutu est uniquement porté sur scène.

La danse classique a commencé sous le règne de Louis XIV qui, comme chacun le sait, avait une réelle passion pour la danse. Non seulement il l’aimait mais lui-même fut un excellent danseur. Lorsque le ballet ne représentait qu’un passe-temps à la Cour de Versailles, une façon de paraître, celles et ceux qui y participaient  (y compris sa Majesté  arboraient des vêtements certes somptueux, mais dans, bien des cas, pesants et encombrants.

Après la création de l’Académie Royale de musique, on verra apparaître les premières danseuses. Elles se présentaient engoncées dans ce que l’on pourrait appeler costumes, mais qui ressemblaient à des robes de bal, pesantes, ornées de broderies, avec un bustier, des manches ballonnées, cintrées à la taille, montées sur un jupon-panier et descendant jusqu’aux pieds. Cela ressemblait beaucoup plus à une robe portée pour un dîner ou un bal qu’un costume pour aller danser sur scène.

Fort heureusement, le temps allégera les choses par l’arrivée de tissus plus légers comme la soie, la mousseline qui vont donner un aspect plus fluide aux costumes … Le temps oui, mais les audaces des danseuses aussi, lesquelles seront d’une telle ampleur parfois que le règlement finira par rendre obligatoire le «  caleçon de la modestie «  en coton ou en soie, tenu par des jarretières et qui était accroché à un petit pantalon. En résumé, c’était, en quelque sorte, l’ancêtre de ce que nous appelons de nous jours le collant académique.

Comment oublier en effet Marie-Anne Cupis  de Camargo, dite la Camargo, brillante, musicale, audacieuse danseuse réputée pour exécuter à la perfection des figures typiquement réservées aux hommes, et qui fera scandale en 1730 en décidant de son propre chef de couper sa robe de danse, dévoilant ainsi ses chevilles et presque ses mollets, afin d’acquérir plus de liberté dans ses mouvements … Ou sa rivale Marie Sallé, dite la Vestale, qui , quatre ans plus tard, abandonnera perruque et jupon-panier réglementaires pour revêtir une robe de mousseline et danser cheveux défaits dans le ballet Pygmalion …  La talentueuse technicienne aérienne, virtuose de la danse : Marie Taglioni, quant à elle,  première à danser sur pointes,  apparaîtra  sur scène vêtue d’un costume blanc, avec corsage ajusté, jupe très légère en mousseline, ornementé de petites ailes dans le dos, pour représenter le côté pur, gracieux et virginal de son rôle dans le ballet de son père la Sylphide … Sans oublier l’incroyable Pierina Legnani qui va déclencher  un scandale au théâtre du Mariinsky, refusant catégoriquement de porter un tutu traditionnel sous prétexte qu’il s’agissait pour elle  d’un costume de grand-mère ! Elle obtiendra gain de cause d’ailleurs.

TUTU Marie Taglioni dans la Sylphide
Marie TAGLIONI dans le ballet La Sylphide ( costume de Eugène LAMI

Au XIXe siècle , une autre danseuse pendra des initiatives. Loïe Fuller. Engagée à New York dans une pièce (Quack Medical Doctor), c’est elle qui créera son costume avec un tissu en soie qui lui avait été offert par des officiers anglais. Elle s’en est expliquée dans son livre Quinze ans de ma vie  » Ma robe, qui allait devenir la robe du triomphe, était trop longue d’un demi-mètre au moins. Je relevai alors la ceinture et me confectionnai ainsi une sorte de robe empire en épinglant la jupe à un corsage décolleté. La robe devenait très originale, un peu ridicule même mais c’était tout à fait ce qui convenait pour la scène d’hypnose que je devait jouer et que nous ne prenions pas au sérieux. » Elle va être comparée à un papillon, puis à une fleur, un esprit qui vole. De là naîtra sa Danse Serpentine avec laquelle elle fera un triomphe avec elle aux Folies Bergères de Paris deux ans plus tard.

Loïe FULLER danse serpentine
Loïe FULLER et sa Danse Serpentine

Le tutu n’a pas été qu’un uniforme strict conçu pour la danse. Certes il est le symbole de la danseuse classique, mais il a su évoluer. Il a eu plusieurs vies. Au fur et à mesure du temps, des danseuses, des chorégraphes ( bien souvent à leur demande d’ailleurs) le tutu a été revu, corrigé, allégé, raccourci et monté haut sur la hanche,  dit à plateau, à cerclette, galette, à houpette. Pas spécialement blanc, coloré, passementé , pailleté, ornementé, stylisé, en formes diverses. Le jupon, par contre, ne doit pas être épais, plutôt léger ( gaze, organdi, voile, tulle, mousseline, tarlatane). Délaissé par les chorégraphes contemporains, il est réapparu chez d’autres, comme jadis, avec des volants cousus sur la culotte ( une trousse ).

Nikolaï KRUSSER
Photo Nikolaï KRUSSER

La danse raconte quasiment l’histoire du costume. Elle suit les époques et évolue. Elle se drape, se plisse, se dénude aussi, épouse le corset, les crinolines, les jupes courtes bouffantes. Le costume masculin, en revanche, n’aura pas autant de reconnaissance.Ils  furent longtemps inspirés par les costumes militaires , puis par ceux des sportifs. Ce n’est pas évident pour les couturiers de créer un costume de danse pour un homme, Dans cet exercice Yves  Saint Laurent va exceller avec Notre- Dame de Paris de Roland Petit. Il créera des sortes de pourpoints très colorés. St Laurent dira qu’il s’est inspiré du peintre Mondrian pour les couleurs.

NOTRE DAME DE PARIS Yves Saint Laurent
Costumes  » LA FOULE  » ( Acte I )  – Création Yves SAINT LAURENT –  » Lorsque nous avons travaillé, Roland Petit et moi, sur Notre-Dame de Paris, nous n’imaginions pas que trente ans plus tard ce ballet serait encore à l’affiche de l’Opéra de Paris. Dès sa création, ce fut un succès, aujourd’hui c’est un classique. Classique de la modernité, de l’invention, de l’imagination. J’ai voulu que les costumes soient colorés comme les vitraux d’une cathédrale et j’ai emprunté à Mondrian le costume de Phœbus. J’ai essayé d’accompagné la jeunesse intemporelle de la chorégraphie. Celle des variations d’Esméralda, des pas de deux, des pas de trois. Les juges du tribunal, les mouvements louches de la cour des Miracles, le trouble de Frollo et la tendresse si émouvante de Quasimodo m’ont inspiré comme une fresque du Moyen-Âge  » expliquera Yves SAINT LAURENT en 1966

 

Dans l’expo de ce jour il y a quelque chose qui revient souvent, une question que l’on peut être amené à se poser. La danse est un art, certes, mais la couture en est-elle un ?  A mes yeux, la haute-couture est un art et toutes celles et ceux qui s’y emploient des couturières, aux brodeuses, en passant par celui qui en est le créateur, sont des artistes. Associer des couturiers et la mode à la danse, eh bien c’est apporter un plus de beauté  à chacune de ces deux disciplines, et parfois une touche d’originalité surprenante.

Avec la danse, les couturiers vont pouvoir expérimenter, innover, imaginer mais aussi aller à  la rencontre de difficultés aussi parce que comme je l’ai dit plus haut, il faut utiliser des tissus et matériaux, bien souvent différents de ceux des vêtements qu’ils destinent aux mannequins pour les défilés. La danse c’est le mouvement. Créer un costume de danse, c’est penser à tout ce qu’il va exprimer de créatif au travers de la chorégraphie et de la musique. Ce peut être poétique et l’être moins aussi. La matière des costumes de danse a son importance parce qu’elle est liée au mouvement. Elle s’est adaptée aux fantaisies et évolutions de la mode

Promenons-nous dans ces espaces et partons à la rencontre de quelques  couturiers, stylistes, et autres artistes  qui ont travaillé pour la danse : Sonia DELAUNAY  : Certaine que l’art ne pouvait se renouveler qu’en abordant différentes autres formes que la peinture, en abolissant la hiérarchie existante entre arts mineurs et majeures, elle va s’intéresser à la décoration, à la mode, et la danse en travaillant dans ce domaine avec son mari Robert qui signera de nombreux décors de ballets. En 1921, leur appartement à Paris servira non seulement d’atelier mais de salon de couture. On retient notamment la participation du couple dans le ballet de Mikhail Fokine pour les Ballets Russes : Cléopâtre.

DELAUNAY Sonia
Sonia DELAUNAY
TUTU Sonia DELAUNAY
Costume de Sonia DELAUNAY pour le ballet Cléopâtre de Mikhail FOKINE

Il faut savoir que les Ballets Russes ont véritablement révolutionné l’esthétique de la danse, en mêlant  peinture, musique, arts plastiques et danse, donnant ainsi naissance à ce que l’on a appelé un art total.

Gabrielle  CHANEL : bien avant qu’elle ne soit la très célèbre Coco, elle travaillait déjà dans le monde de la couture et de la mode avec audace et brio . Elle va collaborer; dès 1922 ,  avec les Ballets Russes pour la réalisation de costumes destinés à la danse, avec à ses côtés des compositeurs et peintres célèbres comme Picasso par exemple. C’est elle qui créera les costumes de  l’audacieux ballet célébrant le sport et les bains de mer  :  Le Train bleu  chorégraphié par   Bronislava Nijinska (sœur du danseur Nijinski) pour lequel elle utilisera une matière qu’elle appréciait pour sa souplesse et sa légèreté : le jersey. Elle innove avec des mini-shorts, des marcels, des maillots de bain, des tenues de sport  (notamment pour le golf )  et des collants, prévoyant avant tout le confort des danseurs.  très souple comme le jersey.

 » La mode n’existe pas seulement dans les robes ; la mode est dans l’air, c’est le vent qui l’apporte, on la pressent, on la respire, elle est au ciel et sur le macadam, elle tient aux idées, aux mœurs, aux événements. » C.C

Cocteau et les danseurs du Train Bleu costumes Coco Chanel
Jean Cocteau entouré par les danseurs du Train Bleu / Costumes Coco CHANEL – Chorégraphie Bronislava NIJINSKA

Jean-Paul GAULTIER : Pas vraiment passionné par la danse au départ, surtout classique, mais qui commencera à s’y intéresser lorsque Régine Chopinot, chorégraphe contemporaine, va l’approcher pour qu’il signe des costumes de danse. Il va y prendre goût, beaucoup même, et signera pour d’autres ballets notamment ceux de Angelin Preljocaj. Alors bien sur, on connaît les extravagances de Gaultier ! Elles ont été de mise dans les costumes insolents  qu’il a créés pour la danse. Il s’est joué du tutu et l’a réinventé, l’a voulu plus fantaisiste, asexué.

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PRELJOCAJ Blanche Neige
Costume Jean-Paul GAULTIER pour le ballet  Blanche Neige de Angelin PRELJOCAJ  ( –

Gaultier  amènera sa marinière à la danse «  les pulls marins vont avec tout, ne se démodent pas et ne se démoderont probablement jamais » J.P.G

marinière GAULTIER pour le ballet Ana
Marinières GAULTIER pour le ballet Ana de Régine CHOPINOT (Collection du Centre National du Costume de Scène )

 

Si il y a eu, en effet, une collaboration forte entre un chorégraphe et un couturier, ce fut celle de Maurice BÉJART  et Gianni VERSACE.  »  Un jour on m’a fait savoir qu’il y avait à la Scala un jeune designer très doué qui dessinait pour la danse et l’opéra et que je devais rencontrer. C’était Gianni Versace  » …. De leur union artistique naîtrons douze ballets,  une grande complicité et une forte amitié. Comme il l expliquera souvent, Béjart a permis à Versace d’aller encore plus loin dans ses inspirations pour les costumes.Le couturier a réellement fait corps avec la danse, allant même jusqu’à avoir un atelier sur scène, coupant, cousant quasiment en direct.

TUTU Versace 1989 pour ELEGIE de Béjart
Costume Gianni VERSACE pour Élégie pour elle, L..., aile de Maurice BÉJART (Prêt du Béjart Ballet Lausanne)
TUTU Versace pour Béjart dans Patrice Chéreau devenu danseur
Costume de Gianni VERSACE pour Patrice Chéreau devenu danseur de Maurice BÉJART (Prêt du Béjart Ballet Lausanne)
TUTU 1993 détail Versace pour Sissi de Béjart
Détail costume Gianni VERSACE pour Sissi de Maurice BÉJART (Prêt du Béjart Ballet Lausanne)

Christian LACROIX : «  J’aime les choses insensées. Le tutu en est une . C’est une invention folle à la fois féérique et surréaliste, mais le tutu appartient à la tradition et c’est là qu’il prend toute sa dimension, tout son intérêt.Aucun designer, aucun couturier ne pourra jamais rivaliser avec un vêtement pareil. Le tutu n’est pas né d’hier. »

Ce couturier a véritablement excellé dans la création de costumes pour la danse. Il a toujours eu un profond respect pour le tutu, son histoire. Ses créations dans ce domaine sont magnifiques, utilisant des belles matières : tulle, satin, dentelle, soie, taffetas, organza. Les couleurs sont  splendides et jouent entre elles. Il y a beaucoup d’élégance et de raffinement. Son travail se base souvent sur l’esprit de ce qui se faisait autrefois.

Il a réalisé de très nombreux costumes, collaboré a plus de 25 productions que ce soit pour l’opéra, la danse ou le théâtre. Ci-dessous les tutus confectionnés pour Les Anges ternis de Mikhail BARYSNIKOV.

 

CHRISTIAN LACROIX les anges ternis 2
Tutu de Christian LACROIX pour le  ballet Les Anges Ternis de Karole ARMITAGE (Collection de l’Opéra de Paris)

 

 

Iris VAN HERPEN : créatrice néerlandaise, la première à utiliser une imprimante 3D et découpe au laser pour la haute couture . Van Herpen a fait de la danse dans sa jeunesse et elle est retournée vers cet art en travaillant pour des costumes demandés par l’Opéra de Paris, le New York City ballet, la Compagnie Sasha Waltz et autres … Dans ce genre de réalisations, elle utilise des textures peu utilisées pour des costumes de danse comme le coton, métal et le cuir. Son travail dans ce domaine comme dans ce qu’elle propose pour la mode est à la fois étrange et fascinant

TUTU Iris Van Herpen
Tutu  Iris VAN HERPEN pour Clear Loud Bright Forward de Benjamin MILLEPIED( Prêt de l’Opéra de Paris )

 

Je vous invite à admirer d’autres costumes présents dans l’expo :

TUTU Lagerfeld Brahms
Costume de Karl LAGERFELD pour Brahms-Schönberg Quartet de George BALANCHINE ( Prêt de l’Opéra de Paris )
TUTU Olivier Rousteing Renaissance
Costume d’Olivier ROUSTEING ( Maison BALMAIN ) pour le ballet Renaissance de Sébastien BERTAUD ( prêt de l’Opéra de Paris)
TUTU Nuit blanche
Costume de Maria Grazia CHIURI ( Maison DIOR ) pour  Nuit Blanche de Sébastien BERTAUD ( Prêt de l’Opéra de Rome )
TUTU Costume Miyaké pour Forsythe
Costume de Issey MIYAKE  pour The Loss of Small de William FORSYTHE (Prêt Forsythe Productions)

 

 

 

 

HOKUSAI-HIROSHIGE-UTAMARO … Les grands maîtres du Japon / Collection Georges LESKOWICZ

AIX CAUMONT AFFICHE

« Les surimonos, les impressions moelleuses où la couleur et le dessin semblent tendrement bus par la soie du papier japonais et qui sont ces images à la tonalité si joliment adoucie, si artistiquement perdue, si délavée de colorations pareilles aux nuages à peine teintés, que fait le barbotage d’un pinceau chargé de couleur dans l’eau d’un verre, ces images, qui par le soyeux du papier, la qualité des couleurs, le soin du tirage et des rehauts d’or et d’argent, et encore par ce complément du gaufrage obtenu, le croirait-on, par l’appuiement du coude de l’ouvrier sur le papier, ces images n’ayant rien de similaire dans la gravure d’aucun peuple de la terre  ….  » Edmond de GONCOURT

Ce qui est aujourd’hui Tokyo était autrefois Edo. A cette époque, comprise entre 1603 et 1868, sous la dynastie Tokugawa, le Japon était complètement fermé à tout contact avec le monde extérieur, mis à part les marchands chinois, coréens, et hollandais. Coupé du monde occidental pendant presque deux siècles ( 1641/1854 ) le Japon ré-ouvrira ses portes aux étrangers. Le Commodore américain Matthew Calbraith-Perry accoste à Uraga ( baie de Tokyo ) . Il est porteur d’une lettre que lui a remis le président de son pays , à savoir Millard Filmore, et insiste auprès du shogun pour qu’il accepte d’ouvrir ses frontières et son commerce au monde extérieur.Cette période de coupure  s’appelait le Sakoku. Premier traité signé avec les Etats-Unis en mai 1854 ( il s’agit de la convention de Kanagawa) qui ouvrira la voie à d’autres puissances occidentales. En 1868 commence l’ère Meiji.

Tokugawa Leyasu  devint shogun en  1603 après la bataille de Sekigahara  . Il vivait dans un petit village de pêcheurs (quasiment un marécage) appelé Edo. Il s’engagera à ramener la paix dans le pays, et voudra faire de Edo la capitale administrative. Pour se faire, il entreprendra  un gros travail de métamorphose totale. Un jour son vœu se réalisera car elle sera à même de rivaliser avec Kyoto qui était la capitale impériale.

Tokugawa_Ieyasu
Représentation de TOKUGAWA LEYASU
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 » La forêt près du sanctuaire Masaki au bord de la Sumidagawa  » ( 35e vue de la série Cent vues célèbres de Edo  » 1857 – HIROSHIGE
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 » Averse soudaine sur le pont Shin Ohashi et Atake  » ( 58e vue de la série Cent Vues célèbres d’Edo) – 1857 – Utagawa HIROSHIGE
AIX le type populaire
« Le type populaire  » 1821/1822 ( Série Physionomie de trente-deux types dans le monde moderne ) – Utagawa KUNISADA ( Sert l’affiche de l’expo )

La société fut divisée en différentes classes sociales  : les grands et riches  seigneurs  (daimyô) , les samouraïs ( guerriers issus de la noblesse ou du monde rural) , les paysans qui produisaient le riz et l’alcool qui en était issu (saké ) , les marchands , et  les artisans en accessoires de luxe. Par contre, les acteurs, artistes, poètes, courtisanes ou personnes pauvres et modestes, étaient considérés comme des marginaux. Chaque catégorie ayant son quartier pour éviter les problèmes.

AIX Juro Sukenari.jpg
 » Jûro Sukenari est tué par Nitta Shirô Tadatsune au cours d’une bataille à l’âge de 22 ans  » ( 25e scène de la Série La revanche des Frères Saga) – 1843/47 – Utagawa HIROSHIGE

Les seigneurs du pays (  Daimyô  ) se verront contraints  de faire construire et vivre avec leur famille,  dans des demeures somptueuses et fort coûteuses à Edo ; un style de vie qui était, à la longue, très difficile à maintenir et entraîner parfois leur ruine. Le shogun leur imposait par ailleurs, de voyager sans cesse  dans tous le pays et revenir souvent auprès de lui pour lui faire des compte-rendus de ce qu’ils voyaient et bien entendu, il  leur donnait de nouvelles instructions pour qu’ils repartent à nouveau en voyage. Pendant ce temps, les marchands, vers qui les Daimyô  se tournaient souvent pour leur emprunter de l’argent, s’enrichissaient. De ce fait leur statut changera et leur permettra, eux aussi, de  faire connaître ce qu’ils appréciaient que ce soit en art, en littérature, en spectacles et d’imposer leurs goûts.

Le terme Ukiyo avait à l’origine un sens assez solennel, bouddhiste, philosophique et plutôt pessimiste. Curieusement, il sera repris au XVIIe siècle par les habitants de Edo, lesquels vont vouloir en changer totalement le sens, le rendre plus optimiste, plus zen, voire même parfois plus humoristique et décalé . Il deviendra alors celui du divertissement.

 » Vivre uniquement le moment présent, se livrer tout entier à la contemplation de la lune, de la neige, de la fleur de cerisier et de la feuille d’érable. Ne pas se laisser abattre par la pauvreté et ne pas laisser transparaître sur son visage, mais dériver comme une calebasse sur la rivière : voilà ce qui s’appelle l’Ukiyo  » ( Asai Ryoi emploie pour la première fois le terme Ukiyo dans ses Contes du monde flottant (1665)

L’Ukiyo-e ( tableau du monde flottant ) reste surtout le terme donné aux  estampes.C’est un art qui est né à Edo. Il représentait  un nouvel art de vivre, un monde plein de poésie, raffinement, rêverie, s’inspirant des traditions, de la nature, des paysages, de la flore, la faune, la vie quotidienne , mais qui traite aussi du monde du théâtre, des acteurs du Tabuki, des  cérémonies du thé, de l’amour, des geishas, des courtisanes, des plaisirs futiles, des images érotiques(shunga) ….

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 » Faucon sur un pin  » 1853 – HIROSHIGE ( Ce type d’estampe appelée kachôga fait partie des adaptations japonaises de fleurs ou oiseaux que l’on pouvait trouver  en Chine sous la dynastie Ming et Qing. Hiroshige et Hokusai furent les deux plus importants maîtres dans ce genre.
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 » Travail d’aiguille  » 1794/95 – Kitagawa UTAMARO
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 » La courtisane Shungetsu dans sa loge  » ( Série des Huit Vues dans le quartier du plaisir ) – Fin 1832 – Utagawa SADAKAGE
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 » Femmes de la Cour admirant des cerisiers  »  1858 (fait partie d’un triptyque )Utagawa UTAMARO

Au départ, quasiment une illustration qui deviendra un art à part entière. – Telles des cartes postales, ou tel que le ferait un média de nos jours , elles permettaient de mieux connaitre, voir d’admirer, ou de conserver en souvenir les images de la vie citadine. Apprécié, au départ, par une classe plutôt populaire, et qui fin du XVIIIe siècle touchera fortement les élites.

Ce n’est pas un art qui restera figé. Tout au contraire, il va  considérablement changer, se développer, ne serait-ce que par les techniques qui se modernisent  : les premières estampes ( sumizuri-e) étaient à l’encre de chine noire, jusqu’au jour où la demande de couleur se fit plus pressante. C’est ainsi que naîtront les tan-e, (utilisation de tan soufré qui donnait une couleur orangée), puis les beni-e (avec du rouge) et les urushi-e(avec du noir), et enfin  les benizuri-e qui furent les première estampes couleur à être imprimées. Le premier artiste à réaliser ce genre d’estampes polychromes dites de brocart (nishiki-e) fut Suzuki harunobu en 1775. Sept ans plus tard, le maître du genre sera Kitagawa Utamaro.

Le dessinateur (eshi) n’est pas tout seul dans la réalisation d’une estampe. C’est un travail d’équipe. Il donne son dessin au graveur ( horishi ) qui la confie à l’imprimeur (surishi) après l’avoir transféré sur bois. C’est une coordination qui doit être en parfaite osmose  pour que la pièce finale soit de très bonne qualité. La qualité étant un critère important pour la vente.

Autre petit point historique à savoir : la gravure sur bois ( à l’origine chinoise ) sera employée au Japon au VIIIe siècle pour y imprimer, au départ, des textes sacrés.

L’hôtel de Caumont à Aix-en-Provence, nous fait entrer dans le monde enchanteur des estampes, au travers d’une exposition mettant en lumière 200 pièces de la merveilleuse collection de l’entrepreneur franco-polonais Georges Leskowicz, reconnue comme étant l’une des plus importantes au monde, riche en totalité de 1800 pièces signées par les grands maîtres du genre comme Hokusai (le virtuose et ses incroyables paysages )  –Hiroshige (intéressé au départ par les portraits, puis se tournera avec toujours autant de sensibilité vers les paysages, les fleurs etc..) – Utamaro (et ses beaux portraits de geishas et courtisanes) – mais aussi Gakutei ( élève de Hokkei et donc influencé par Hokusai . Il réalisera des estampes, des surimonos, et écrira des poèmes assez drôles) ,- Sharaku (spécialisé dans les portraits d’acteurs de théâtre . Il a été une grande source d’inspiration pour Toulouse Lautrec) –  Kunisada ( a débuté lui aussi avec les acteurs du Kabuki, puis s’est spécialisé avec énormément de raffinement dans les surimonos) , Shinsai ( fut élève de Hokusai. Il débute dans le paysage, puis se spécialise avec grand talent dans l’art des surimonos) , Hokkei ( Un ancien poissonnier, élève de Hokusai. Un  grand observateur de la nature. Il a réalisé un nombre important de surimonos et s’est distingué dans l’art de l’illustration pour des livres érotiques) et bien d’autres … des pièces que certains musées rêveraient d’avoir !

L’expo s’intitule :  »  HOKUSAI – HIROSHIGE – UTAMARO – Les grands maîtres du Japon – La collection Georges Leskowicz  » jusqu’au 22 mars 2020 ( Estampes, Surimino, objets, documents, photos, vidéos)

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Georges LEIKOWICZ
AIX Kosode
Kosode décoré de vagues et de fleurs de pivoines, iris, chrysanthèmes et mauves / 1800 – Prêt du Musée national des Arts asiatiques Guimet à Paris

Georges Leskowicz a hérité le goût des collections de son père Alexander. Celui-ci avait une grande passion pour les livres et manuscrits rares, donc précieux. En ce qui concerne son fils, c’est l’art japonais qui va l’intéresser. Pour parfaite sa culture de la collection dans le domaine de l’Ukiyo-e, il va se former auprès de personnalités compétentes,  très connues et réputées à l’échelle internationale. Sa fondation, créée en 2015, a pour but de permettre au tout à chacun de découvrir les pièces magnifiques

Cette promenade colorée dans ce monde flottant ancestral , nous conduit, au travers d’un parcours thématique,  dans le monde des Surimonos ( choses imprimées ) – Ils représentent la quintessence des estampes japonaises , gravures sur bois  précieuses, raffinées,  exceptionnelles, rares, car faites en très peu d’exemplaires, commandées par  une clientèle de la haute société japonaise, souvent des intellectuels, érudits, lettrés, ou personnalités culturelles, pour un usage privé ( on les offrait, par exemple, pour fêter le Nouvel An).

Ces Surimonos sont luxueux et coûteux de par les matériaux qui étaient utilisés, soyeux, avec de très belles couleur, fabriqués avec un papier blanc/opaque de qualité qui se compose de fibres de mûrier et de colle ( le hôsho). Leur éclat vient du fait que l’on ajoutait parfois de la poudre de mica et des pigments ( cuivre, laiton, étain, or ou argent) – L’effet relief structuré quant à lui, était obtenu par une technique de gaufrage.

AIX Acteur Danjuro
 » L’acteur Tchikawa Danjüro VII dans le rôle de Soga no Gorö et Omi no Okane  » – Surimino / 1818/1820 – Utagawa KUNISADA

Les textes imprimés sont soit des courts poèmes (sans rimes), soit des références littéraires issus d’œuvres classiques, ou bien des mots d’humour et d’esprit ( kyôka « poèmes fous »). La peinture et le texte y sont étroitement liés. C’est un art peu connu en Europe. D’ailleurs peu d’expos les mettent à l’honneur, la dernière en date était celle du Musée national d’arts asiatiques Guimet  » Meilleurs vœux du Japon  » en 2016 .

AIX Fuji au printemps
 » Nouveau Fuki au printemps  » – 18101829 – ( Surimino ) Utagawa TOYOHIRO
AIX La rivière Sumida
 » Vue sur le fleuve Sumida  » Surimino – (détail – Série Toutes les sortes de chevaux ) 1822 – HOKUSAI
AIX Deux dames admirant des cerisiers.jpg
 » Deux dames de la Cour admirant les cerisiers  » Surimino / 1820 – Yashima GAKUTEI
AIX Le coquillage
« Le coquillage violet  » – Surimino – 1821 – HOKUSAI

 

 

Héléna RUBINSTEIN – La collection de Madame …

RUBINSTEIN collection de Madame

«  Elle aimait se faire toujours photographier à proximité de ses objets. Elle se présentait ainsi comme une femme d’avant-garde qui mettait sur le même plan l’Occident et l’Afrique. Au-delà de son personnage flamboyant et la façon dont elle avait pu embellir sa vie, elle avait un rapport authentique avec cette collection. Elle utilisait aussi ces œuvres fortes pour tester les gens à qui elle avait affaire. Cela la mettait à part. C’était audacieux pour une femme à l’époque.  » Hélène JOUBERT ( Responsable de l’Unité patrimoniale Afrique au musée du Quai-Branly Jacques Chirac à Paris)

Lorsque l’on entend le nom d’Héléna Rubinstein, on pense avant toute chose à la célèbre marque de cosmétiques dont elle fut la fondatrice . Dans ce domaine, elle a voulu sublimer l’image de la femme et comme le disait si justement Jean Cocteau elle fut l’impératrice de la beauté. Si on a dit qu’elle était une féministe,  c’est pas franchement dans le sens propre de ce terme, mais plutôt par le biais de la beauté qu’il faut le comprendre . En effet, elle a beaucoup œuvré pour la beauté de la femme et  cela a été pour elle un véritable moteur.

Madame, 1m47 (certains disent 1m42)  a été une travailleuse acharnée , une rebelle au caractère bien trempé, un brin autoritaire, moderne, non conformiste,  une rigoureuse et redoutable   femme d’affaires et une collectionneuse compulsive, dans ce dernier domaine comme en beauté, elle fut une pionnière. Sa vie est un véritable roman !

Il est vrai que l’on connait moins ce pan de sa vie : collectionneuse et pas qu’un peu :  une grande, intuitive, curieuse,  avertie, visionnaire, avant-gardiste. Collectionneuse particulièrement en  art africain et océanien. Elle commence cette passion en 1908,  fera l’acquisition de 400 pièces  jusqu’en 1960, lesquelles étaient installées  dans ses appartements de Paris, Londres  et New York.  Après son décès, la collection totale fera l’objet de trois ventes aux enchères à New York et seront alors réparties un peu partout dans le monde . Compte tenu du fait que ce sont vraiment des pièces rares, d’une grande qualité, leur prix a atteint ( et continue d’atteindre encore récemment) des records.Elle a toujours eu un goût très sur pour les choisir.

RUBINSTEIN masque Dan Ngere
Masque féminin Dan- Côte d’Ivoire- Région de Man XIXe siècle ( Ex.Coll.Rubinstein / Désormais Collection particulière) ( Cette pièce illustre l’affiche de l’expo)

Ses ventes aux enchères ce sont faites parce que la famille n’était  absolument pas intéressée par ces collections et que de son côté, elle n’a pas eu envie d’en faire don à un quelconque musée ou créer une Fondation qui s’en serait occupée. Cette collection, elle l’a souvent dit, a représenté  sa vie et elle n’a pas pensé que tout le temps qu’elle y avait  consacré, l’argent dépensé , les efforts fournis,  et les ressentis éprouvés, puissent être quelque chose de transmissible. Son  souhait fut qu’elles soient dispersées et ses exécuteurs testamentaires ont respecté ce choix.

RUBINSTEIN et ses collections appartement de Paris
Héléna RUBINSTEIN dans son appartement de Paris avec certaines de ses œuvres

Pourquoi une pionnière ? Tout simplement parce que le marché de ce type d’art commençait à peine à se développer à Paris et qu’ elle fut l’une des premières à les avoir faits connaître, fascinée par ces masques et autres représentations figuratives, leur expressivité, la façon dont les visages étaient  traités.

RUBINSTEIN masque SENOUFO Côte d'Ivoire collection privée
Masque Senoufo Côte d’Ivoire ( Ex.Coll.Rubinstein / Désormais collection particulière)
RUBINSTEIN Masque féminin Dan
Masque féminin Dan / Côte d’Ivoire, région de Man XIXe siècle ( Ex.Coll Rubinstein / Désormais Collection privée)
RUBINSTEIN Figure féminine du Lefem Bamileke Chefferie Bangwa Cameroun, XIXe siecle
Figure féminine du Lefem Bamileke Chefferie Bangwa/ Cameroun XIXe siècle . Il s’agit là de l’une des pièces maîtresses de l’expo- Rubinstein l’a acquise en 1930 lors de l’exposition d’art africain et océanien qui se tenait à Paris -Elle faisait partie de la collection de Charles Ratton  – ( Ex Coll. Rubinstein / Fait désormais partie des collections du musée Dapper à Paris)

 

Elle s’est même battue non seulement pour leur reconnaissance, mais pour la valorisation de ces arts premiers qu’elle voulait voir devenir des «  beaux arts « . Héléna Rubinstein s’est toujours sentie très proche de ses œuvres, elle voyait en elles beaucoup de profondeur, de spiritualité et au fil du temps,  elle s’est forgée une grande connaissance historique à leur sujet , alors qu’au départ elle affirmait manquer totalement de culture générale. Mais elle a persévéré, appris des autres et des livres, et ce savoir, associé à son intuition, lui ont permis de mieux connaître des œuvres que l’on peut qualifier d’exceptionnelles et qu’elle a réussi à acquérir .

RUBINSTEIN Kota Gabon The Kreeger collection de Washington
Kota/Gabon ( Ex coll. Rubinstein / Désormais The Kreeger Collection à Washington )

Elle a été amenée à la collection et découvert  les arts premiers  par son ami le sculpteur Jacob Epstein. Ce dernier avait une conception de l’art qui dépasser les frontières de l’Europe, pour lui l’art ne s’arrêtait pas là, il était universel. C’est la raison pour laquelle il a été fortement influencé par d’autres cultures et notamment africaines, océaniennes, indiennes, améridiennes etc….  Avec lui, Héléna Rubinstein a fait ses premiers pas dans ce type d’art et elle a fréquenté ceux qui s’ y intéressaient aussi à l’époque comme par exemple André Derain, Maurice de Vlaminck ou Pablo Picasso.

Elle fréquente les cercles intellectuels, de nombreux artistes ( écrivains, sculpteurs, peintres parmi lesquels : Louise de Vilmorin, Van Dongen,  Modigliani, Cécile Sorel, Réjane, la comtesse Greffhule, Pablo Picasso, Colette, Misia Sert, Salvador Dali, Marc Chagall, louis Marcoussis, et divers autres ) , les galeries d’art, les marchands, les ventes publiques,  l’Hôtel Drouot, se tient également au courant des éventuelles mises à la vente de ces objets par des collectionneurs etc…  et commence sa collection avec frénésie et boulimie Elle a un flair étonnant pour dénicher des pièces remarquables et assez d’argent pour les acquérir. Une partie viennent du Nigéria, Cameroun, Côte d’Ivoire, République démocratique du Congo. On y trouve des objets utilitaires de la vie quotidienne  , des instruments de musique, des masques, des étriers, des poulies … C’est assez éclectique, surprenant et inattendu.

 

RUBINSTEIN collection privée Etrier de poulie de métier à tisser baoulé Côte d’Ivoire, XIXe siecle.
Étrier de poulie métier à tisser – Côte d’Ivoire XIXe siècle ( Ex.Collection Rubinstein/Désormais Collection particulière )

Le musée du Quai Branly-Jacques Chirac a souhaité se tourner sur cet aspect de sa vie  au travers d’une superbe exposition intitulée :

 » Héléna RUBINSTEIN – La collection de Madame  » … Jusqu’au 28 juin 2020 laquelle réunit une soixantaine de pièces issues de sa collection ainsi que de nombreuses photos . Le musée en détient cinq, les autres viennent de collections particulières et de prêts issus d’institutions internationales.

RUBINSTEIN poterie funéraire représentantun démon Amérique du sud 200 avant JC - 600 après JC musée branly
Poterie funéraire représentant un démon / Amérique du Sud 200 avant J.C. – 600 après J.C ( Ex Coll.Rubinstein / Désormais Musée du Quai-Branly Jacques Chirac à Paris )
RUBINSTEIN tête funéraire Krinjabo Anyi Cote Ivoire musée du quai Branly
Tête funéraire Krin Jabo Anyi / Côte d’Ivoire ( Ex.Collection  Rubinstein / Fait désormais partie des collections du Musée du Quai-Branly Jacques Chirac à Paris )
RUBINSTEIN statue d'ancêtre Adu Zatua Ile de Nias XIXe siècle Musée quai Branly
Statuette ancêtre Adu Zatua-Île de Nias XIXe siècle ( Ex.Coll.Rubinstein /Désormais collections du Musée du Quai-Branly Jacques Chirac à Paris)

Alors qui était vraiment Héléna Rubinstein … C’est ce que je vous invite à découvrir :

Chaja Rubinstein est née en 1872 dans un quartier juif orthodoxe de Cracovie (Pologne), aînée de huit enfants ( des filles). Dès son plus jeune âge, elle affirme un caractère très difficile, rebelle, pas très portée sur les travaux ménagers qu’on lui demande de faire pour aider sa mère. Elle s’oppose de toutes ses forces à un mariage arrangé et décide d’échapper à la vie qui l’attend en partant, au départ, pour Vienne où elle sera vendeuse dans le magasin d’une sœur de sa mère, puis en embarquant seule sur un paquebot qui l’emmène à Melbourne (Australie) en 1896. C’est lors de la traversée qu’elle change son prénom en Héléna. L’histoire raconte qu’elle emportera avec elle, les petits pots de crème que sa mère aurait glissé dans ses valises ( 12 au total) et qui auraient été réalisés par deux chimistes hongrois qui étaient ses amis.

Même si ses relations avec sa famille  furent assez compliquées, elle a toujours cherché au fil des années qui suivront, à l’aider.  Pauline, Manka, Stella et Sanska, ses sœurs,  ont travaillé avec elle.

A Vienne, elle s’était mise à concocter dans l’arrière boutique d’un pharmacien qui la perfectionne en cosmétique, des crèmes destinées aux visages des femmes, avec pour base, les petits pots de maman dont elle tentera de reproduire la composition en l’améliorant et en la perfectionnant.. En arrivant à Melbourne, elle continuera encore . Afin de gagner de l’argent, elle sera serveuse. Elle y fait des rencontres, notamment des personnes qui lui parlent de marketing et lui prodiguent des conseils pour se lancer en tant que femme d’affaires . Après avoir fait de nombreux essais avec ses crèmes, des erreurs aussi, elle arrive au résultat qu’elle escomptait. Elle les commercialise,   fait des ventes par correspondance et finit par se faire connaître, être reconnue, et ouvrir un premier institut en 1902 , elle l’appelle La Maison de Beauté Valaze.

En 1906, elle rencontrera un journaliste qui deviendra éditeur :  Edward William Titus. Il est beau, cultivé, elle en tombe amoureuse. Ils se marient en 1908. C’est lui qui la surnomme Madame la première fois. Si au départ, il fut attiré par l’énergie et le charisme de Madame, au fil du temps il ne supportera plus son caractère bien trempé. Il est plutôt du genre à aimer la maison et la famille, elle pas vraiment. Il est coureur, la trompe, elle est jalouse, lui fait des crises terribles. Il se fait pardonner en lui offrant des bijoux hors de prix et vu la collection (évaluée à 1 million de dollars )  qu’elle avait, on peut supposer que Monsieur est allé souvent voir ailleurs … même si elle en a acheté elle-même un certain nombre. Ils vont se séparer en 1917, puis divorceront en 1938. Le décès de Titus va énormément l’attrister.

Ils auront deux fils : Roy ( 1909 )  et Horace 1912 ). Héléna Rubinstein aime ses enfants mais n’est pas une mère très présente, mais curieusement envahissante . Ils en souffriront beaucoup

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Six ans plus tard, en 1908, elle a véritablement confirmé son savoir-faire, elle décide de partir pour Londres, emportant avec elle une crème dite miraculeuse qu’elle a mis au point. Elle ouvre un nouveau institut dans un quartier huppé. Elle achète des espaces publicitaires, se fait une réputation dans toute l’aristocratie londonienne et le bouche à oreille va merveilleusement fonctionner.  Elle entend parler d’un salon réputé de Paris qui est mis en vente rue du Faubourg Saint-Honoré. Elle l’achète et part pour la capitale. En 1913 elle ouvre son premier laboratoire à Saint-Cloud et collabore avec des chimistes. Un second laboratoire verra le jour, quelques années plus tard,  à Long Island aux Etats-Unis.

RUBINSTEIN dans son labo à Saint Cloud
Héléna Rubinstein dans son laboratoire de Saint-Cloud

A l’aube de la première guerre mondiale, en 1914,  elle part pour New York, seule, laissant derrière elle mari et enfants,  bien décidée à conquérir les Etats-Unis. Premier institut entre la 15e rue et la 49e avenue. Un véritable temple de la beauté décoré avec de splendides sculptures. Une école de beauté verra le jour également, ainsi que d’autres instituts à Boston et Chicago. Elle se bat dans son domaine car elle a face à elle : Estée Lauder et Elisabeth Arden, qui sont déjà très connues sur le marché américain. Des rivales ! La seconde a vu l’arrivée de Rubinstein d’un très mauvais œil. A chaque fois qu’elles se rencontreront, elles ne s’adresseront pas la parole, et lorsque Héléna ouvrira son institut, Elisabeth sera tellement furieuse qu’elle en ouvrira un dans la même rue. Elles se livreront une lutte sans pitié.

En 1938 elle épouse  Artchil Gourielli Tchkonia, vingt-trois ans de moins qu’elle (eh oui Madame était un peu une cougar de l’époque …), bel homme, élégant, avec une certaine classe  . Qu’importe la différence, il est prince et elle devient princesse ( elle aimait qu’on l’appelle ainsi ). Par contre, c’est un prince qui aime se laisser vivre, travailler un minimum  et jouer au bridge   ! Leur mariage va durer 17 ans, jusqu’au décès d’Artchil en 1955. Elle hérite de sa fortune. Ce fut l’une des clauses de leur contrat de mariage.

RUBINSTEIN Artchil son époux et Héléna
Héléna et son second marie Artchil

Sept ans plus tard elle retrouve Paris qui a souffert de la guerre. Son appartement a été saccagé, son laboratoire de Saint-Cloud détruit, son salon de beauté pillé et ses comptes en banque parisiens  vidés. Fonceuse et déterminée, elle veut tout recommencer, fabrique de nouvelles crèmes, retrouve une clientèle aisée et son institut son aura. Idem à Londres où elle ouvrira une nouvelle enseigne compte tenu que la première a complètement été, elle aussi, détruite par un bombardement.

Le décès de son second fils Horace en 1958 dans un accident de voiture, la plonge dans une tristesse immense car des deux enfants il était son préféré. Au départ, elle s’enferme dans un mur de silence, puis décide de reprendre ses affaires en mains..

J’ai parlé de son goût pour les collections d’art africain et océanien, mais Héléna Rubinstein a aimé fréquenter, s’entourer, s’intéresser à bon nombre de peintres et de sculpteurs, de les soutenir, et ce même lorsque leur travail  ne correspondait pas franchement à ses goûts . C’était souvent par amitié qu’elle le faisait . Non seulement elle fut leur mécène, mais elle leur rendait visite régulièrement dans leurs ateliers, les invitait régulièrement à déjeuner ou dîner.

C’est elle qui s’est occupé de la création des produits de maquillage utilisés par Joséphine Baker pour sa Revue Nègre.

Elle a acquis un très grand nombre de tableaux signés Laurencin, Juan Gris, Picasso, Braque, Matisse, Chagall, Ribera, Kahlo et autres … Elle fut aussi la muse de Paul César Helleu, Raoul Dufy, Sarah Lipska, Marie Laurencin qui l’ont représentée. Les sculptures de têtes, bustes ou corps de femmes ont eu une grande importance pour elle. Qu’elles soient en bois africain, en verre opaline ou en marbre, elles ont tenu une place de choix dans ses collections notamment celles de Elie Nadelman ou Chana Orloff.

Héléna Rubinstein a éprouvé une grande passion pour la mode. Elle fut une des premières clientes de Saint Laurent, mais l’amie de Dior, Chanel, Lanvin, Balenciaga et Schiaprelli.

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Héléna Rubinstein devant les différents portraits que l’on a pu faire d’elle

Elle est morte à New York en 1965 à l’âge de 93 ans, en laissant derrière elle un empire immense  – La Maison Rubinstein sera revendue à L’Oréal en 1988.

RUBINSTEIN statue Bamana région Sikasso Ganadougou Collection privée
Statue Bamana- région Sikasso Ganadougou ( Ex.Coll.Rubinstein/Désormais collection particulière)